Club de Fans Clemente Padín de Buenos Aires

Acerca del proyecto CFCPBA

2010-10-02T05:58:00.000-07:00

Estimados amigos de Clemente Padín, y lectores del CFCPBA:

Soy Beatriz Ramírez, artista invisible e independiente, creadora de esta situación denominada "Club de Fans de Clemente Padín de Buenos Aires" (Manifiesto)

Como consecuencia de mi formación humanista, siempre he considerado el Arte como un pensamiento emancipador en la Sociedad cuyo aporte filosófico, ecuánime, poético y estético revela un modo Otro de mirar y presentar la cotidianidad. Por ello, mis proyectos artísticos, del cual este blog es integrante, son creados con la ambición de propiciar el bienestar general y la Igualdad de Oportunidades.

Cuando conocí a Clemente Padín, su obra no estaba lo suficientemente difundida en Buenos Aires y como consecuencia de una broma de su parte "Nombrarme Fanática de Clemente Padín en Buenos Aires" desarrollé este proyecto artístico en varias etapas y a través de casi 3 años.

Caminar este trecho junto a él, ha sido de inspiración y aprendizaje con mayor razón, cuando conocí su obra "EL ARTISTA ESTA AL SERVICIO DE LA COMUNIDAD" presentada en la XVI Bienal de Sáo Paulo.

Octubre de 2010 en Buenos Aires, presenta un Clemente Padín conocido en C.A.B.A, presentando su Obra, sus Libros y rodeado de alumnos y amigos que aprecian y valoran tanto su Persona como su Obra. Por lo tanto, considero que ha llegado el tiempo de cerrar este proyecto donde el mismísimo Clemente Padín, con la generosidad que lo caracteriza se integró como contribuyente, colaborando con el envío de fotografías, textos e imágenes que pasan a ser parte del Dominio Público.

Este blog junto con la idea "CLUB FANATICOS de CLEMENTE PADIN de BUENOS AIRES" esta bajo un licenciamiento Creative Commons del tipo Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual 2.5:

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Al reutilizar o distribuir la obra, tiene que dejar bien claro los términos de la licencia de esta obra.
Alguna de estas condiciones puede no aplicarse si se obtiene el permiso del titular de los derechos de autor

Los derechos derivados de usos legítimos u otras limitaciones reconocidas por ley no se ven afectados por lo anterior.

Esto es un resumen fácilmente legible del texto legal (la licencia completa).

COROLARIO

Por solicitud de don Yamandú Cuevas y para que forme parte del presente testimonio:

- Sobre enviado a Clemente Padín el 19 de mayo de 2011. Collage y lápiz sobre un sobre de 16,3 x 11,6 cm.

Este envío constó de una carta-dibujo-espiral con direcciones postales de 5 amigos artecorreístas de distintos países, 10 hojas del cedrón del jardín del taller, la postal "lanzallamas" que pueden ver aquí al lado y el catálogo (intervenido) de la exposición "Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido" realizada en la Fundación Proa de Bs. As. entre marzo y julio 2011.

Marilyn

(Este collage y su imagen resultante fue creada como sobre de arte correo y para ilustrar la portada del blog "Club de Fans Clemente Padín de Buenos Aires")

Ver en fuente

Beatriz Ramírez

Hoy, 10.10.11 no es posible evitar la alegría de la noticia recibida de parte de Don Clemente:

(Para ampliar imagen favor de clickear sobre ella)

Beatriz Ramírez

Presentación del libro de Clemente Padín: “De la Representación a la Acción”

2010-10-01T08:43:00.000-07:00

 Guillermo Pérez Raventós

II CONGRESO INTERNACIONAL ARTES EN CRUCE

Departamento de Artes, Facultad de Filosofía y Letras, UBA
Propuesta: mesa
Fecha: lunes 4 de octubre de 2010.
Mesa a cargo de: Clemente Padín, Fernando Davis, Guillermo Pérez Raventós

Treinta cinco años separan una edición de otra. “De la representación a la acción” fue publicada en francés y hasta la fecha no se había conocido, en formato de libro, una versión castellana. En 1975 Julien Blaine lo traduce y edita en Francia en el nro. 1 de su revista DOC(K)S y, luego, en libro para su colección "Les Anartistes". Estos originales con los que se trabaja para su primera edición francesa se perdieron definitivamente en manos de la dictadura Uruguaya, estas circunstancias hicieron necesaria para esta publicación la digitalización completa del libro.  La historia de los originales se relata en el Prólogo de esta edición que escribe el mismo Julien Blaine, por ese motivo no abundaremos en esos detalles, solo cabe consignar que se respetó íntegramente, a pedido del autor la diagramación y diseño original, tan sólo actualizamos algunas formas ya en desuso de la pieza gráfica original. Sin embargo debemos retroceder un poco más, y es a fines de los ’60 donde se inicia realmente esta historia. De estas primeras fechas data la propuesta de Clemente Padín de un arte de la acción y sin objetos o arte NO objetual plasmada en esta obra. Luego en 1971 comienza a difundir por correo los comunicados donde da cuenta de esta iniciativa, cuatro en total, Inobjetual 1, 2, 3 y 4. Que conforman el capítulo “Hacia un lenguaje de la acción”.  Se hace hincapié en esta cronología por lo particular del momento histórico que atravesará a Latinoamérica y a la vida de Clemente Padín, consecuencia directa que tendrá algunos años más tarde en la historia de este libro. Nos acercamos entonces a la visita que hace Julien Blaine en Montevideo a Clemente Padín y su posterior detención junto a Jorge Caraballo por la dictadura uruguaya. En un plazo de siete años que van de 1977 a 1984 y de condición de desaparecido a juzgado y condenado por la justicia militar a cuatro años por el delito de “Escarnio y Vilipendio a la Moral de las Fuerzas Armadas” a la condición de “Libertad Vigilada”; momento, este último, que encuentra el autor y su libro imposibilitado de asistir al Coloquio de Arte No-Objetual y Arte Urbano en el Museo de Arte Moderno de Medellín en 1981.  La importancia que adquirió este coloquio organizado por Juan Acha para sentar las bases de las Manifestaciones No objetualistas y el arte conceptual latinoamericano aún hoy están vigentes, baste consignar algunos de las personalidades que pudieron estar presentes: Peyote y la Compañía, el No Grupo y Proceso Pentágono, Felipe Ehrenberg, Víctor Muñoz, Maris Bustamante, Rita Eder, Melquíades Herrera, Adolfo Patiño, Rubén Valencia, Magali Lara, Lourdes Grobet, Jorge Glusberg, Leopoldo Maler, Marta Minujin, Víctor Grippo, Liliana Porter, Graciela Gutiérrez Marx, Ana Mendieta, Antonio Caro, Alberto Sierra, Álvaro Herazo, Iginio Caro, Miguel González, Nadin Ospina, Alvaro Barrios, Jonier Marín, Leonel Estrada, Mirco Lauer, Cildo Meireles, Aracy Amaral, Paulo Brusky, Regina Vater.  Por eso considero que con esta primera publicación con la cual inauguramos la colección “pensar en arte” de editorial “al margen” comenzamos de la mejor forma, reivindicando al lector de habla castellana que tendrá por primera vez en sus manos una versión en idioma original de este importante legado conceptual que nos deja Clemente Padín y por otra parte reivindicando a su autor como pionero merecido del Arte No-Objetual.

Universos Co Habitados Curador Clemente Padin

2010-10-01T08:27:00.000-07:00

(Click sobre imagen para ampliar)

MULTIEXPOSICIÓN EN BUENOS AIRES
Octubre 2010

1 Gran Circuito Urbano
7 Exposiciones Simultáneas

Universos Co Habitados

Alejandro Masseilot

Curador
Clemente Padín

CIRCUITO:
Casal de Cataluña / barrio de San Telmo
Centro Cultural de la Cooperación / barrio de San Nicolás, zona Centro
Centro Cultural Recoleta / barrio de la Recoleta
Centro Cultural Urondo, UBA / barrio de San Nicolás, zona Micro Centro
Ciudad Cultural KONEX / barrio de Balvanera, zona Abasto
Empresa EDESUR / barrio de Floresta
Facultad de Filosofía y Letras, UBA/ barrio de Caballito

INAUGURACIÓN GENERAL
Centro Cultural Recoleta
Martes 19, 19 hs., Patio del Aljibe

Contacto:
universoscohabitados.wordpress.com

Durante el mes de octubre y en un singular circuito por diferentes barrios, se presenta una extensa retrospectiva de la obra Universos Co Habitados del artista Alejandro Masseilot.

La MULTIEXPOSICIÓN EN BUENOS AIRES está conformada por fotografías y videos de intervenciones artísticas en espacios urbanos, rurales y naturales de Sudamérica y Europa.

Universos Co Habitados es una obra de arte contemporáneo transdisciplinaria y dinámica que interacciona poéticamente con el espacio, el cuerpo y la imagen.

Masseilot, es el autor de esta singular propuesta cocreativa en 2003 y desarrollada mediante sus performances junto a artistas visuales de los diferentes países.

Esta obra y su circuito por las 7 exposiciones, introduce un propio relato urbano en Buenos Aires basado en el “co habitar” desde una dimensión local y universal:
interacciones de universos creativos, disciplinas, lugares, geografías, tiempos y culturas.

Circuito Detallado / octubre 2010

Casal de Catalunya de Buenos Aires
Chacabuco 863, barrio de San Telmo
Sala Gaudi
Desde el lunes 4 al sábado 30
Lunes, Martes, Jueves y Viernes de 15 a 19 y los Sábados de 14 a 17 hs.
www.casal.org.ar
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en el Monasterio de Montserrat
Barcelona
Fotografía: “marioNa”
Charla:
Co Habitando Monserrat, experiencias de vida
Jordi Mallol, presidente del Casal de Catalunya
María del Mar Altabella Tobías, productora general L'hora catalana
Alejandro Masseilot, director de Universos co Habitados
Jueves 28, 19 hs.
Sala Miró

Centro Cultural de la Cooperación
Piso 3
Av. Corrientes 1543, barrio de San Nicolás, zona Centro
Desde el lunes 4 al miércoles 6, de 9 a 21 hs.
A partir del jueves 7 la exposición se traslada al C. C. Urondo.
www.centrocultural.coop
II Congreso Internacional Artes en Cruce
Conferencia:
MULTIEXPOSICIÓN EN BUENOS AIRES Universos Co Habitados
Alejandro Masseilot, Norma Ambrosini
Martes 5, 15.50 hs.
Sala Jacobo Laks
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en El Camino Niemeyer
Lugar: Teatro Popular
Niteroi, Río de Janeiro
Arquitecto Oscar Niemeyer
Fotografía: Gustavo Cassano

Centro Cultural Recoleta
Junín 1930, barrio de la Recoleta
Espacio Central, Planta Baja 2 y 3
Desde el sábado 9 al sábado 30,
de lunes a viernes de 14 a 21 hs.
sábado, domingo y feriados, de 10 a 21 hs.
INAUGURACIÓN GENERAL DE LA MULTIEXPOSICIÓN EN BUENOS AIRES
Martes 19, 19 hs.
Patio del Aljibe
Hablarán:
Jordi Font, Delegado del Gobierno de Catalunya en Argentina
Micaela Fernández Darriba, representante de la Fundación CUMULUM de Galicia
Mireya Baglietto, artista núbica
Dr. José María Paolantonio, Director teatral
Grissy Santomauro, especialista en danza
www.centroculturalrecoleta.org
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en Los Caminos a Santiago
Cataluña, Madrid y Galicia.
Intervención artística de diferentes Caminos a Santiago en sus arquitecturas multiculturales:
Camino Catalán: Monasterio de Montserrat
Fotografía: “marioNa”
Camino de Madrid: Museo Reina Sofía
Antiguo Hospital San Carlos
Fotografía: Daniel Reigosa
Camino Primitivo: Muralla de Lugo
Camino Francés: Monasterio de Samos
Camino del Norte: Castro de Viladonga
Ruta Marítima: Dolmen de Axeitos
Santiago de Compostela: Centro Gallego de Arte Contemporáneo
Arquitecto Alvaro Siza Vieira
Fotografía en Galicia: José Reigosa
Exposición TV:
Universos Co Habitados / Retrospectiva 2003-2010
Video sin fin conformado por 21 intervenciones artísticas: las presentadas de manera impresa en las 7 exposiciones e incorporando también las siguientes creaciones:
Lugar: Museo Nacional Reina Sofía, Madrid
Arquitecto Jean Nouvel
Fotografía: Daniel Reigosa
Lugar: Centro de Artes CaixaForum, Madrid
Arquitectos Jacques Herzog y Pierre de Meuron
Fotografía: Daniel Reigosa
Lugar: Fundación Niemeyer, Niteroi
Arquitecto Oscar Niemeyer
Fotografía: Brenda Loiacono, Gustavo Cassano
Lugar: Museo de Artes Juan Castagnino, Mar del Plata
Arquitecto Gustav Serrurier-Bovy
Fotografía: Sergio Jiménez
Lugar: Luces Urbanas, Buenos Aires
Fotografía: Luís Eduardo Martínez

Centro Cultural Urondo, UBA
25 de mayo 221, barrio de San Nicolás, zona Micro Centro
Sala de las Columnas
Desde el lunes 4 al viernes 29 De lunes a viernes de 9 a 19 hs.
www.filo.uba.ar
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en Sudamérica
Textos: Norma Ambrosini
Argentina
Instalación Fotográfica
Lugar: Escuela Municipal de Bellas Artes (EMBA), Quilmes
Performance: Zulema Eleo, Alejandro Masseilot
Fotografía:
Gabriela Alonso, Analía Boscato, Jimena Chamorro, Mónica Damario, Mónica González, Vanesa Goycoolea, Grupo DEM, Fernando San Martín, Nélida París Sousa
Lugar: Casa del Puente, Mar del Plata
Arquitecto Amancio Williams
Performance: Zulema Eleo, Alejandro Masseilot
Fotografía: Otilio Moralejo
Brasil
Lugar: Museo de Arte Contemporáneo, Niteroi
Arquitecto Oscar Niemeyer
Performance: Alejandro Masseilot
Fotografía: Patricia Gouvea, Paula Scamparini
Uruguay
Lugar: Iglesia de Atlántida, Canelones
Ingeniero Eladio Dieste
Performance: Zulema Eleo, A. M.
Fotografía: Roberto Lafforgue
Chile
Lugar: Monasterio de Las Condes, Santiago
Arquitectos Ángel Guarda y Martín Correa
Performance: Alejandro Masseilot
Fotografía: Celeste Rojas Mugica

Ciudad Cultural KONEX
Sarmiento 3131, barrio de Balvanera, zona Abasto
Desde el viernes 1 al sábado 30, de miércoles a lunes.
Abierto al público que ingresa a los espectáculos de CCK.
www.ciudadculturalkonex.org
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en el Centro Internacional Niemeyer
Avilés, Asturias
Arquitecto Oscar Niemeyer
Fotografía: José Reigosa

Empresa EDESUR
Av. Alberdi 4099, barrio de Floresta
Programa EDESUR y la Cultura
Desde el viernes 1 al viernes 29, de lunes a viernes de 8 a 16 hs.
www.edesur.com.ar
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en la Biblioteca Nacional
Buenos Aires
Arquitecto Clorindo Testa
Fotografía: Sergio Jiménez

Facultad de Filosofía y Letras, UBA
Puan 480, barrio de Caballito
Sala Puigrós, piso 2
Desde el lunes 4 al miércoles 6, de 9 a 21 hs.
A partir del jueves 7 la exposición se traslada al C. C. Urondo.
www.filo.uba.ar
Exposición Fotográfica:
Universos Co Habitados en el Centro Municipal Sur
Rosario, Santa Fe
Arquitecto Álvaro Siza Vieira
Fotografía: Sergio Jiménez

Agradecimientos Especiales a:
La Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina por su constante acompañamiento desde 2004.
La Delegación del Gobierno de Catalunya en Argentina.
La Delegación de la Xunta de Galicia en Buenos Aires.
La Fundación cultural CUMULUM de Galicia y a su presidenta, la artista y curadora Luz Darriba por haber seleccionado internacionalmente la obra y por haber organizado en mayo de 2010 las intervenciones artísticas de los Caminos a Santiago con una extraordinaria dedicación y calidad humana.
El fotógrafo José Reigosa de Galicia por su gran participación en la obra.
El Sr. Adail Barbosa Da Silva Filho por contribuir con la intervención artística en el camino Niemeyer de Niteroi, Río de Janeiro.
El Departamento de Artes de la Facultad de Filosofía y Letras, UBA.
Todas las personas amigas, parientes, colaboradores, artistas, instituciones públicas y privadas, organismos nacionales y extranjeros y empresas que han colaborado con Universos Co Habitados posibilitando su existencia en estos siete años.

A. Masseilot

Acompañan a Universos Co Habitados:
-Dirección General de Asuntos Culturales, Cancillería Argentina.
-Comisión de Preservación de Patrimonio Histórico Cultural, GCABA.
-Programa de Integración Cultural, GCABA.
-Delegación del Gobierno de Catalunya en Argentina.
-Fundación Cultural CUMULUM, Lugo, Galicia.
-Asociación de Empresarios Gallegos de Argentina
-Departamento de Artes, facultad de Filosofía y Letras, UBA
-Secretaría de Extensión, Facultad de Humanidades y Artes, UNR
-Empresa Latin Gráfica
-Empresa Fotogen
-Empresa Olea del Valle
-Revista Malabia
-Diseño gráfico Espacio en Blanco

Prensa y Comunicación:
Simkin & Franco
www.simkin-franco.com.ar

Producción:
Advita

Alejandro Masseilot
Artista multidisciplinario y gestor cultural uruguayo radicado en Argentina.
Performer, actor y especialista en técnicas corporales, autor y director de obras de danza teatro con una poética escénica propia. Dicta sus talleres de movimiento en el Centro Cultural Gral. San Martín y ha ganado reiteradas veces los concursos del Instituto Pro Danza y del Fondo Metropolitano de las Artes y las Ciencias de la ciudad de Buenos Aires. Miembro de la Comisión de Cultura del CCSC de la
Cancillería Argentina, en los últimos años se focaliza en el arte urbano desarrollando desde 2003 la obra Universos Co Habitados en Sudamérica y Europa. Es autor del Laboratorio de creación transdisciplinario Percepciones, director del Encuentro internacional de arte urbano Arte Acción Plaza y, junto a Luis E. Martínez, coordina el V Ciclo de Arte Urbano.

Clemente Padín
Artista y curador uruguayo, con una enorme trayectoria y reconocimiento internacional en el arte de acción, la performance, la poesía visual, etc. Conoce la obra de Masseilot de cerca desde hace varios años y con mucha valoración de ella, como así también, de este inédito formato de exhibición en un circuito. Es uno de los grandes referentes específicos en Latinoamérica en la performance. Dicta un seminario de posgrado en el IUNA y en octubre se publica su primer libro en Argentina, publicado en Francia años atrás. Estará presentando su libro el 4 de octubre en el II Congreso Internacional Artes en Cruce organizado por el Depto. de Artes de la Facultad de Filo UBA, Congreso en el cual también participará Masseilot. Y, en septiembre inaugura una muestra en la galería Document art de Buenos Aires.

Colaboración:
Norma Ambrosini
Rodolfo Belusci
Micaela Fernández Darriba
Sergio Jiménez
Luís Eduardo Martínez
Graciela Nocetti
Marcela Rosen
Carla Pugno
Jorge Ramírez

Dirección:
Alejandro Masseilot

Organización General:
Núcleo de Arte PRESENTE CONTINUO

Contacto:
(005411) 4393 8827
masseilot@gmail.com
universoscohabitados.wordpress.com

La revuelta de los signos -Documentos 15 -12 - 5

2010-09-27T14:22:00.000-07:00

-15-
(Para ver video click sobre imagen)

-12-
(Para ver video click sobre imagen)

-5-
(Para ver video click sobre imagen)

Continuará...

Clemente Padín "la revuelta de los signos"

2010-09-13T06:50:00.000-07:00

(Para ampliar imagen clickear sobre ella)

2010-09-08T10:22:00.000-07:00

Clemente Padín abre la temporada Primavera 2010...

Festejando sus primeros 40 años de Performances e Intervenciones Urbanas, Clemente Padín se presentará en el Encuentro CUERPO A CUERPO a realizarse del 15 al 18 de Setiembre 2010, en Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, España. El evento que reúne a grandes performers de la hora actual es organizado por el curador Pedro Diniz del Centro de Arte La Regenta. De regreso abrirá una exposición personal el 24 de Setiembre, que se extenderá hasta el 15 de Octubre, en la recientemente inaugurada Galería Document-Art, en Loyola 32, Buenos Aires, Argentina.

Clemente Padin opens the season Spring 2010...

Celebrating his first 40 years of Performances and Urban Interventions, Clemente Padin will be introduced in BODY TO BODY Encounter from 15 to 18 September, 2010 in The Palms of Great Canaria, Canarias Islands, Spain. The event that gathers big performers of the current hour is organized for the curator Pedro Diniz of Art Center The Regenta . After Padín will inaugurate a personal exposition at 24 of September, that will extend until October 15, in Document-Art Gallery, Loyola 32, Buenos Aires, Argentina.

TODOS ESTÁN INVITADOS...!
ALL ARE INVITEDS...!

Este es otro servicio a la comunidad del Club de Fans de Clemente Padín, sede Buenos Aires, Argentina.

Si Usted desea desafiliarse cliqué acá...dónde?
http://www.beatrizramirez.com.ar/videosdeCP.htm 
http://clementepadin.blogspot.com/
clementepadin@gmail.com

2º ENCUENTRO CUERPO A CUERPO

2010-09-08T10:10:00.000-07:00

Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, España Del 15 al 18 de Setiembre, 2010

2º Encuentro de Performance

Cuerpo a cuerpo 2010. Laboratorio Somático

Me divierto o me conmuevo enormemente, los diálogos o los gestos o las danzas me llegan como visiones sobrenaturales, aplaudo hasta romperme las manos y a veces me lloran los ojos o me río hasta el borde del pis, y en todo caso me alegro de vivir…

Julio Cortázar: Hay que ser realmente idiota para...

Desde sus inicios en la segunda mitad de los años cincuenta y hasta la fecha, la materia esencial de la performance sigue siendo el cuerpo, aún cuando se presente confundido con los materiales, referido, representado y/o evocado de forma indirecta.

Cuerpo a Cuerpo es un encuentro de performance organizado por el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria, se presentó por primera vez en 2007 como conjunto de acciones que indagaron tanto en el cuerpo como en el no-cuerpo (máquinas, tecnologías, audio, etc.). En esta nueva edición del encuentro, Cuerpo a Cuerpo 2010, la investigación va a lo profundo, a los detalles, a las explosiones y a las combinaciones del cuerpo como si él mismo fuera un laboratorio, un laboratorio somático.

Además de la confluencia entre los diferentes artistas que practican la performance, anti-disciplina artística (Carlson, 1996: 189) que transita entre las artes visuales, las artes escénicas y los medios audiovisuales, en esta ocasión queremos que el espectador se reconozca cuerpo a cuerpo con el performer.

Este segundo encuentro de performance se ofrece como un territorio que brinda al espectador la posibilidad de exploración y de implicación en el proceso performatico. La interacción entre la obra, el público y el performer es abierta, no está definida ni jerarquizada. Tanto el uno como el otro sabrán que su propio cuerpo pude entenderse como un laboratorio, tendrán el júbilo de confirmar con los cinco sentidos cada aparición de la existencia, cada encuentro de vida y de muerte.

El cuerpo es materia consciente, individual, capaz de coordinar y gestionar su propia energía (Bartolomé Ferrando, 2009, 8). Percibir es un arte cotidiano irrenunciable. Las constantes vitales nos brindan la posibilidad de darle la vuelta a nuestros ojos para mirarnos desde el cuerpo o soma: ubicados o descoyuntados, abiertos, dislocados o cerrados, somatizando, es decir, siendo materia consciente, cuerpo o sostén privilegiado de nosotros mismos y de lo otro, de lo falso, de lo propio y de lo público.

Habría que señalar que la forma de acceder a la performance es el propio cuerpo, y para hacer más cómoda la estancia, habría que imaginar también que la performance es como un “electrón libre que nadie sabe muy bien por dónde se pasea” (Esther Ferrer, 2009:17). La metáfora del laboratorio es una invitación a descubrir sonidos y olores, es una invitación a experimentar desde otra perspectiva, para reconocer la proyección y la invisibilidad de uno mismo, del otro, de su fondo y su forma en interacción, de la resistencia del cuerpo y sus capacidades materiales, en suma, la metáfora del laboratorio es un desafío a percibir en carne propia mas allá de la miopía cotidiana.

Si somos capaces de reinventarnos desde de lo más íntimo: el cuerpo, entonces renaceremos, aparecerán recuerdos, fogonazos, instantáneas, fuegos fatuos, ebriedad de ver, tocar, oír, oler y palpar otra vez. Por fin estaremos abiertos a una serie infinita de posibilidades por descubrir.

Pedro Déniz y Gloria Godinez, 2010

1º Encuentro dePerformances Cuerpo a Cuerpo 2007
Performances,Música,Vídeo y Visuales

“El arte es una acción dentro de la vida”

John Cage

En pleno siglo XXI la performance sigue ejercitándose en el desempeño de acciones múltiples, manteniendo un combate continuado con la realidad, o realidades, como un lenguaje artístico en el que confluyen distintas disciplinas, aunque su esencia propia se ciñe, fundamentalmente, al tiempo, cuerpo y espacio.

CUERPO a CUERPO es un encuentro de performance organizado por el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria, donde el arte se representa a sí mismo a través del cuerpo de los propios artistas, bien desde el punto de vista real o metafórico. Aunque el proyecto mantiene un enfoque de acción multidisciplinar (música, video-acción, poesía, visuales, etc.) adentrarse en aguas de la performance es bucear en un género sin género, una demarcación de nadie, un espacio indefinido en proceso de cambio permanente, a expensas de variantes tan susceptibles como las que puede sufrir el mismo cuerpo, sea este físico, social y/o político.

Esta acción-actitud abierta de la performance se ve reforzada al desarrollarse en un espacio concreto para el intercambio, donde gentes que van y vienen, ya sea el público en general como los propios artistas, se mueven en torno al cuerpo como territorio que fluye y transmuta, en lucha constante con los registros diarios de cotidianeidad, movilidad, interrelación, convivencia, etc.

CUERPO a CUERPO implica una vertiente de compromiso con la vida teniendo presente el contexto cuerpo como “portador” de contradicciones y condicionantes dentro de la realidad político-social concreta que nos ha tocado vivir, donde la identidad se mantiene como un logro frágil, a expensas de cambios, pero siempre como alimento en la búsqueda de un sentido de pertenencia, aunque esta sea fronteriza con otras muchas realidades en construcción. Agarrarse al cuerpo es una manera de tocar “tierra propia”, como quien se agarra a un discurso directo que se mueve entre lo poético y lo psicológico, lo racional y lo irracional, por aglutinar gestos-símbolos de diferencias sexuales, sociales, raciales, etc. que desarrollan el imaginario identitario, a pruebas permanentes con el cuerpo que busca exorcizar sus heridas y/o celebrar sus placeres; reconociéndose, o no, en el cuerpo del “otro”, al tenerlo presente no sólo como objeto sino también como sujeto a interactuar en un espacio común (estático, silencioso, alborotador, enfermo, etc.); que puede reconstruirse en cuerpos-islas, cuerpos-continentes, cuerpos-mundos, en alas de practicar el arte en vivo, conjugando el tiempo-espacio, la relación público-artista, la imagen-sonido, etc.

CUERPO a CUERPO no es un festival; es un encuentro de acciones, un lugar de trabajo y vivencias, donde se habla de andar por aquí y por allá como se anda por la vida; tan proclive, en tantas ocasiones, a desandar pasos sin que ello implique abandonar la acción continua que implica el arte-vida, utilizando como herramienta principal el cuerpo hasta llegar a indagar en el “no cuerpo” (máquinas, tecnologías, audio, etc.)

En este combate confluyen maneras de estar, de tocarse y dialogar, donde participan diferentes artistas que practican la performance como un mecanismo liberador, que no se cierran en la exclusividad del performance sino que generan intersecciones diversas, confluencias que nos invitan a ampliar sensaciones dentro de otros contextos posibles por imaginar. Tropezando dentro de un flujo cambiante cada milisegundo, donde cuerpo, tiempo y espacio se transforman mutuamente, desechando ideas y conceptos allí donde la información es tanta que genera el vértigo de perderse. La música y la acción visual también se muestran cuerpo a cuerpo, luchando frente a frente; buscando su propio espacio, entre el latido, en el ritmo. El asalto presente, nos muestra un “ring” de conocimientos fronterizos.

Pedro Deniz, 2007

Latin American Conceptualism

2010-09-02T11:47:00.000-07:00

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(Para ampliar click sobre imagen)

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Mi amigo Silvio de Gracia

2010-08-26T10:43:00.000-07:00

Clemente Padín recomienda:

ARTE ACCIÓN EN LATINOAMÉRICA:
CUERPO POLÍTICO Y ESTRATEGIAS DE RESISTENCIA

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El Archivo Padín y la experiencia radical de la Nueva Poesía

2010-08-23T05:53:00.000-07:00

RED CONCEPTUALISMOS DEL SUR

por Fernando Davis

En el curso de los años sesenta y setenta, la escena latinoamericana asiste a la emer- gencia y desarrollo de diferentes iniciativas editoriales experimentales, coincidentes en su apuesta por construir redes colaborativas y de comunicación entre artistas, fuera del circuito de posiciones y trayectos administrados por los centros de arte y los ordenamientos de poder/saber que dicha trama reproduce y naturaliza.

El arte-correo potenció esta red de intercambios, excediendo ampliamente el contexto latinoamericano. La opción crítica que movilizó estas diversas iniciativas en red no implicó, sin embargo, una renuncia radical y definitiva a los espacios institucionales, sino, en muchos casos, su ocupación táctica, con el propósito de trastornar, desde el interior del mismo museo o de la galería, sus regímenes conceptuales normalizados, desafiando la propia lógica institucional y sus rutinas disciplinarias.

(Para ampliar click sobre imagen)

El Archivo Padín constituye uno de los casos más interesantes de arte crítico
en Uruguay, recuperado ahora dentro del proyecto Conceptualismos del Sur.

En un contexto de creciente conflictividad sociopolítica, estas redes colectivas buscaron abrir flancos críticos en los bloqueos impuestos a la comunicación por las condiciones de agudizada represión desatadas por las dictaduras, a través de circuitos marginales, como definió en 1976 el artista argentino Edgardo Antonio Vigo, que posibilitaron esquivar los mecanismos de control y censura administrados por el dispositivo represivo, operando muchas veces como canales de denuncia de las sistemáticas violaciones a los derechos humanos perpetradas por los regímenes dictatoriales.

Breve historia del archivo. El archivo de Clemente Padín se va conformado como resultado de esta potente trama de intercambios. Entre 1965 y 1969, Padín integra junto con los poetas Héctor Paz, Juan José Linares y Julio Moses, en Montevideo, el grupo editorial de la revista Los huevos del Plata y toma contacto con poetas y artistas visuales de otros países, involucrados en proyectos similares. Entre 1969 y 1972 edita Ovum 10, centrada en la poesía visual y experimental, y autodefinida como “revista de investigación poética y de difusión de las corrientes de la nueva poesía”.

En una serie de escritos dirigidos desde las páginas de la publicación, Padín propone una temprana conceptualización de estas prácticas, conectando la radicalización del lenguaje, auspiciada por la nueva poesía, con las exigencias revolucionarias que entonces interpelaban fuertemente la región. En una segunda etapa (1972-1975) la revista se publica con el nombre de Ovum, bajo un sistema de edición cooperativo.

La red de contactos conformada en torno a las revistas, opera asimismo como base de otros proyectos de intercambio de poesía visual y arte-correo que Padín impulsa en los mismos años en que edita Ovum 10. Entre 1969 y 1974, organiza una serie de exposiciones colectivas como las que dedica en 1969 a la Nueva Poesía o a la Poesía Fónica y que culmina en 1974, con el Festival de la Postal Creativa en la Galería U de Montevideo.

En su despliegue simultáneo, las revistas y las exposiciones configuran una doble plataforma de intervención, desde donde toman cuerpo diferentes iniciativas colaborativas en red. En su trama, silenciosa, el archivo va condensando la densidad conflictual de las encrucijadas y conexiones múltiples que estos diversos proyectos movilizan.

En la década de los setenta, el archivo Padín registra dos pérdidas significativas e irrecuperables. La primera tiene lugar en septiembre de 1973, tras el golpe de estado en Chile, cuando la Exposición Exhaustiva de la Nueva Poesía, una inciativa que reunía a más de trescientos poetas experimentales de treinta países, que Padín había organizado un año antes en la Galería U de Montevideo y que esperaba mostrar en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, es extraviada en un sótano de la Embajada chilena. La segunda pérdida ocurre tras su detención en agosto de 1977 por la dictadura uruguaya y su procesamiento bajo los cargos de escarnio y vilipendio a la moral de las Fuerzas Armadas. Entonces fueron confiscadas una serie de cajas del archivo e innumerables libros, revistas y catálogos, que nunca fueron devueltos.

Los artistas de la red de arte-correo impulsaron una potente campaña internacional exigiendo la libertad de Padín y Jorge Caraballo (también detenido por la dictadura), que contó con el apoyo de Amnistía Internacional. En 1979 ambos artistas fueron liberados bajo palabra.

En los años que siguen a la transición democrática en Uruguay, el archivo registra un crecimiento exponencial, a partir del restablecimiento de la trama de contactos con la red de arte-correo y la reactivación de los intercambios colectivos, interrumpidos en su intensidad durante la dictadura. El archivo Padín se encuentra actualmente en su domicilio particular, en la ciudad de Montevideo.

Diagnóstico y custodia. En abril de 2009, por iniciativa de la Red Conceptualismos del Sur (RCS) y con la financiación de la SEACEX y el MNCARS, se realizó un diagnóstico general del archivo Padín en la que el artista prestó su colaboración permanente a los investigadores encargados de la ejecución, Cristina Freire y Fernando Davis.

Los principales objetivos de dicho diagnóstico fueron la descripción del estado del archivo, la elaboración de un plan de trabajo que involucre las acciones necesarias para la catalogación, conservación y apertura pública del mismo y la propuesta de tareas de investigación en articulación con otros proyectos de la RCS.

En esta etapa fue crucial, asimismo, el contacto con los responsables de diferentes centros de documentación locales, con el propósito de evaluar qué institución podría acoger en custodia el archivo.

Actualmente se están realizando gestiones con el Archivo General de la Universidad de la República, institución que proponemos para la custodia transitoria del archivo Padín por un período de tres años (que podrá ser renovado), de cara a convenir, entre las partes involucradas en el proyecto, los términos de un programa general de trabajo, criterios de catalogación del material cedido en custodia y técnicas archivísticas que aseguren su conservación y uso.

En relación con la organización del archivo, una pregunta crucial es cómo identificar los diferentes materiales que lo integran, despegándolos de su cuerpo indiferenciado, sin desactivar la conflictividad insumisa del archivo en su reordenamiento clasificatorio, manteniendo la compleja dispersión de sus anudamientos cruzados, sus filiaciones deshilachadas y sus zonas de densidad.

(Para ampliar click sobre imagen)

“Los Huevos del Plata” (en la imagen) y “Ovum” fueron dos de las cabeceras más activas y cosmopolitas de la Nueva Poesía en el continente.

El archivo diagrama su conflictividad en las fricciones e interpelaciones recíprocas que los diversos documentos ponen en juego al inscribirse en una trama interpretativa que apuesta a darles legibilidad.

Investigación. El archivo Padín constituye uno de los principales fondos documentales del proyecto de la RCS “Redes artísticas alternativas: las ediciones de poesía visual y el arte correo”, cuyos objetivos son la “catalogación, documentación, investigación y puesta en red de un conjunto de valiosos archivos y reservorios documentales no sistematizados (o sólo parcialmente), con sede en diferentes instituciones o conservados por los mismos artistas que participaron activamente de estas iniciativas colectivas”.

La primera etapa de la investigación, actualmente en curso, tiene como punto de partida la pregunta por los modos en que los mismos artistas percibieron este proceso de conformación de redes alternativas, cómo entendieron o reflexionaron en torno a su participación e involucramiento en dichos proyectos.

Se trabajará con los textos (muchos de ellos inéditos) que los mismos artistas escribieron al referirse a estas prácticas y las revistas de poesía experimental, con el propósito de investigar la dinámica de los intercambios que estas publicaciones diagramaron.

Las conexiones entre las escenas brasileña, uruguaya y argentina entre 1968 y los primeros años de la década de los setenta, constituyen, por la particular densidad de tales intercambios, un nudo significativo. El archivo de Padín resulta crucial en el análisis de esta índole de problemas.

Estudiar la conformación y dinámica de estas redes alternativas en sus trayectos oblicuos y en sus intersecciones variables, en la porosidad de sus contornos y en la indisciplina de sus derivas es, antes que nada, una apuesta por activar el espesor conflictual de ese complejo programa poético-político, el vertiginoso ritmo de sus aspiraciones utópicas en la exigencia de trastornar el arte para transformar los modos de vida. Pero no para confinarlo al pasado, en tanto episodio cerrado y definitivo de la vanguardia, sino para recuperarlo en su capacidad de interpelar el presente (atrevida, perturbadoramente), con nuevas resonancias críticas.

FESTIVAL EÑE AMERICA

2010-08-03T07:23:00.000-07:00

Programa de lecturas de poesía FESTIVAL EÑE AMERICA a realizarse en el AUDITORIO DEL TEATRO SOLIS de miércoles 4 a viernes 6 de Agosto de 18: 30 a 20: 30 HS.

Leyendo a Dick Higgins
(por Clemente Padín)

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Recordando a Dámaso Ogaz

2010-07-15T13:35:00.000-07:00

http://www.damaso-ogaz.com.ve

RECORDANDO A DÁMASO OGAZ

(Santiago, 1928 - Caracas, 1992)

por Clemente Padín

Conocí a Dámaso Ogaz epistolarmente cuando intercambiábamos nuestros mensajes y publicaciones. Desde su patria adoptiva, Venezuela, me llegaban La Pata de Palo y Cisoria Arte y, desde mi país, Uruguay, le enviaba Los Huevos del Plata y, más tarde, OVUM 10. Estas revistas, junto a las de Edgardo Antonio Vigo, Diagonal Cero y Hexágono 70 y a las Ediciones Mimbre de Guillermo Deisler fueron las puertas de entrada en América Latina de la poesía experimental y las formas contemporáneas del arte de aquellos días como el arte correo, las acciones, las instalaciones, el video arte, etc. También eran el vehículo de nuestras obras e inquietudes sociales.

Nuestro correo fue escaso, siempre debí conformarme con sus breves anuncios y con sus notas sobre poesía y arte latinoamericanos que aquí y allá iba editando en sus publicaciones. Lo impresionante en su actitud fue su intransigencia radical al juzgar la vacilante moral de los literatos y artistas. Pero, también, por su capacidad creativa inagotable para trastocar y subvertir códigos establecidos o legitimados por el estatus concordante, en opinión de algunos que le conocieron personalmente, con su natural rebeldía e individualismo extremo que no claudicó ni aún ante las más urgentes necesidades.

Sus palabras aún resuenan para quien quiera oírlas: "La cultura, para nosotros, es todo lo que nos permite decir NO", es decir, el arte concebido como instrumento de lucha para oponerse a todo aquello que atentara contra nuestro ser, nuestra identidad, definida desde lo que somos y no desde la imagen desvalorizada que constantemente vemos en los medios de los países metropolitanos. Si no creyéramos, junto con él, en la fecundidad y vigencia del arte latinoamericano y en su irrenunciable compromiso con la justicia y la libertad, no podríamos estar mejor armados que con ese NO, rotundo y substancial que incansablemente Dámaso Ogaz opuso a los "valores universales" en cuyo nombre, aún, se nos continúa explotando haciéndonos vivir en indignos niveles de vida que pudorosamente llaman "pobreza crítica" vaciando, de paso, nuestras tradiciones y cultura en aras del "International Style".

A fines de los 60, aparecen las primeras manifestaciones del arte correo al cual, tanto Dámaso como nosotros adherimos de inmediato en razón de que expresaba nuestras más sentidas aspiraciones. Las reglas tácitas del arte correo -no selección de obras ni jurado, no invitaciones especiales sino multitudinarias, no venta ni mercadeo de obras- se constituyeron en los instrumentos que nos permitieron oponernos a las formas establecidas por el sistema que, sobre todo, privilegian el lucro y la ganancia por encima de las consubstanciales funciones del arte, en particular, la comunicación. El arte correo nos permitió ejercitar la "negación creadora" de Dámaso y enfrentar el dictac de la crítica y de los medios oficiales de contralor de la actividad artística amparados, a su vez, por la fortaleza inconmovible de los artistas nucleados en las redes de la comunicación a distancia como le gustaba decir a Vigo. Primero el servicio postal, luego el fax y, hoy día, el correo electrónico conjuntados en el Networking, posibilitaron la red de artistas internacionales que impuso la interacción creativa.

Nunca sabremos las causas de la decisión de Dámaso Ogaz de nunca regresar a su patria y de afincarse definitivamente en Venezuela. Nos faltan documentos que nos orienten en la dilucidación de ese entramado de circunstancias históricas y no sería justo asumir como reales suposiciones tejidas al calor de la anécdota. Algunos de sus amigos mencionan constantemente la responsabilidad del Congreso por la Libertad y la Cultura, aquel instrumento que la CIA norteamericana inventó para afrontar, en el plano de la ideas, la Guerra Fría contra el comunismo. Si bien contamos con un libro capital para encarar el análisis de aquellos años tampoco nos permite sacar claras conclusiones. Me refiero al libro de Frances Stonor, Who Paid the Piper: The CIA and the Cultural Cold War, Granta Books, Londres, Gran Bretaña, 1999 (hay traducción española: ¿Quién Pagó al Flautista?: La CIA y la Guerra Fría Cultural, Madrid, España, 2001) que aporta información de primera agua acerca de los 60, que pudieran explicar la decisión de Dámaso. Como es sabido la Guerra Fría generó muchas y variadas formas de lucha en todos los niveles. A nivel cultural e ideológico no fue menos feroz el enfrentamiento entre los bloques y, el apresto necesario para la “lucha” lo generó George Kennan, uno de los padres de la CIA, quien desarrolló en 1947 el concepto de «mentira necesaria» como instrumento capital de la diplomacia norteamericana en los 50. Es el conocido “el fin justifica los medios” que legitima la utilización de cualquier medio aún los más fraudulentos con tal de lograr el éxito en la empresa de derrotar al “comunismo”. Así erigen una red mundial de intelectuales, gente de la cultura, periodistas, personeros, etc. que sostuvieran, sin necesidad de ser presionados, la política imperial de los EEUU. Esa red nunca dudó en recurrir a la mentira, a la manipulación y a la tergiversación cuando se trató de secundar los esfuerzos políticos y/o militares de las corporaciones norteamericanos. Para ello contaban con cifras increíbles de dólares que distribuían a través de instituciones conectadas con aquellas corporaciones como p.e., las fundaciones Ford, Rockefeller, Farfield y otras que financiaban eventos de todo tipo como asimismo publicaciones que se oponían ideológicamente a todas aquellas voces que contrariaban la política imperial.

La fachada para estas actividades fue el Congreso por la Libertad y la Cultura dirigido hasta 1967 por el funcionario del gobierno norteamericano Michael Josselson. En su apogeo, el Congreso tenía oficinas en 35 países, daba empleo cientos de personas, publicaba más de 25 revistas, organizaba exposiciones de arte, ofrecía becas y residencias en todo el mundo, poseía su propia agencia de noticias, ofrecía conferencias y seminarios internacionales y premiaba a los artistas obsecuentes con abultados premios. El objetivo era ofrecer una visión del arte y la cultura que se opusiera a la fascinación que ofrecía la ideología marxista y el comunismo en relación a la igualdad entre los hombres y a la verdadera democracia.

En la página 101 del mencionado libro se habla de la existencia de una sucursal del Congreso por la Libertad y la Cultura en Chile que funcionaba en una sala de exhibiciones llamada "Sala Libertad". Sus directores eran precisamente Víctor Carvacho y Dámaso Ogaz. Las consecuencias de esta colaboración fue la financiación de la exposición muy sonada de "Jóvenes Pintores” con más de 170 obras a cargo del MOMA de Nueva York y de la Fundación Rockefeller. Allí también se afirma que Dámaso Ogaz aceptó una beca de la Fundación "Farfield" y, luego, en 1967, se radicó en Caracas. Su socio, Víctor Carvacho continuó al frente de la Galería en donde expusieron artistas chilenos de gran renombre. En palabras de algunos de sus conocidos, al parecer, Dámaso Ogaz, al enterarse de los verdaderos objetivos de tan desinteresada ayuda, se sintió avergonzado frente a sus pares y decidió no volver más a Chile. De ser así, el drama no es solamente de Dámaso sino de todo el arte latinoamericano. En palabras de Stonor “El hecho es que no todos sabían las verdaderas implicancias de esta institución” daría pié para pensar de que Dámaso Ogaz se vió sorprendido en su buena fe pero, como ya dije, sólo podemos suponerlo.

El funcionario del gobierno americano Donald Jamerson, llegó a declarar triunfalmente: "al observar el expresionismo abstracto, me encanta ser capaz de decir que el gobierno americano lo inventó todo. Basta observar lo que sucedió en Nueva York y lo que sucederá mañana en el Soho…Si pensamos que la abstracción fue un movimiento impuesto por la Central de Inteligencia de los EEUU, sobre todo el "expresionismo abstracto" de De Kooning, y el encubramiento mediático de Pollock como el mejor artista del mundo ¿donde queda la creatividad de los artistas en relación al arte abstracto?. En opinión de muchos el trabajo de la CIA fue tan escrupuloso que logró trasladar el centro del arte mundial de París a Nueva York.

Al parecer, los Estados Unidos nunca renunciará a controlarnos. No sólo económica o militarmente, sino también, culturalmente. Hoy día no existe el Congreso por la Libertad y la Cultura pero existen otros proyectos y planes para el “hemisferio americano”. Tampoco, al parecer, existe oficialmente el Plan Cóndor aunque padezcamos la infraestructura militar y policial creadas en aquellos años bajo las dictaduras promovidas por los EEUU. Hoy día, en 2009, asistimos a la gran discusión que se viene realizando a nivel de las Universidades y académicos norteamericanos en relación al Proyecto Minerva que impulsa la administración Obama apelando a la Sociología y a la Etnología para crear mecanismos de control de las poblaciones emergentes basadas en el substracto histórico-social de cada pueblo. Tampoco faltan los institutos culturales financiados, como en los 60s., por la Fundación Ford, Rockefeller y otros (Ministerios de Cultura foráneos de los EEUU), las consabidas Becas y la asociación con Universidades y museos norteamericanos (sobre todo el MOMA y la Universidad de Nueva York) asociados a instituciones similares en los países sometidos. Cambiarán los nombres y los asentamientos pero la médula de la política de control de los EEUU es la misma. Como lo sostuvo Frances Stonor, "El paradigma central de la guerra fría no era militar ni económico y ni siquiera estrictamente político. Era, y sigue siendo, una batalla por la mente de los hombres, una batalla de las ideas". Por lo que hemos visto, en esta batalla sin cuartel, Dámaso Ogaz debió pagar un precio muy alto.

Transcribiremos fragmentos del crítico, artista y poeta Juan Calzadilla, uno de sus amigos venezolanos, quien acaba de ser galardonado en el 6to Festival Mundial de Poesía realizado en Caracas, Venezuela (Revista Agulha, nro. 6, Agosto 2000, Fortaleza, San Pablo, Brasil):

“…Su verdadero nombre era Víctor Manuel Sánchez Ogaz. Llegó a Caracas en 1967 expresamente para sumarse a las actividades de El Techo de la Ballena. Se reportó, invitado por Carlos Contramaestre como un exiliado voluntario que había decidido romper todo vínculo con su país de origen: Chile, donde nació en 1928. Allí había dado los primeros pasos en pintura y poesía, y luego de publicar un libro inicial, se instala en 1963 en París, para darle un cambio decisivo a sus ideas al adscribir, si así puede decirse, a la estética del Surrealismo…La llegada de Ogaz a Venezuela fue como su declaración de pertenencia a este país del cual nunca salió. Fue como el abordaje clandestino de un subversivo de mayor experiencia y de temperamento controversial, que aportaba a El Techo de la Ballena, además de su oficio de diseñador, imaginación y voluntad de trabajo. Pero tal vez, también, demasiada intolerancia y un talante intransigente con lo que no compartía. Su tránsito por Venezuela fue, por eso, uno de los más duros episodios por los que haya pasado escritor alguno venido de afuera… Ogaz era en el fondo un gran anarquista y un escéptico convencido, aunque no rehusara, de cara al país, un cierto compromiso con la izquierda venezolana. Pero le interesaba más la subversión en estado puro (en orden a la provocación por medio del absurdo y el humor negro, explicable dentro de los parámetros dadaístas que manejaba) que el testimonio político…Su vida terminó en un geriátrico público de Caracas, en el cual fue internado tras la diligencia que realizó Caupolicán Ovalles para traerlo, desde Barquisimeto, donde residió últimamente…En el caso de Dámaso Ogaz no se podría afirmar que tuvo la muerte que se buscó o si, como es presumible, murió por negligencia o insensibilidad de los que pudieron hacer algo frente a las atroces condiciones en que, ya casi inválido, en una silla de ruedas, vivió el escritor sus últimos días. Aunque, por lo demás, pudiera justificarse tanta indolencia alegando que la muerte de Ogaz equivalió a la aceptación, por él mismo, de que se trataba de un suicidio lento y laboriosamente ejecutado.”

Dámaso Ogaz, cuyo verdadero nombre era Victor Manuel Sánchez Ogaz, nace en Santiago de Chile, el 17 de Agosto de y fallece en Caracas, Venezuela, el 14 de marzo de 1990. Cursó sus primeros estudios en Chile en el Instituto Pedagógico Técnico, Universidad Técnica del Estado, en la Escuela de Verano de la Universidad de Chile, en el Pedagógico Técnico y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Católica, entre 1948 y 1953. Publicó más de 20 libros en los más diversos géneros: poesía, ensayos, plástica, cuentos, etc. Los que le dieron justa fama fueron, sobre todo, lo editados bajo el Techo de la Ballena, grupo alternativo e innovador venezolano en la escena de los 60: Espada de Doble Filo,1962; La Ballena y lo Majámico,1967; Los Métodos y las Deserciones Imaginarias, 1968 y los editados bajo su propios sellos: La Pata de Palo y Cisoria Arte, ésta última, revista de gran predicamento en América Latina por la que se difundieron los preceptos de la "nueva poesía" o poesía experimental como se la llama ahora como asimismo los fundamentos del arte correo y sus normas tácitas. Cabe destacar que Ogaz estuvo entre los primeros en hacer efectiva la interactividad a través de las ediciones corporativas y en el empleo de fórmulas de edición alternas con la utilización del mimneógrafo y la fotocopiadora, sobre todo en la impresión de su conocida Carta, una hoja poética de profusa difusión en el mundo. Artista plástico de fuste, no sólo expuso en múltiples galerías e instituciones culturales de Europa y América sino que, también, fue considerado el introductor del arte abstracto en Chile. Sus colaboraciones en tanto crítico de poesía como de pintura fueron incontables al igual que sus participaciones en la red de artistas correo y de Poesía Experimental, superando la cifra de más 500 exposiciones en todo el mundo.

Personalmente, siempre admiré la capacidad artística de Dámaso Ogaz orientada, no al manipuleo inconsecuente de los repertorios ya establecidos y vigentes por el buen gusto sino orientada al descubrimiento de nuevas formas expresivas propias de la tecnología de nuestra época. Fue un decidido cultor de la experimentación que no sólo se valía de la palabra en función semántica sino también de diferentes lenguajes y, en particular, de las posibilidades expresivas de todo tipo de materiales que pudieran servir de soporte a los frutos de su sensibilidad. Por todo ello me declaro deudor de sus creaciones, de su pensamiento y de su actitud contestataria, fuente inextinguible de la insobornable ética que nos legara y que nos anima, la misma que alimentó y alimentará a los “horribles trabajadores” de Rimbaud.

http://www.damaso-ogaz.com.ve

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Padin en el Museum Weserburg. Alemania

2010-07-03T20:54:00.000-07:00

Ampliar imagen clickeando sobre el libro. Gracias

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CLEMENTE PADÍN por Francisco Tomsich de Brecha

(Para ampliar click sobre imagen. Gracias)

Clemente Padín por Pietro Pellini

2010-06-27T08:19:00.000-07:00

Fotos tomadas por Pietro Pellini, el prestigioso fotógrafo alemán, del evento ocurrido durante la inauguración de la muestra de Clemente Padín en el Weserburg Museum de Bremen, Alemania, el pasado 18 de Junio, 2010

(Para ampliar cualquier imagen, favor de clickear sobre ella)

Más Clemente Padin por Pietro Pellini:

- Weserburg Eröffnung - http://flickr.com/gp/ppellini/fSX6BA

- Weserburg Performance - http://flickr.com/gp/ppellini/138D9A

CLEMENTE PADIN en Minden -ALEMANIA-

2010-06-24T06:07:00.000-07:00

Thank you very much for the Video!

Clemente Padin Fans Club

Ciudad Autónoma de Buenos Aires - ARGENTINA -

Red Uruguaya-Latinoamericana de Arte para la Transformación Social y Promoción de Puntos de Cultura

2010-06-11T08:04:00.000-07:00

Lanzamiento de la Red Uruguaya-Latinoamericana de Arte para la Transformación Social (RULATS) y Promoción de Puntos de Cultura
Comunicado de prensa

En los próximos días 11 y 12 de junio del corriente año tendrá lugar en la Sala de Conferencias del Teatro Solís el evento de lanzamiento de la Red Uruguayo-Latinoamericana de Arte para la Transformación Social (RULATS), miembro de la Red Latinoamericana de Arte para la Transformación Social (RLATS) y de “Puntos de Cultura” como política cultural del continente, conjuntamente con la Articulación Latinoamericana Cultura y Política (ALCP).

Puntos de Cultura constituye una red de vínculos entre la sociedad y el Estado para posibilitar el desarrollo de acciones culturales sustentadas en principios de autonomía, protagonismo y capacitación social.

Las redes Articulación Latinoamericana Cultura y Política y Red Latinoamericana de Arte para la Transformación Social constituyen una plataforma de más de 70 organizaciones que opera en 11 países, impulsando acciones conjuntas a través de prácticas artísticas de calidad a favor de la integración social, ciudadanía efectiva, promoción de los derechos humanos, diversidad cultural y sustentabilidad a través del arte. En nuestro país, varias organizaciones sociales dedicadas al arte y el juego como instrumentos de transformación social han decidido sumar esfuerzos a nivel nacional y regional conformando el nodo uruguayo de dicha Red.

Del mismo modo, RULATS, como integrante de la RLATS, ha asumido la iniciativa de promover la aplicación continental de la política conocida como “Puntos de Cultura”, actualmente impulsada en Brasil. Se trata de un programa público estatal que rescata las experiencias organizadas de promoción cultural, arte y desarrollo impulsadas por las comunidades y organizaciones en el territorio, fortaleciéndolas, dotándolas de equipamiento y conectándolas entre sí a partir de la creación de redes sociales.

Es por esto que, tanto la Red Latinoamericana de Arte para la Transformación Social (RLATS) como la Articulación Latinoamericana Cultura y Política impulsaron exitosamente un anteproyecto de norma legislativa en el marco del Parlamento del Mercosur tendiente a regionalizar esta política y a buscar su proyección continental. La iniciativa fue presentada por diputados de distintos países, y aprobada por unanimidad el pasado 30 de Noviembre 2009.
Asimismo, todos los ministerios de cultura del continente aprobaron durante el II Congreso Iberoamericano de Cultura realizado en San Pablo (30 de Setiembre al 3 de Octubre 2009), la promoción de esta iniciativa (Puntos de Cultura) en todo el continente, como herramienta clave en el desarrollo y democratización de nuestras sociedades.

Con estos objetivos, presentar la Red Uruguayo-Latinoamericana de Arte para la Transformación Social e impulsar la regionalización de los Puntos de Cultura, es que las organizaciones sociales integrantes de la RULATS, se encuentran abocadas a la organización del mencionado evento en el Teatro Solís.

La oratoria del evento de lanzamiento a realizarse el día viernes 11 de junio a las 19 hs, estará a cargo de representantes de RULATS, RLATS y de distintos países de América Latina; así como de legisladores y otras autoridades nacionales.

El sábado 12 de junio están programados paneles, talleres y una intervención artística a cargo de organizaciones sociales de RULATS, en torno a los siguientes temas: Salud, Integración Social, Diversidad y Patrimonio Cultural. Dichas actividades comenzarán a las 9 hs y se extenderán hasta las 18 hs. Se busca generar un impacto y sensibilización en la opinión pública y en las autoridades políticas y culturales del país sobre el proyecto Puntos de Cultura; así como sobre las actividades y los esfuerzos que las diferentes organizaciones de la sociedad civil de Uruguay vienen llevando a cabo desde el arte en pos de la transformación social y el desarrollo.

El evento será con entrada libre y cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, la Fundación Avina, el Teatro Solís y el Centro Cultural de España.
(Adjuntamos afiche)

Por más información:

Patricia Lepratti
Tel: 628 6417
E Mail: patricia.saludarte@gmail.com

(Para ampliar imagen clickear sobre ella)

Clemente Padín - Boek 861 / Boek 861 - Clemente Padín

2010-06-08T05:22:00.000-07:00

Dentro del marco "Espíritu Celebratorio por la Exposición de Clemente Padín en Alemania" Boek 861.com, Web especializada en Mail Art, Poesía Visual y Arte Experimental, adhiere con sus registros y documentación.

Exposicion Antologica de Clemente Padin en Alemania 1967 - 2010

Este Club Fanáticos de Clemente Padín agradece desde Buenos Aires.

(Para ampliar click sobre la imagen, por favor)

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Padin expose in Germany - Padín expone en Alemania

2010-06-04T08:38:00.000-07:00

¡¡¡ÍDOLOOOOOOOOOOOOOOOO AAAAAAAAAAAAAAAH!!!
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(Para ampliar, click sobre la imagen)

Clemente Padín es considerado una de las figuras emblemáticas del mundo del arte ecuménico de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI. Esta exposición individual, con obras creadas por el artista uruguayo desde 1967 hasta el día de hoy, ofrece al visitante una mirada profunda y rotunda sobre su obra.

Clemente Padín nació en Uruguay en 1939, creció en Lascano y ha vivido y trabajado en Montevideo desde 1945, año en que comienza su actividad artística. Se ha distinguido internacionalmente no sólo como artista, sino como crítico, educador y teórico de arte excepcional. Formó parte de los conceptualistas latinoamericanos de los años 1960 y 1970. En los últimos 50 años Padín ha desarrollado esencialmente una obra autónoma, (por lo tanto diferente a la de sus colegas). Se caracteriza por su observación aguda del detalle, un ingenio mordaz, cualidades lúdicas y líricas, una ironía metafórica polivalente, y un sólido compromiso político. Su aporte culminante ha sido “De la Représentation a l´Action” (1975), por y hacia un arte de la acción, una propuesta por un arte efímero y sin objetos, inobjetal, performático que, por diferentes motivos permaneció en el olvido y hoy debe salir a ventilar.

El Club de Fans de Clemente Padín de Buenos Aires que dirige Beatriz Ramírez se siente conmovido por el reconocimiento de su admirado héroe e invita a todos los que anden en la vuelta a que sorprendan con la obra exquisita de este ángel de los caminos. Los espectadores están invitados a una exhibición pirotécnica de intelecto (es innecesario traer casco protector): un corpus extraordinariamente coherente de principios que está, a su vez, dotado de un encanto desenfadado y de madurez poética, si le fuéramos a creer a sus críticos.

Viernes, 18 de junio 2010, 7 pm, seguida de una recepción y performance a cargo de Padín.

NdR:Esta presidente del Club Fanáticos de Clemente Padín de Buenos Aires se halla absolutamente feliz por la realización de tan justo homenaje...

Info

2010-05-27T07:26:00.000-07:00

For additional information and images, please contact Henrique Faria at +1 212 517 4609 or info@henriquefaria.com .

Convocatoria IUNA

2010-05-17T14:35:00.000-07:00

Call: 10 x 15, space of liberty

Sending: physic postal 10 x 15 cmt., including email and address in reverse. Without restrictions of means or supports. Catalog will be published and all the received works will parade in the university student National Institute of the Art, in August, 2010.
Group of Posgrado "Languages Artistic Combines" of IUNA organizes

Deadline: 30 of July, 2010

Sendings: Expo Mail Art IUNA
Av. The Heras 1749
C. Aut. Buenos Aires
ARGENTINA

For more information: clementepadin@gmail.com
PLEASE, DIFFUSE TO YOUR CONTACTS, THANK YOU IN ADVANCE

-o-

Convocatoria: 10 x 15, espacio de libertad

Enviar: postal física 10 x 15 cmt., incluyendo email y dirección del artista en reverso. Sin restricciones de medios o soportes. Se editará catálogo y todas las obras recibidas se exhibirán en el Instituto Universitario Nacional del Arte, en Agosto, 2010.
Organiza: Grupo de Posgrado “Lenguajes Artísticos Combinados” del IUNA

Fecha Límite: 30 de Julio, 2010

Envíos: Expo Mail Art IUNA
Av. Las Heras 1749
C. Aut. Buenos Aires
ARGENTINA

Por más información: clementepadin@gmail.com

POR FAVOR, DIFUNDA A SUS CONTACTOS, GRACIAS DE ANTEMANO

RECORDANDO A ROBERT REHFELDT

2010-05-17T11:27:00.000-07:00

Por Clemente Padín

Robert Rehfeldt nació el 5 de enero de 1931 en Stargard, Pomerania, Alemania. Fue uno de los niños que fueron “transplantados” de la ciudad al campo para evitar que fueran alcanzados por la guerra. En 1946, su madre le devuelve a Berlín. Después de ser rechazado como estudiante en Berlin Oriental, se inscribió y estudió en el Colegio de Bellas Artes en Berlín Occidental de 1948 a 1953. Desde 1963 trabajó como artista independiente, diseñador y dibujante de medios de prensa y como artesano en la industria de la construcción. También, formó parte de grupos de arte experimental en la parte Este de la ciudad (controlada por la Unión Soviética) hasta que, por elección, decidió afincarse en esa área de la ciudad cuando la norma era establecerse en Berlín Occidental. Allí fue miembro de la Asociación de Artistas de la RDA y, a comienzos de 1970, entró en contacto con el arte correo, a través del intercambio con artistas de todo el mundo, constituyéndose prontamente en una de las principales figuras del networking.

Así, en poco tiempo, logró construir una extensa y firme red de artistas-correo tanto en la RDA como en el resto de los países controlados por la URSS y firmes lazos con las restantes redes en el mundo, sobre todo Europa y América Latina. Organiza históricas exposiciones de arte correo en las Galerías Arkade y EP- Gallery (1975 y 1979). Posteriormente apoya el Congreso Descentralizado de Arte Correo (1986) a través del cual plantea firmes reivindicaciones a las autoridades culturales de la RDA y, en 1991, exhibe sus obras en el Ephraim-Palais en Berlín. Sorpresivamente fallece el 28 de Setiembre de 1993 en Berlin luego de una cirugía.

Conocí personalmente a Robert Rehfeldt a mediados de Marzo de 1984 en su casa en Berlín Oriental. En aquellos días estaba en Berlín Occidental disfrutando de una beca del D.A.A.D., la Academia de Artes y Letras de Alemania y, desde primer día, quería cruzar el muro pues quería conocer a los artistas del Este con los cuales me sentía muy próximo ideológicamente. Además, previamente, ya había establecido contacto, vía arte correo, con algunos de ellos, sobre todo, Robert Rehfeldt y Guillermo Deisler, artista chileno exiliado en Europa escapando a la dictadura de Pinochet con toda su familia.

Gracias a mi amigo, el artista y antropólogo, Volker Hamman, pude cruzar el Muro y pude conocer a Robert y un grupo de artistas entre los que se cuentan Joseph Huber, Karla Sachse, Wohlrab,Uwe Dressler. Michael Grosschopp, Birgen Jesch, Ruth Wolf Rehfeldt (esposa de Robert), Sal-Gerd Bever, Bogomil Helm, Friedrich Winnes y muchos más. Lamentablemente, en esta visita, apenas si tuve tiempo de intercambiar algunas palabras apresuradas debido al poco tiempo disponible pero pudimos coordinar otra visita más extensa en donde, incluso, intenté cocinar un asado a la criolla, es decir, un costillar de carne de vaca asada al fuego directo de troncos de madera. Lamentablemente no conseguí el corte necesario y terminé cocinando un trozo de pulpa al horno.

Aspectos de mi visita a Berlin del Este en 1984

Después de comer fraternizamos y Robert nos deleitó leyendo un fragmento de la Ur-Sonate de Kurt Schwitters. Cuando su memoria le traicionó fue al interior y volvió con la partitura de la pieza de Schwitters. En esa reunión me entregaron obras de casi todos los artistas vigentes en la RDA y les prometí exponerlas. La muestra se realizaría en la Biblioteca Nacional de Montevideo, Uruguay en Noviembre de 1986.

Robert Rehfeldt era reconocido por su bonhomía y su carisma. Debo decir que, personalmente me impresionó su actitud ética. Era ya un artista reconocido en la Alemania Occidental y se mudó a la RDA por su convicción personal de que el capitalismo era una formación económica ysocialmente obsoleta y no respondía a las necesidades esenciales del ser humano. Para él el socialismo era la única opción. Sin embargo, al percatarse de las limitaciones a las libertades públicas ejercidas en la RDA, no intentó volver atrás en su decisión sino que destinó lo mejor de su esfuerzo a luchar por la reconquista de aquellos derechos. La verdad es que el socialismo real, tal como se practicó, fue un fracaso que culminó con la caída del Muro, la reunificación de Alemania y el fin de la Unión Soviética.

Su temprano fallecimiento le impidió culminar su obra y no pudo participar en los eventos históricos que concitó aquel hecho, incluyendo muestras antológicas de arte correo. De cualquier modo sus ideas y conceptos nos acompañan y nos acompañarán en tanto el espíritu humano prevalezca: jugó su destino de acuerdo con sus ideas. De su máxima Tus ideas ayudan mis ideas, que expresa su convicción acerca de la fraternidad entre los hombres, compuse el concepto Mis obras son las tuyas. Lo mismo vale para la revista cooperativa UNI/vers de Guillermo Deisler, su amigo latinoamericano, exiliado en Hale a pocos kilómetros de Berlín a quien no pudo conocer en virtud de que estaba prohibido desplazarse de una ciudad a otra. Para los artistas en los países de Europa y en América Latina, el arte correo fue una posibilidad de cruzar fronteras sin necesidad de viajar, sin necesidad de visados, pasaportes y controles policíacos. Los artistas alemanes del Este no eran asesinados como en América Latina pero, sí, silenciados, recluidos en sus ciudades y encarcelados por su oposición al régimen. El arte correo era considerado, como algunas otras formas artísticas, una actividad subversiva y reprimida como tal.

Robert Rehfeldt compartió, además, editores y artistas del otro lado de Alemania. Uno de ellos fue el artista y editor Klaus Groh con quien me relacioné 1973. Groh contaba con una pequeña editorial Internacional Artist Cooperation en Oldenburg y se comportó como un gozne en la articulación de las comunicaciones internacionales, tanto de los artistas latinoamericanos subyugados por las dictaduras como por lo artistas que vivían en los países socialistas, con sus humildes pero fundamentales cuadernillos (booklets). En lo personal su ayuda mantuvo vigente nuestra condena a la dictadura uruguaya y la de otros países de la región, sobre todo la denuncia de la terrible situación que estábamos viviendo bajo el régimen de terror de los militares alzados contra la democracia y los pueblos. Así me publicó Instruments74 (1974), Omaggio a Beuys (1975) y Sign(o)Graphics (1976), cuadernillos que evitaron que desapareciera en el olvido. El otro editor no puedo omitir fue el artista Klaus Staeck quien, junto a Groh, fueron los que mantuvieron con vida el arte de nuestros países sometidos por el Plan Cóndor y la CIA. Pero, todo ello fue posible gracias a esa articulación, vía arte correo, que hizo posible Robert Rehfeldt con su infatigable esfuerzo en pro de la libertad.

Trabajar contra un relato canónico

2010-05-01T17:49:00.000-07:00

PAGINA 12

Martes, 27 de abril de 2010

Lenguajes Artísticos Combinados

2010-04-05T17:38:00.000-07:00

Para ampliar favor de clickear sobre imagen

Los horarios del postgrado, para los amigos y fanáticos que quieran pasar a saludar a nuestro Artista Ídolo, son así:

Viernes, de 17 a 21 hs.
Sábado, de 10 a 14 hs.

Sede: Av. Las Heras 1749 (casi Callao)
Te: (54 011) 4812.0946 (postgrado opción 4)

Festival de Performance de Santa Lucía 2010

2010-03-26T19:34:00.000-07:00

Santa Lucía es una ciudad tranquila del norte del departamento de Canelones, Departamento pegado al de Montevideo. Se encuentra a orillas del río del mismo nombre, Santa Lucía, de donde se extrae el agua potable para saciar a casi toda la República. Los habitantes superan los 17.000 y fue una de las primeras localidades en donde se realizó actividad turística, siendo de hecho la primer ciudad declarada como tal en el Uruguay. Se conservan aún hoteles, casas quintas, palacetes de principios del siglo XX en donde la alta burguesía montevideana concurría a vacacionar. Una de esas casona, perteneciente al ilustre filósofo y educador uruguayo José Enrique Rodó, es hoy el Centro Cultura de la ciudad en donde se realizó este primer Festival de Performance.

Del folleto de presentación extraemos:

Se trata del primer Festival de Arte de la Acción en el Interior de la República. El Arte de la Acción, también llamado Performance en el área anglosajona es un arte de expresión escénica similar al teatro y y otras artes como la danza, la opera, etc., en las cuales la conjunción de lo espacial y lo temporal es decisiva. La única diferencia entre ambas es que en el teatro, el actor o actuante, "representa" a un personaje y, en cambio, en la acción, el artista o actuante se "presenta". El accionista es el instrumento de su propio arte, sólo que en este caso no se puede separar de la propia obra. La documentación, ya sea escrita, fotográfica o videística, etc., no hace otra cosa que confirmarlo. En tanto el público permanezca en su rol de espectador, la performance continuará siendo una expresión artística; si interactúa con el público, el evento pudiera transformarse en un ritual en donde existe todo un abanico de opciones que van desde la actitud pasiva (como en el teatro) hasta su máxima participación, como sucede en las ceremonias religiosas o en los bailes populares.
La suma de lenguaje confluyendo en una sola obra se hizo realidad con la aparición de la performance. Pero no a la manera de la ópera musical, en donde cada arte conserva su índole, es decir, en donde pueden ser separados, unos de otros, cada cual conservando sus contenidos sin pérdida de información como en el poema ilustrado, en donde el texto verbal no se ve alterado por lo visual de la ilustración. En la performance confluyen, no sólo los signos de diferentes lenguajes con toda su carga expresiva, sea del tipo que sea, sino también, toda una gama de elementos técnicos propios de los diferentes soportes que aquellos signos suelen conjurar, tales como sonidos, luz, oscuridad, fuego, agua, papel, ruidos, etc., y otros no tan discernibles como el lugar, el clima, la temperatura ambiente, la hora del día, la edad promedio o las aspiraciones del público, etc., puesto allí para conformar esa totalidad de expresión artística, la performance.

Lucía Ponce de León : Cero

Sofía Dabarca: In Doors: lo que sucede cuando no nos ven

"Las Consecuencias de Estar Muerto", integrado por
Leonora Checo, Eduardo Correa y Gerardo Podhajny : Eutanasia Climática 2/13

Giovanna Barufaldi y Mariana Picart: AccionenZen

Guillermo Zabaleta : ELEGBE

Jesusa Delbardo

Al día siguiente, el 21 de Marzo 16 hs. Se exhibieron los siguientes Festivales Internacionales de Performance:

Rencontre Internationale d´Art Performance, Le Lieu, Québec, Canadá, 2006, curador Richard Martel
The Cat Show, Performances, Tracce Gallery, Cardiff, Gales, Reino Unido, 2007, curador André Stitt.
Encuentro Internacional: EL ARTE ES ACCION, Museo de Arte Reina Sofía, Madrid, España. 2008, curador Bartolomé Ferrando.

Director General: Rodolfo Torres - Curador: Clemente Padín

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Performances de Santa Lucía

2010-03-10T13:53:00.000-08:00

Festival of Performance in Santa Lucía

20 - 21 of March of 2010 - 16 hs.

House of Culture "Jose Enrique Rodo"
Santa Lucía, Canelones, Uruguay

Performers: Lucía Ponce de León, Jesusa del Bardo, Guillermo Zabaleta, Sofía Dabarca, Gonzalo Firpo, Exequiel Steinman, group "Las Consecuencias de Estar Muerto", with Leonora Cheko, Eduardo Correa y Gerardo Podhajny and group AccionenZen with Mariángeles Barbe, Giovanna Barufaldi y Mariana Picart.

Curator: Clemente Padin

Coordinating: Rodolffo Torres

http://clementepadin.blogspot.com/

Clemente Padín o El caballero andante del performance y la poesía experimental

2010-02-23T11:00:00.000-08:00

Publicado por Jochi MUÑOZ para
Hoy conocí el mar, me ha gustado mucho mucho... el 2/21/2010

http://piezasdejochimunoz.blogspot.com
http://textosdejochimunoz.blogspot.com
http://www.arteven.org/profile/JochiMunoz?xg_source=activity
http://puntoh.ning.com/profile/JochiMunoz

Hace un mes que Clemente Padín estuvo en esta ciudad de Santo Domingo, y todavía persiste la sensación de placer de haberle conocido. Estuvo agotando una serie de actividades que incluían una exposición con motivo a sus 40 años en el arte acción, una conferencia, la realización de un performance, un taller sobre Poesía experimental, y una sesión de lectura de poesía visual. Ambicioso programa, que de haber sido menos cargado hubiera sido más provechoso, ya que se le hubiera dedicado más tiempo al aspecto práctico del taller, pero, en todo caso, fue una fiesta, una brillante fiesta, ya que a los interesados nos permitió abrevar de viva voz de las experiencias de un maestro latinoamericano del arte.

Arte-estudio, grupo dominicano de gestión de las artes visuales, conformado por la artista Sayuri Guzmán y la curadora Clara Caminero, se involucró en la empresa de traer al maestro, con el respaldo del Centro Cultural de España (CCE), brindándonos así la oportunidad de conocer y departir con uno de los grandes artistas de la vieja guardia que aún se mantiene activo.

La primera actividad del programa fue la inauguración de la exposición Clemente Padín, 40 años de performance, intervenciones urbanas y poesía visual, efectuada el 15 de enero, en la sede del citado centro, curada por Guzmán y Caminero. Valga resaltar que la ciudad de Santo Domingo fue el primer punto de un largo periplo que recorrerá la exposición, visitando diferentes países de América y Europa.

Durante el taller de Poesía experimental, desarrollado del 18 al 20 de enero, muchos de nosotros por fin pudimos vivenciar cosas de las que teníamos referencias de oídas o que conocíamos a través de libros, y que en boca de Padín se redimensionaron. El maestro ofreció un recuento evolutivo de la poesía experimental, visionando y explicando los conceptos de poesía visual, sonora y performática, a través de las obras de los más importantes creadores. El taller culminó con la realización de trabajos por parte de los talleristas, que fueron expuestos en la sala Zona Cero, del CCE, durante dos semanas.

El 19 de enero, Padín impartió también una conferencia abierta al público, que entroncaba con la exposición, ya que ambas hacían referencia a su trayectoria de cuatro décadas en los campos del performance y de la poesía visual. Tras la conferencia, el artista realizó un performance clásico (como el mismo lo llamó), al modo como se realizaban en los años 70.

Parte de los talleristas.
De pie, de izq. a derecha: Francis Taylor, Luz Bautista, Awilda Polanco, Lina Aybar, Clara Caminero (organizadora), Jenniffer Rodríguez, Iris Pérez, Nancy Vizcaíno, Luis Reynaldo Pérez y Sayuri Guzmán (organizadora). Sentados, de izq. a derecha: Jochi Muñoz, Clemente Padín, Alexei Tellerías, ¿? y Samuel Gregoire.

Clemente Padín, Licenciado en Letras, poeta experimental, artista y diseñador gráfico, artecorreísta, performero, curador, videasta y networker; con una carga impresionante de exposiciones de su obra, y otras tantas por él curada, se nos reveló como un hombre conocedor de su oficio, como un ser sensible, como una persona motivadora y como un convencido de que para lograr una obra con sustancia es necesario…imprescindible el leer. Leer, reflexionar para que con el tiempo el quehacer artístico devenga en una obra de madurez rotunda.

Tras 40 años batallando, Padín continua realizando performance, impartiendo talleres y dictando conferencias, entre otras actividades. Destaca en su oficio su claridad conceptual, su entrega y su amor a lo que hace, y en lo personal, sus dotes de caballero. Tras su retorno a su tierra natal, Uruguay, deja entre los talleristas un sentimiento de admiración y gratitud.

Santo Domingo, Rep. Dominicana
Sábado 20 de febrero de 2010

40 AÑOS DE PERFORMANCES e INTERVENCIONES URBANAS / 40 YEARS DE PERFORMANCES and URBAN INTERVENTIONS

2010-02-20T05:29:00.000-08:00

de Clemente Padín

Acaba de salir el libro “40 Años de Performances e Intervenciones Urbanas” (144 páginas, B/W, tapa color, 21 x 14,5 cm.) de Clemente Padín editado por Editorial YAUGURÚ en edición bilingüe (español e inglés), Enero, 2010, dirigida por Gustavo Wojciechowski (Maca).

El libro reúne trabajos performáticos y acciones realizadas en las calles (Acontecimientos Artísticos-Sociales) desde 1970 a 2010. Se abre con un extenso prólogo del teórico y performer alemán Boris Nieslony, creador del Black Market, una de las instituciones más prestigiosas y conocidas en el mundo del arte de la acción. El mismo cuenta con traducción Mario Daniel Cohn, docente en el Instituto Goethe de Montevideo, Uruguay.

Además de los registros documentales de cada acción se incluyen en el libro algunos ensayos de Padín que van pautando sus reflexiones en relación a este género artístico: Las Opciones del Creador Latinoamericano, Arte de la Acción y La Performance desde la Perspectiva Latinoamericana. Finalmente, un curriculum brevis de Padin, cierra el libro.

El libro cuesta 25 dólares (o 20 euros) incluyendo el transporte postal registrado. Por pedidos: clementepadin@gmail.com

by Clemente Padin

The book 40 Years of Performances and Urban Interventions (144 pages, B/ W, cover color, 21 x 14,5 cm., by Clemente Padin, has been published by YAUGURU Editions in bilingual edition (English & Spanish), January 2010, directed by Gustavo Wojciechowski (Maca).

The book contents performatic artworks and actions carried out in the streets (Artístic-Social Events) from 1970 to 2010. It has an extensive prologue of the theoretical and performer German Boris Nieslony, creator of Black Market, one of the most noted institutions and well-known in the world of action art. The same was translated by Mario Daniel Cohn, from Goethe Institute of Montevideo, Uruguay.

Besides the documental registrations of each action is included some rehearsals of Padin that define his reflections in relationship to this artistic gender: The Options of the Latin American Creator, Art of the Action and The Performance from the Latin American Perspective. Finally, a Padin´s curriculum brevis, close the book.

The book costs 25 dollars (or 20 euros) including the postal registered transport. For requesting: clementepadin@gmail.com

Clemente Padín, acción en el CCE

2010-01-31T16:02:00.000-08:00

Finalmente, ayer, Martes 19, se llevó a cabo la anunciada performance TODO CAMBIA a cargo del artista uruguayo Clemente Padín en la sede del Centro Cultural Español de Santo Domingo. La misma se enmarcó en la recientemente inaugurada exposición de Padín “40 Años de Performances e Intervenciones Urbanas” curada por las artistas dominicanas Sayuri Guzmán y Clara Caminero.

Padín, luego de una conferencia profusamente ilustrada digitalmente acerca de trayectoria como artista de la performance, se abocó a su acción. Primero se sienta frente al público y se bebe una copa de agua. A continuación les invita a pararse y de inmediato comienza a arremeter contra las sillas, amontonándolas en el centro de la sala.

Seguidamente, luego de varios cruces no exentos de peligro por la “montaña” de sillas se echa al suelo y se arrastra por debajo de ellas. Una vez afuera se aplica a ordenar las sillas, tal como estaban antes, aunque con el frente cambiado, es decir, mirando en dirección contraria. Una vez restablecido el orden, invita a los espectadores a sentarse de nuevo, en tanto se bebe otro vaso de agua.

En verdad lo único que cambia es el sentido, lo que que, bajo ciertas circunstancias, puede ser decisivo. Según Padín, lo que verdaderamente interesa no es tanto el cambio en sí mismo sino lo que ocurre antes y después de la acción. Por otra parte “todo cambia” no deja de de ser un lugar común…tan válido como el “nada cambia”.

Gestionar la precariedad

2010-01-25T11:19:00.000-08:00

Gestionar la precariedad
Potencias poético-políticas de la red de arte correo

de
Fernando Davis y Fernanda Nogueira

En homenaje al recientemente fallecido performer Francisco Inarra

Mail Art: una bomba de fabricación casera
Dámaso Ogaz

Poéticas de la urgencia

Cuando en marzo de 1978 Paulo Bruscky organiza en la Biblioteca Pública Marechal Humberto Castelo Branco de Recife, la biblioteca estatal más importante de Pernambuco (Brasil), la III Exposição Internacional de Arte Correio,(1) para el artista no existían dudas respecto de la urgencia que definía el rumbo de su intervención. Propuesta en apoyo y homenaje a Clemente Padín y Jorge Caraballo, arrestados en 1977 en plena dictadura uruguaya (entonces conocida por su sistemática violación de los Derechos Humanos), la muestra se inscribe en la amplia campaña de denuncia y de reclamo por la libertad de ambos artistas que, dirigida desde la red de arte correo, aparece condensada en una doble y reiterada consigna: “Free Padín, Free Caraballo”(2)

Si la difusión del reclamo en la red postal pretende extenderlo en la circulación descentrada de la denuncia, operando como punto de partida de sucesivas y simultáneas intervenciones críticas, la exposición organizada por Bruscky, en su apretado montaje, diagrama una estrategia de signo contrario: potencia dicho reclamo en el impacto de su cita multiplicada dentro de los límites del espacio “ocupado” por la muestra. En tal sentido, si la red de arte correo posibilita perforar las fronteras de los Estados nacionales y esparcir las denuncias y acciones de resistencia, la arriesgada exposición desafía la situación local, haciendo visible lo que antes circulaba solamente en el medio postal, para trastornar la estrategia misma de eludir la censura y, así, movilizar la propia escena respecto a lo que entonces tenía lugar en el país vecino. En contraste con los desplazamientos tácticos que el reclamo asume en la red en el registro móvil diseñado por el envío postal, la exposición articula su apuesta crítica en el complejo montaje que refuerza la radicalidad de esas múltiples derivas, en la potente y condensada trama que el conjunto de objetos reactiva en su irregular amontonamiento. Así, el dispositivo expositivo da cuerpo a la denuncia, entretejiéndola en trayectorias cruzadas. Pero más allá del reclamo concreto al que pretende dar visibilidad, la muestra traza inquietantes alusiones no sólo a las condiciones de cruenta represión del contexto uruguayo, sino también a la situación política de Brasil y otros países de la región. Al mismo tiempo, esta preocupación por generar una conciencia crítica respecto de tales condiciones de agudizada conflictividad sociopolítica no es indisociable, en el proyecto expositivo de Bruscky, de la implícita exigencia por poner a disposición de otros un conjunto de recursos y procedimientos de rápida apropiación y uso (postales y sobres, sellos de goma, fotocopias y variadas técnicas de impresión “doméstica”, etc.). En la socialización de recursos que posibilita, la propuesta expositiva desborda la sola denuncia para constituirse en una incitación a participar activamente en la misma.

En abril de ese mismo año, el Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura, una formación en la que confluyeron varios colectivos, difunde una carta en referencia a la “desaparición” de los artistas, concluyendo con una exhortación “a todos aquellos organismos o individuos conscientes en nuestro hemisferio para que de inmediato recurran a todos los medios a su disposición y pugnen por la liberación de Clemente Padín y Jorge Caraballo”.(3)

El llamado del Frente Mexicano constituye uno de los tantos que entonces movilizaba la red de arte correo. En el curso de 1978, la exigencia por la libertad de Padín y Caraballo alcanza un desarrollo sin precedentes en simultáneas convocatorias e intervenciones, dirigidas de manera coincidente desde diferentes puntos de la red y rápidamente multiplicadas en las apropiaciones y derivas que definen la apuesta radicalizada del conjunto de iniciativas. Si la red postal constituía una trama “descentrada”, un circuito móvil a contramano de todo orden jerárquico, cualquier artista correo podía actuar, al mismo tiempo, como receptor y multiplicador de la denuncia, en tanto agente desencadenante de nuevas acciones críticas.

La campaña impulsada desde la red deja claro qué pretendía ser el arte postal más allá de la subversión táctica del correo oficial como canal de circulación. En la gestión de la propia precariedad, el arte correo constituye una práctica colectiva de poderoso anudamiento poético-político, que utiliza (parasitariamente) el circuito postal como soporte para agujerear los bloqueos impuestos a la comunicación e impulsar una transformación radical en las condiciones de existencia a partir de la construcción de redes colaborativas y de comunicación “marginales”.(4)

En coincidencia con la expansión de la denuncia dirigida desde la red de arte correo, Amnistía Internacional tiene una actuación crucial en la intensidad de los reclamos. Intervino activamente relanzando circulares a diferentes instancias del gobierno uruguayo, con declaraciones, manifestaciones de protesta y diversas reivindicaciones procedentes de todas partes del mundo. En 1979 Padín y Caraballo, procesados por los cargos de “Escarnio y Vilipendio a la Moral de las Fuerzas Armadas”, son liberados “bajo palabra”, condición que, en su desplazamiento del régimen de represión de la situación carcelaria al ejercicio de la autocensura, es enfáticamente denunciada por G.E. Marx-Vigo (5) en una declaración publicada en 1980 en la revista suiza Common Press. “Libertad vigilada” y “autocensura”, constituyen, en palabras de G.E. Marx-Vigo, “las formas refinadas de un crimen „no sangriento‟ cometido contra la creatividad (…) Nuestra respuesta es certificar que aquí, en Latinoamérica, la represión mata. No es la cárcel física el peligro sino la muerte. La muerte que ha matado la palabra y la acción creativa de Padín y Caraballo. La muerte del silencio en una libertad bajo palabra que es sinónimo de ausencia de libertad y pérdida del derecho del hombre, de cualquier hombre, a pronunciar su palabra en un compromiso vital que no puede ni debe ser ordenado y presionado desde afuera”.(6)

Persistencias políticas

En 1981 Padín es invitado a participar en la XVI Bienal de São Paulo, comisariada por el crítico Walter Zanini. El artista está al servicio de la comunidad, nombre de la propuesta, reedita el proyecto homónimo que, ocho años antes, Padín había presentado en la exposición Prospectiva 74, organizada por el mismo Zanini en el Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP).(7) En la dirección crítica inaugurada a comienzos de la década del 70 por los planteos disidentes de su “arte inobjetal”,(8) El artista está al servicio de la comunidad desplaza el interés por la obra como eje de gravedad de la experiencia estética a la acción como práctica desencadenante de un proceso abierto que pone en cuestión la tradicional división entre creadores y público. En 1974, no pudiendo asistir a la exposición en el MAC-USP, Padín delega su intervención al actor vasco Francisco Inarra, entonces exiliado en Brasil. Siguiendo las indicaciones del proyecto, Inarra conduce a los espectadores sobre una base con ruedas, informándolos de la muestra y de las obras exhibidas.(9)

Si frente a los tiempos previstos para la Bienal, Zanini encomienda a varios de los artistas participantes la presentación de proyectos ya realizados, la decisión de Padín de reeditar la intervención de 1974, aspira a reactivar, desde su presente, las opciones radicalizadas que su acción anterior condensaba en la postulación de la creación como un bien público y común. En 1981, todavía bajo libertad vigilada e imposibilitado de salir de Uruguay, Padín vuelve a delegar, como años antes, la concreción de su propuesta. Así, el artista dejaba claro que lo que le interesaba, incluso cuando él mismo no pudiera llevar a cabo sus propias acciones, era, sobre todo, lo que éstas fueran capaces de desencadenar en sus insubordinadas proyecciones.

En la recuperación de la experiencia de 1974 en el marco de la Bienal, El artista está al servicio de la comunidad diagrama un doble enclave crítico. Por un lado, al tender un puente con esa escena abortada, interpelando las aspiraciones revolucionarias de un programa poético-político cancelado por la violencia de las dictaduras de la región. Por el otro, en la voluntad de mantener (fragmentaria y precariamente) la potencia de ese proyecto radical en sus exigencias utópicas de cambio social, a pesar del horror de la experiencia carcelaria. Persistencia que da cuenta del compromiso de muchos en esa época que, incluso conscientes del riesgo que estaban afrontando, apostaron por abrir un flanco en el hacer artístico, con prácticas colectivas, infiltradas en lo social, capaces de gestionar las propias condiciones de precariedad y provocar, desde desbordamientos múltiples, nuevas subjetividades políticas.

Notas

1) En 1975 y 1976 Bruscky había organizado otras dos exposiciones de arte correo en Recife. La I Exposição Internacional de Arte Postal, preparada con Ypiranga Filho, tiene lugar en la capilla del Hospital Agamenon Magalhães. La segunda, organizada con Daniel Santiago en el Edifício dos Correios e inaugurada en el horario de mayor flujo de personas, tiene un inmediato desenlace por la intervención policial. Como en el caso de la biblioteca en 1978, esas exposiciones de arte correo trastornan, en su incómoda materialidad, no sólo las “naturales” condiciones de recepción estética, sino también el orden sacro, disciplinario o burocrático de los espacios mismos en los que Bruscky elige mostrar estas producciones. En su deliberada ubicación fuera de las instituciones artísticas, la secuencia de muestras propone extender su impacto a un público mayor, ajeno al circuito de arte. Bruscky sostiene que “para el arte correo no había lugar propio (…), las instituciones oficiales eran consideradas como marginales. No importaba dónde, lo importante era conseguir mostrar” (Conversación con Fernanda Nogueira, 24/09/2009).
2) El mismo Bruscky había sido víctima de tales abusos dos años antes, cuando la II Exposição Internacional de Arte Correio es cerrada por la Policía Federal después de su inauguración. Bruscky y Daniel Santiago son arrestados y más tarde, tras su liberación por la insistente presión de varios artistas locales participantes de la red, son secuestrados y llevados a prisión, donde permanecen incomunicados durante quince días. Una vez fuera de la cárcel y movilizado ante la urgencia exigida por las circunstancias, Bruscky redacta, de manera compulsiva, “Arte Correio e a grande rede: hoje, a arte é este comunicado” (texto que retomará en 1981). En lo que puede leerse como una elocuente referencia al impacto generado por la clausurada exposición, escribe: “lo subterráneo explotó”.
3) Carta del Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura, México D. F., 11 de abril de 1978. Archivo Centro de Arte Experimental Vigo (La Plata, Argentina). El Frente se había constituido en febrero de 1978 a partir de una convocatoria de los grupos Proceso Pentágono y Taller de Arte e Ideología (TAI). Ese mismo año, el colectivo organiza la muestra América en la Mira en el Museo de Arte Contemporáneo de Morelia (Michoacán, México). Varios de los envíos que integraron la exposición coincidieron en el reclamo por la libertad de Padín y Caraballo.
4) En 1976 el artista argentino Edgardo Antonio Vigo se refiere al arte correo como práctica inscripta en las “comunicaciones marginales a distancia” (“Arte-Correo: Una nueva etapa en el proceso revolucionario de la creación”, Buzón de Arte, n° 2, Caracas, marzo de 1976).
5) Firma conjunta de los artistas argentinos Graciela Gutiérrez Marx y Edgardo Antonio Vigo.
6) G. E. Marx-Vigo. “Plataforma para nuestra acción marginal latinoamericana”, Common Press, n° 8, 1980.
7) En el curso de los años 70, durante su desempeño como director del MAC-USP, Zanini actuó como un lúcido catalizador de diferentes iniciativas en red, las que contaron con un lugar destacado en una serie de exposiciones colectivas a su cargo. Véase al respecto Freire, Cristina. Poéticas do Processo. Arte Conceitual no Museu, São Paulo, Iluminuras, 1999.
8) En 1971 Padín difunde los postulados de su “poesía inobjetal” en una serie de cuatro manifiestos. En 1975 amplía sus argumentos en el libro De la Representation a l´Action, publicado por la editorial DOC(K)S. Véase también: Padín, Clemente. “Arte Inobjetal: de la representación a la acción”, en: Cristina Freire y Ana Longoni (coord.). Conceitualismos do Sul / Conceptualismos del Sur. São Paulo, Annablume, 2009.
9) En 1976 la revista DOC(K)S, editada por el poeta francés Julien Blaine, publica en su primer número, dedicado a la vanguardia latinoamericana, una serie de fotografías de la acción de 1974.

* Agradecemos a Paulo Bruscky, Clemente Padín y Juan Carlos Romero por las conversaciones y la generosa disposición en la consulta de sus archivos, así como al Centro de Arte Experimental Vigo (La Plata, Argentina) por facilitarnos el acceso a materiales del archivo de Edgardo Antonio Vigo.

¡Clemente en Santo Domingo!

2010-01-13T12:21:00.001-08:00

Uff, qué calor, mamacita..!

Tenemos el gusto de informar a usted que nuestro admirado ídolo, Clemente Padin, en ocasión de su 40mo. aniversario de performances e intervenciones urbanas, estará exponiendo y ofreciendo un seminario, a partir del 14 de Enero, 2010, en el Centro Cultural Español de Santo Domingo, República Dominicana.

Este es otro servicio a la comunidad del Club de Fans del susodicho clementepadin@gmail.com

Si no desea seguir recibiendo estos mensajes, cliqué acá.
http://www.beatrizramirez.com.ar/videosdeCP.htm
http://clementepadin.blogspot.com/

Uff, what heat, little mom..!

We have the pleasure of informing you that our admired idol, Clemente Padín, in occasion of his 40th. anniversary of performances and urban interventions, will be exposing and making up a seminar in the Center Cultural Spaniard of Santo Domingo, Dominican Republic, starting from January 14, 2010.

This is another service to community by the Clemente Padín´s Fans Club: clementepadin@gmail.com

If you don´t desire to follow receiving these messages, link here.
http://www.beatrizramirez.com.ar/videosdeCP.htm
http://clementepadin.blogspot.com/

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"Aes a la Douglas" - Regina Pinto acerca de Clemente Padín

2010-01-11T04:59:00.000-08:00

"Projeto AlphaAlpha. Trabalho conceitual (?) - Padín me enviou essas sugestões abaixo e quem fez a criação tanto do filme como das imagens fui eu." (Regina Pinto)

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Inauguración y Seminario de la X (la última) BIENAL DE POESÍA EXPERIMENTAL

2010-01-05T05:35:00.000-08:00

César Horacio Espinosa

ENTRE RAYOS Y CENTELLAS (y calaveras del montón…): inauguración y seminario de la X (la última) BIENAL DE POESÍA EXPERIMENTAL En homenaje al pionero y teórico latinoamericano de la Poesía Experimental: Clemente Padín

Clemente Padín, Araceli Zúñiga y César Espinosa

Homenaje

Clemente:
no clemente es
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clemente no
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no
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Clemente Padín
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Clemente Padín.
ROBERTO LÓPEZ MORENO
(2009)

Desde México: César Horacio Espinosa V.

La fiesta de apertura: 30 de octubre

A pesar de la tromba que (tuvo a bien) caer(nos) ese día en la ciudad de México, el 30 de octubre se inauguró con un público nutrido (empapado y chorreante, pero súper valedor@s) y participante, la X Bienal Internacionalde Poesía Experimental. ¿Qué pasó y quiénes “pintaron su calavera”?…

Esta décima bienal queda rodeada por la tachadura o borradura de la X: ¿muere, desaparece, o se transforma? Bueno, efectivamente, cambia de piel y pasará a otras tareas de promoción de la poesía experimental, de coordinación de proyectos, de investigación y docencia en el ramo; de clasificar y ordenar los archivos y los acervos que se acumularon a lo largo de veintitantos años de existencia (aunque la burocracia cultural mexicana nunca la registró como existente). En el marco de esta X Bienal tuvieron lugar dos etapas, una primera en 2008 (ver Escaner Cultural Nº 111, diciembre de 2008), y la que aquí reseñamos, la etapa postrera y cierre definitivo del formato que tuvieron las diez bienales.

Performance de inauguración: Los artistas César Martínez y Víctor Sulser

Hubo un “maratón” de performances coordinado por Pancho López, que comenzó con los artistas Víctor Sulser (¡a sus órdenes, señor presidente!) y César Martínez, que se dio un tiempito de cuates para estar con nosotros, para seguir con el performance/ cuadernodedoblerraya de Mónica Mayer y Víctor Lerma “Abrazos y Aplausos” (fuera totalmente de programa y como un “regalo especial a la Bienal”…); les siguió Ivette Román, de Puerto Rico, con su estrujante performance Humus Terroristas Todos; J.M. Calleja, de España, Clemente Padín (el homenajeado), de Uruguay; Katnira Bello, (rosasrojaspunzocortantes), Emma Lejarazu, Celia Fanjul, Janice Alva, Laura García y Said Dokins, y de nuevo Víctor Sulser con Araceli Zúñiga en un “Performance de Clausura” (de la apertura).

Intervención de Araceli Zúñiga

Araceli Zúñiga dio la bienvenida a los participantes en esta X Bienal y agradeció la presencia de los directivos y representantes institucionales; a continuación, parte de su intervención:

“Propongo el reconocimiento de la Poesía Visual como un cuerpo permeable y en constante cambio. Graciela Kartofel.”

Y sí. Estoy de acuerdo. Y como una muestra de este cuerpo permeable y en constante cambio que nos plantea nuestra querida amiga (Graciela, crítica de arte y promotora de estos espacios, zonas de arte), decir zonas de arte es decir Clemente Padín, un poeta e investigador congruente con su obra y con su vida misma. Estamos hoy aquí reunidos para ofrecer este sencillo homenaje al pionero del arte-acción y de la poesía visual en el mundo. Bienvenido a este reconocimiento, compañero Clemente Padín, te hemos convocado, junto con otras y otros artistas, nacionales e internacionales, para dar comienzo a la décima y última Bienal Internacional de Poesía Experimental. ¡Qué bueno contar con su presencia generosa!

Performance de Katnira Bello

Cerramos ahora un ciclo, damos vuelta a la página, doblando la esquina, cambiando el paso, mirando hacía otros horizontes, rasgándonos la boca para que nuestras palabras salgan (también) desgarradas. En rebelión. Transgredidas. Otras. Diferentes. En busca de los nuevos alfabetos y de las otras formas que nos representarán a partir de este momento con otros formatos.

Performance "Regalo a la Bienal", de Mónica Mayer y Víctor Lerma

Terminamos un ciclo de veinticuatro años con experiencias múltiples, con encuentros, desencuentros y muchos afectos, naturales en este tipo de actividades paralelas a las artes convencionales en México y en el mundo. Hemos sido y somos una Bienal Internacional real. Hemos convocado a muchos artistas extranjeros y hemos recibido trabajos que hoy conforman un amplísimo archivo, único en México, de poesía manifestada en una amplia variedad de múltiples y sinestésicas posibilidades de experimentación.

Performance de Janice Alva

¿Qué pasará con este archivo de poesía sonora, visual, libro objeto, libros y textos teóricos en torno a la experimentación de la palabra multidimensional? No lo sabemos, pero sí es verdad que tendremos que ponernos en coordinación con una institución, pública o privada, para su preservación y clasificación, en calidad jurídica de comodato o en autorregulación con otros archivos de artista, como lo ha propuesto Pinto Mi Raya.

Ivette Román, de Puerto Rico, performance Humus Terroristas Todos

Nos acompañan en este evento nuestros anfitriones de esta última etapa, la directora del Museo del Chopo de la UNAM, maestra Alma Rosa Jiménez, acompañada por Pancho López, responsable de eventos especiales del museo y promotor de Performagia; así como la maestra Susana Quintero, directora de la Casa de Cultura Reyes Heroles, acompañada del maestro Juan Carlos García Núñez, subdirector de Planes y Proyectos de Cultura de la Delegación de Coyoacán), concluyó Zúñiga.

La directora del Museo del Chopo de la UNAM, maestra Alma Rosa Jiménez, acompañada por la maestra Susana Quintero, directora de la Casa de Cultura Reyes Heroles

Performance de J.M. Calleja (España)

Intervención de Roberto Keppler (Brasil)

Los días 31 de octubre y 1º de noviembre tuvo lugar un seminario con el tema “La imagen (utópica) inteligente”, donde participaron los artistas invitados internacionales, incluyendo a Roberto Keppler, de Brasil, y Beatriz Ramírez, de Argentina (Presidenta del Club de Fans de Clemente Padín), así como el poeta Víctor Sosa, la maestra Josefina Alcázar, la investigadora Patricia Cabrera, el maestro Carlos Pineda, la pionera (una de ellas) del arte correo en México María Eugenia Guerra, el artista e investigador Víctor Muñoz, así como varios artistas participantes en la inauguración y otras personas más. (Algunas de las ponencias o pasajes de éstas, van en la parte final de este reporte.)

Los doctores María Eugenia Guerra, Universidad Autónoma de Puebla, y Carlos Pineda, Facultad de Filosofía y Letras, UNAM.

En la convocatoria para el seminario, como un programa inmediato y a futuro, se publicó el siguiente pronunciamiento:

PRIMER ACTO: Después de las vanguardias, con su programa ético y ontoepistemológico, y de las posvanguardias fineseculares inmersas en el mediaescape de la ilusión y la virtualidad, llegamos al “retorno de lo real” con una realidad tecnoestética basada en las emergentes cartografías de la representación, de la permutabilidad de los signos y del radicalismo constructivo, la simulación, la artificialidad y la digitalización multi/transensorial… de los no-lugares y la eclosión geoestética… de la convivencia de los afectos románticos y los efectos especiales… era global, historia de la inmediatez, nuevas suplementariedades y referentes flotantes… de lo interesante a lo impactante… el arte Entertainment y las nuevas estrategias de resistencia artística… En suma, la hiperestetización de la visualidad.

SEGUNDO ACTO: ¿Podremos inventar un futuro, una imaginación crítica, una nueva metaforología de la imagen, darle a la imagen el carácter cognitivo que se le ha negado?… Desde la gramatología, la lógica del sentido y las ecosofías, por mencionar algunos puntos nodales, podríamos acercarnos a esa heterodoxia del humanismo tecnológico, de la postmetafísica cibercultural y el tiempo del zapping estético.

TERCER ACTO: En tal escenario, el concepto de "poesía experimental" está vigente y preñado de enfoques de invención para el siglo XXI. En lo esencial, se trata de un conjunto multi/transdisciplinario y también de una verdadera sopa de letras en cuanto a corrientes que se cruzan y a herencias y herejías que siguen irradiando potencias creativas.

Temario:
1.Informe de experiencias en poesía experimental. 2.Primer análisis-debate: La imagen, más allá del dualismo sensible-inteligible; transversalidad de los signos, tecnoestética, simulación y nuevas estrategias de la representación. 3.Globalidad, simultaneidad e inmediatez; arte entertainment, resistencias y hacia una imaginación crítica.

Todos juntos (en la primera parte de la X Bienal)

La segunda parte de actividades de la Bienal tuvo lugar a partir del viernes 13 de noviembre, con la presentación de dos libros del escritor y poeta visual Alfredo Espinosa, de Chihuahua, En el corazón del sinsentido y Nueva York y una taza de café, y la presencia del pionero del arte correo y la poesía visual en EE.UU., el editor y performer John M. Bennett, acompañado por la poeta Catherine Mehl, así como del poeta electrónico brasileño Jorge Luiz Antonio, quien presentó un libro suyo sobre la poesía digital en Brasil y un recuento del artista portugués E.M. de Melo e Castro.

Segunda parte de actividades: Performance por John M. Bennett

La poeta Catherine Mehl

Poemas de John

A su vez, las exposiciones de poesía visual y experimental en la Casa de Cultura Reyes Heroles, terminaron el día 30 de noviembre.
El jueves 19 de noviembre, en el Laboratorio Arte Alameda (Dr. Mora Nº 7 Centro Histórico), el poeta electrónico brasileño Jorge Luiz Antonio presentó un libro suyo sobre la poesía digital en Brasil (Poesia eletrônica: negociações com os processos digitais).

El poeta electrónico Jorge Luiz Antonio (Brasil)

Jorge Luiz Antonio. San Pablo, Brasil, 1952. Poeta, investigador y profesor universitario, es doctor en Comunicación y Semiótica, y tiene un pos-doctorado en Tecnologías de Inteligencia y Diseño Digital (PUC SP). Es autor de numerosos libros de crítica e historia de la poesía experimental brasileña.

Poesía electrónica: negociaciones
con los procesos digitales

La obra fue concebida, desde sus primeros esbozos, para circular en el medio impreso (libro) y el digital (CD-Rom y red). El ciber/lector puede leer el libro y accesar a él en la computadora, simultáneamente, y así poder ver los poemas comentados, revisar la bibliografía electrónica o a las poesías electrónicas selecionadas, o consultar el glosario. Una vez que la obra aborda las relaciones de la poesía con los procesos digitales, es importante que la lectura también sea hecha en ambos medios y de forma interactiva e hipertextual, o sea, que haya una exposición de poesía electrónica en la propia obra.

Intervención de Jorge Luiz Antonio en el Laboratorio Arte Alameda

Además de la necesidad de presentar el tema en dos medios, agregó Jorge Luiz, me pareció conveniente hacer una edición que tuviera un costo bastante accesible. Eso me planteaba desafíos: crear capítulos que iniciarían en el medio impreso y que terminarían en el digital. Y el resultado fue un libro de 200 páginas impresas y un CD-Rom con 533 páginas de texto, más las antologías incluidas de poesía (379 poemas de 199 poetas en cerca de 400 páginas) y de los textos teóricos (87 textos de 56 autores en 1,018 páginas).

Laboratorio Arte Alameda: Texto de Araceli Zúñiga en el Festival Transitio II

Seminario POESÍA EXPERIMENTAL:
LA IMAGEN (utópica) INTELIGENTE
SELECCIÓN DE PONENCIAS

Yto: Trabajo en Internet para la X Bienal: e-pintura demencial, www.yto.cl/demente

Poesía que [´] construye [s?]
Una semiótica no del poema, sino de la operación
que significa hacer con la poesía

Fernando Ocampo Celis del Ángel
Lleno está de méritos el Hombre; mas no por ellos; por la Poesía ha hecho de esta Tierra su morada. Martín Heidegger

Quizá el título de este texto, “Poesía que [´] construye [s?], parezca ambicioso. Sin embargo, no hay petulancia, al contrario. Se pretende traer a presencia el recurrente tema de la decadencia actual en la producción y crítica de piezas poéticas o poemas. Situación que de una u otra manera reflejan la realidad de los fenómenos en los que hoy día nos vemos inmersos.

Construir, es una palabra aparentemente tangible desde una perspectiva física objetiva. Sin embargo es en la intangibilidad de su significado donde ésta decanta su valor, ya que es en el acto de construir donde ordenamos los elementos necesarios para nuestra existencia, ordenar es nuestra naturaleza humana y sin embargo es artificio por naturaleza, porque negamos toda construcción natural y habitamos en nuestra artificialidad imaginando. Me refiero a la construcción, que es antes que cualquier adjetivación, un proyecto. El ejercicio de proyecto es poner en orden, es ordenar.

La determinación de los distintos elementos que configuran la noción de aquel orden, están permanentemente referidos a la esencia de una obra de manera tal que es posible extraer de allí los materiales fundamentales que le dieron vida con sentido. Develar la esencia de la obra es pues un desafío, como también lo es el de intencionar su análisis con ese propósito. Hacer esto NO produce un diseño rígido y formal para ser analizado o interpretado desde su contorno, pero si una estructura de intenciones que nos guía a la hora de tomar decisiones prácticas sobre los lugares que determinado programa nos exige.

Es por eso que cada vez que un poeta funda un proyecto, recoge formas del habitar y les da lugar en su poesía, esta formalidad no depende únicamente de la imagen representativa, sino de características que operan dentro de las lógicas de la función [programa] y la significación de los procesos de ordenamiento. Si valoramos las características comunes existentes entre la experimentación poética y un ejercicio de proyecto, cabrá señalar como puntos de encuentro: la presencia de un receptor que resuelve la provocación hacia una poesía del hacer-se, por tanto, poesía que exige la participación, el uso: una poética que va mucho más allá de la búsqueda de la belleza estética, puesto que premia la voluntad de penetrar en el campo de la reflexión artística; poética de recurrencia y de las ideas, puesto que se impregna de un cierto grado de voluntad a la desmaterialización de la pieza que de ella se construye.

Un poema es resultado del ejercicio de un proyecto, sin embargo es también el vestigio de esa acción. Como lectores-receptores debemos considerar que aquél es la tercera traducción de la poesía [podrían ser mas], porque en principio el poeta se desdobla en su hacer para hacerse su lector, es entonces resultado, huella física, legible, que da cuenta de un encuentro al que anhelamos, pero que en ninguna circunstancia se mantiene estático.

Me llama la atención la frecuente búsqueda de algunos autores y críticos de poesía experimental, que tratan de manera insistente dar cuenta de un discurso repetitivo de justificación en la implementación y el hacer de este tipo de creación artística, como si fuera necesaria todavía aquella demostración cuando se disponen, ya, de innegables años de tradición y práctica creativa en la poesía experimental, espacios teóricos e históricos que nos dejar ver que la poesía fue siempre una creación interdisciplinaria y polisémica, para entender que no es posible disociar la palabra de la imágenes visuales, sonoras, organizadas dinámicamente en nuestro lenguaje.

Cuando leo algunos artículos referentes a la condición citada arriba, ni siquiera recurro al pensamiento melancólico de la idea de una muerte y/o pérdida de la poesía. La única razón que en este instante mantengo para pensar que la poesía no perecerá, viene desde lo mas cercano y despreciado por ella, la lingüística. En el derrumbamiento universal de los puntos de apoyo que se tenían imperturbables por aquella perdida de producción en ciertas prácticas de creación poética a lo largo del tiempo, la lingüística nos da la única afirmación sólida, como hecho bien fundado: que la poesía no puede morir porque está unida a la naturaleza de las cosas del lenguaje.

No sistemática ni superficialmente, porque el lenguaje cuenta con propiedades [muy conocidas por nosotros] acústicas, visuales y fonéticas que le permiten imitar vagamente cualquier fenómeno; pero, fundamentalmente, porque el lenguaje del hombre cumple varias funciones paralelas, como las de nuestra comunicación: la lógica y racional [ que es la más visible], o la de organización de pensamiento, es decir la de expresión, totalmente diferente que, de manera compleja, incorpora a la comunicación lingüística, elementos con los cuales se exterioriza el que habla, matices de sus “heterónimos” o estados de ánimo, desarrollando así procedimientos estéticos adecuados para transmitir esos matices.

Para imaginar que lo que llamamos poesía pudiera desaparecer totalmente o, por lo menos, como una posibilidad de nuestra condición humana, sería preciso imaginar la muerte de todo lenguaje articulado. Sin embargo, esto es completamente erróneo porque en tanto los hombres hablen, su lenguaje contendrá todos los elementos necesarios y adecuados para restaurar el concepto de poesía tal cual como lo concebimos, aún cuando ese concepto pudiese desaparecer temporalmente. “El lenguaje corre en la poesía como el agua en el río”; mientras alguien sienta deseo de decir del modo más sencillo su habitar, la poesía existirá en y por el leguaje aunque no se sepa qué es de ella.

Es necesario reconocer si no la indiscutible resistencia del público ante la poesía, por lo menos su progresivo desapego, cierta indiferencia. ¿Qué hacer entonces ante la situación? Seguro en algo más que la propia fe de que la poesía existe objetivamente, quienes la aman pueden ya, al saberse argumentados, poner pie firme en esta “crisis”. La poesía es valor y no ilusión de valor, puesto que es indispensable y corre entre nosotros. Yo mismo no entiendo a quienes no quieren verse y ponen en juicio al poema sin morar en su interior, sin imaginar siquiera el acto poético de quien en algún momento, “se vio” tocado por [en] ella o la [se] imaginó.

Yto: Trabajo en Internet para la X Bienal: e-pintura demencial, www.yto.cl/demente

LA POESIA EXPERIMENTAL, LA EXPERIENCIA

John M. Bennett

Toda poesía es experimental, en el sentido amplio de la palabra. Es decir, que toda poesía que vale esa denominación se crea a base de expresar, de crear, una experiencia nueva, y es experiencia. Experimental, pues. Aún en la utilización de formas tradicionales como el soneto, el romance, el pantoum, o lo que sea, hay por necesidad una experiencia nueva en cada manifestación. Un arte no experimental sería algo así como el Quijote de Pierre Menard, pero aún en ese caso, el Quijote de Pierre Menard no sería idéntico al de Cervantes, porque se hubiera escrito en un contexto y en un tiempo totalmente distintos.

Pero dicho esto, quiero postular dos cosas:

Una) Que hay grados menores y mayores de experimentación en el arte, sea visual o literario o alguna combinación, y
Dos) Que hay una tradición y una cultura continua de literaturas y artes de vanguardia que tiene una historia de muchos siglos y que dentro de esa cultura hay constantes, “influencias”, y continuidades que tienen su analogía en las culturas más del “establecimiento” y de las instituciones oficiales.

Entre las características de esta tradición experimental está su índole internacional, su aspecto translingüístico, la colaboración entre artistas, la creación de nuevas formas híbridas, y el uso temprano de nuevas tecnologías y materias para fines nuevos y estéticos. Tales como, en su día, la imprenta, nuevas tecnologías para crear colores, herramientas de cobre, de acero y de otras materias, para no decir nada de lo más obvio para nosotros, la fotografía, la electricidad, el cine, la grabación, el video, la computadora o la ordenadora y todo lo que sea posible con esa última.

En cuanto al arte vanguardista de hoy, hay por lo menos dos circunstancias únicas, que puedan, tal vez, afectar las características de la expresión: el incremento escalofriante de la población mundial, y los nuevos medios sin fronteras e instantáneos de comunicación.

¿Cómo afecta el arte la población enorme del planeta? En primer lugar, crea un “público” o un entorno humano, un grupo o una sociedad para cualquier tendencia artística que sea posible o aún no posible. Es decir, que puede haberse varios mundos vanguardistas, cada uno con su especificidad particular, y pueden comunicarse –o no, lo que es frecuente– entre sí. En el pasado, la vanguardia funcionaba como un laboratorio para ideas o recursos nuevos, que después se adoptaba el arte más “normal” o institucional (generalmente en forma diluida). Ese proceso sigue hoy, pero en menor grado. La población enorme ha creado otro fenómeno: la cultura masiva, con sus artistas célebres (y a menudo vacuos) que dominan los medios masivos de comunicación y distribución, además de las instituciones oficiales del arte.

Pero los medios de comunicación masiva han creado un matriz donde los artistas de las vanguardias pueden comunicarse entre si, de manera casi instantánea. Por eso se ha formado un mundo dinámico, más allá de las fronteras políticas y culturales, en donde la colaboración y el canje de ideas ha resultado en la creación de una cantidad, y en una calidad, extraordinarias, inusitada diría yo, en la historia de las artes.

Pero conste, que ese mundo nuevo existe principalmente aparte de las culturas masivas, aparte de las nacionalidades, y se ha fomentado el crecimiento de esa tradición alternativa de vanguardia hasta el punto de que sea una verdadera cultura internacional masiva por su parte, un continente “virtual”, realizado hoy acá en México por los esfuerzos de César Espinosa y Araceli Zúñiga. Como se ha hecho concreto en otros lugares y se hará en el futuro, como esos eventos súbitos, encuentros de cientos de personas en un lugar anunciado por email, por Facebook, o Twitter. Hoy en México, mañana en Barcelona o Berlín o La Habana o Kiel, Rusia o Bologna o Shanghai o Osaka o en Columbus, Ohio.

Fíjense bien: somos muchos, pero muchos entre muchos; tenemos el poder para cambiar y hacer envolver el arte y la literatura más allá de nuestro grupo, pero tal vez sea un poder ilusorio. Ya veremos. Lo cierto es que la cultura de masas es más grande aún. Lo bueno es que no sabe que existimos, y así somos libres.

Octubre de 2009

Yto: Trabajo en Internet para la X Bienal: e-pintura demencial, www.yto.cl/demente

UNA PROPUESTA MODESTA

Felipe Cussen
Universidad Diego Portales
Chile
Los poetas experimentales de las últimas décadas, al igual que sus predecesores vanguardistas, han criticado y parodiado continuamente el aura romántica y suspirante que históricamente se asocia a la poesía. Rara vez, sin embargo, se han hecho cargo de la nueva aura que ellos mismos han comenzado a desarrollar a partir de una supuesta pureza en la manipulación seria y concienzuda de técnicas muy específicas y la aparente indiferencia respecto a una popularidad masiva de sus propuestas. Pareciera que el rótulo de “poesía experimental” fuera un sello de calidad incuestionable, lo que promueve la autoindulgencia e impide reflexionar sobre condiciones básicas para cualquier receptor que no sea otro poeta experimental. Así ocurre cuando se nos somete a un poema sonoro o una performance cuyo tiempo de exposición suele atentar contra muchas paciencias, en función de un determinado “estado” al que se supone que hay que llegar, pero que muchos de nosotros ni siquiera vislumbramos.

También se observa una inconsistencia en la invitación, como parte de una disolución de la jerarquía del autor, a un grado mayor de participación de los receptores. En prácticas colectivas como las acciones poéticas o happenings, suele crearse una liberación apenas ilusoria por parte de un director de orquesta que no quisiera renunciar a sus atribuciones. No es muy distinto a lo que ocurre con algunas obras digitales interactivas, donde el exceso de órdenes y sobreexplicaciones apabullan al manipulador, subrayando la asimetría entre el manejo tecnológico de quien diseña la obra respecto de quien la hará funcionar.

Aunque defiendo de manera entusiasta y quizás demasiado optimista la actitud de exploración en cualquier lenguaje artístico, la verdad es que, al menos en mi experiencia de lector o auditor, me he aburrido con obras novedosas en un porcentaje similar al que me he aburrido con obras convencionales. Pienso, entonces, que también se hace necesario desmitificar las labores de los propios poetas experimentales, y borrar, de paso, esa impostada seriedad que sólo esconde la imposibilidad de la ironía y autocrítica. Advierto que jamás he pensado que las obras deban alterarse para satisfacer la pereza o simplismo de cualquier tipo de público, pero también me parece excesivo refugiarse en esta aura a la que me refiero para justificar los caprichos de algunos poetas que llegan a este tipo de prácticas pretendidamente innovadoras como una forma de trabajar menos y de disfrazar con conceptos sus carencias.

Como creo que el punto de partida de cualquier escritura deben ser los materiales con que se trabajará, de momento que una pieza considera a sus receptores como un elemento central del soporte o su funcionamiento, no se puede eludir la reflexión sobre sus expectativas, grados de atención y disponibilidad. Es obvio que no es lo mismo leer de pie sobre un escenario que recitar un poema por teléfono, así como no es lo mismo esperar que un internauta perdido active una interfaz que interpelar a gritos a los parroquianos de un bar. Sin esta conciencia, los intentos de interacción o de provocación pueden terminar convirtiéndose sólo en fondos de pantalla o música ambiental.

Robo un planteamiento de Charles Bernstein: “Poetry should be at least as interesting as, and a whole more unexpected than, television”. ¿Es posible hacer un poema más impactante que la confesión inesperada de una estrella del cine? ¿O un poema más entretenido que un buen partido de fútbol? Lo veo muy difícil, pero mientras tanto propongo que al menos habría que pensar en las reales capacidades de resistencia de los auditores y considerar seriamente en recortar los tiempos de las fascinantes performances que estamos imaginando a la mitad de lo que habíamos presupuestado. Mairead Byrne, en una divertidísima comparación entre la poesía y el stand-up comedy, explicita este acuciante problema: mientras que un buen comediante siempre acierta en el momento que debería terminar su rutina, “poets don’t know how to end. They’re always saying ‘Do I have time for one more?’ Or ‘I’ll just read one, no two, well maybe three more.’ How about none more? How about DON’T?? Stand- ups don’t say Do I have time for another joke???”
No.

La Post-Posmodernidad o Transmodernidad en la poesía visual y experimental del siglo XXI

Por Graciela Kartofel
Pre-definiciones y definiciones de lo que no se quiere dejar definir no es un juego de palabras. En el entendimiento de que los movimientos de vanguardia rompen con formas establecidas, con preceptos fijos y con regulaciones, la poesía concreta y la poesía visual ejercen la destitución de las convenciones. Si aceptaran una definición estricta de lo que son, P.C. y P. V. y Experimental estarían desdiciéndose, debilitándose, desdibujándose y tornándose inútiles. Por ende, no hay definición en P.C. y P.V. y Ex. que se separe de su entorno y es de esa manera como se irá caracterizando en el siglo XXI, como algo orgánico en constante movimiento, “más allá del dualismo sensible-inteligente” y en un momento de ser post-posmoderna o altermoderna o transmoderna.

Propongo el reconocimiento de la Poesía Visual como un cuerpo permeable y en constante cambio. Ya fundado en otros términos, hoy se reconoce en lo efímero, en la masificación cultural, en los entrecruzamientos culturales y espacio-temporales, con las consecuentes situaciones no lineales sino en tramas, tanto en el lenguaje como en la imagen, los dos interligados componentes de la Poesía Visual y Experimental.

La vida es ambas, perdurable y efímera. Actualmente, vivimos una especie de edad efímera o reino de lo transitorio, y la natural documentación digital que provee la época, pautada por lo ‘hiper-transitorio”, o sea lo que pasa muy rápido. Tenemos que preguntarnos si hay una utopía inteligente habitando este ‘hiper-trans’, o si sólo es engañoso y desgastante?

Qué se observa? ¿Es el arte efímero un producto consumista, superficial y llamativo propio de esto llamado transitorio, o más bien, hiper transitorio? ¿Es la vulgarización = masificación? ¿O es un rechazo de esta vulgarización = masificación promovida por la especulación, enmarcada como ‘el Mercado de arte en sus diversas versiones’? ¿Llevaría esto a un retorno a lo auténtico? ¿Qué sería lo auténtico una vez descorridos los pastizales? No podría ser una vuelta a las visiones renacentistas o a las románticas, podría ser una nueva vuelta de tuerca a lo conceptual que ya originara mucho de lo efímero?

¿Podría esta era efímera que integra el cine, la música, las artes visuales –por sólo abreviar la lista-, podría, organizarse –organizar su cuerpo mutante-, en la Poesía Visual y Experimental, donde ya cohabitan los mencionados?

Es interesante que la Poesía Visual manifiesta esa existencia efímera desde su constante movilidad, no es un paradigma sino una fluidez en constante emancipación. Curiosamente, quienes la quieren empaquetar, al alterar su estado en movimiento, la pierden. No nos interesa aquí discutir qué será del arte en sus manifestaciones más formales –seguramente sobrevivirá de esa manera como todos sabemos que lo ha hecho, coexistiendo.

En cuanto al arte entretenimiento que hoy se señala enfáticamente –y que entraría en el área de lo perecedero por su escasa trascendencia-, existió siempre pero separado del mercado. En cuanto entran a existir ‘los valores específicos de intercambio individualizado’, se segmenta de tal manera todo –ya no es una fiesta o una velada con el músico o el pintor de la corte-, ahora es los 5 minutos del juego electrónico no exclusivo sino producido masivamente a la ¡pling! caja. En cierta medida, por la lógica del movimiento –crecimiento poblacional y digital- la Poesía Visual atraviesa una especie de ‘fresison’ –un razonamiento silogístico donde cohabitan afirmaciones y negaciones–, sobre todo ésta al final.

Se confunde entretenimiento con vida. Vida es movimiento, amor, acción, calor, pensamiento, creación. Entretenimiento, si bien es movimiento, es la vida puesta en puntos suspensivos, incluye la competencia, la medición de la inteligencia y muy especialmente la velocidad –lo mismo que inquietara tanto hace un siglo a los Futuristas.

Para quien suscribe, la Poesía Visual tiene aún caminos casi no transitados dentro de Latino América. Las proporciones, lenguas e imágenes que predominan se enlazan con las estéticas occidentales e ignoran las indígenas.

Con esto ratifico mi posición y me uno al Homenaje a nuestro querido Clemente Padín.

PERFORMÁTICA Y HOLOGRÁFICA: VÓRTICES EXTREMOS DE LA POESÍA VISUAL

(Introducción)

Carlos Pineda

Un fragmento de este ensayo fue publicado
en: Tierra Adentro, México: CONACULTA,
Núms, 156-157, 2008-2009, pp. 70-75.

La hibridación genérica tan cara a esta época logotética1 posvanguardista,2 considera a la heteroglosia como signo inmanente de la obra literaria. Así, intersecciones, subducciones, empalmes y toda clase de combinaciones entre géneros, conforman los sedimentos de la estratigrafía escritural de hoy día. Determinada por esta vorágine estética, el género literario más dérmico, la poesía,3 en su faceta visual, ha sido un receptáculo fecundo para el desarrollo de este fenómeno gracias a su capacidad transformacional y a su permeabilidad para con las “contaminaciones” extraliterarias.

Esta cualidad proteica obliga a que sus límites de expresión matérica se amplíen más allá del mero hecho combinatorio intergénerico, extendiéndose hacia espacios intelectivos considerados tradicionalmente como ”ajenos” a su naturaleza lírica, como es el caso del universo tecnológico.4 Resultado de esta combinación sui generis, surgen expresiones literarias como la e-poesía y la poesía holográfica, que para su realización efectiva dependen de una variopinta lista de recursos electrónicos.

Sin embargo, la filia por lo novísimo, por hacer del espacio aséptico de la virtualidad tierra ignota presta para ser poblada por la poesía, se matiza en su acercamiento a las artes performativas,5 las que se convierten en ocasión para reafirmar lazos comunes de expresión, así como para ingresar a ámbitos de convivencia, que si bien ya en la modernidad estaban presentes, apenas después del teatro del absurdo emergen con toda su fuerza vital como elemento axial de la representación.

Esta condición limítrofe de las propuestas más arriesgadas y eclécticas de la poesía visual, genera vórtices conceptuales aún difíciles de precisar en el estado en el que se encuentra la crítica actual; sin embargo, sí podemos comenzar por nominar (“etiquetar” si así se quiere) al conjunto, para después especificar a sus constituyentes y finalmente acercarnos a sus especificidades estéticas.
Desde una perspectiva canónica, la poesía visual contemporánea6, considerada por sus “ejecutores” como “alterna”7 la podemos subdividir en una cantidad casi infinita de subgéneros, como si se tratase de una derivación matemática8 que se acerca incesante (de manera inversamente proporcional) a la solución deseada; así, podemos considerar en mayor o menor medida a la poesía fílmica, la video-poesía, la tecno-poesía, la poesía semiótica, la poesía intersignos, la polipoesía, la poesía/proceso, etc. y en particular a aquellas que son del interés de este ensayo: la poesía performática9 y la poesía holográfica,10 como nuevas categorías del todo pansemiótico que se concentra en la poesía visual.

Es evidente que estas nuevas dimensiones del “visualismo” poético, al ser metalenguajes de una escritura que parte de concepciones plásticas para generar nuevas gramáticas sígnicas, se nos presentan como un conjunto de símbolos e imágenes que conforman un todo semiótico interdependiente, donde los elementos visuales (concretos como virtuales) se homologan con el signo lingüístico escrito.11

Al perder su especificidad como expresión plástica, requieren, para completar su realización plena como signo (y por lo tanto, para desarrollar óptimamente su capacidad para significar su cometido estético) de cierto grado referencial hacia la palabra, esta vez, como “objeto” y ya no sólo como medio de expresión o mera concreción escrita de la lengua. Por otro lado, es preciso tener en claro que estas propuestas poéticas sintetizan una alianza estratégica entre poesía y pintura, letra y oralidad, palabra y arquitectura, en donde la imagen deviene en un elemento medular que no desplaza a la palabra, sino que se (con)funde con (en) ella.12

No cabe duda que las expectativas ofrecidas a partir del panorama estético esbozado, son múltiples y positivas en la intención; sin embargo, es preciso evaluar en su justa dimensión tanto su aplicación efectiva en el “producto” artístico resultante, como en la solidez y coherencia del edificio teórico en el cual se sustentan.

Tengamos presente que la actual obsesión (“conciente”)13 por impregnar de manera evidente y preponderante a la obra artística de un elevado nivel de polisemia14, a través de estrategias como el collage genérico, o de realizar obras in progress15 han “relajado” los métodos compositivos, lo cual permite la aparición de un diletantismo sumamente dañino que orilla a estas apuestas “escriturales” a un rápido agotamiento, al ser invadidas por una cantidad cada vez mayor de (pseudo)artistas que encuentran en este arte camaleónico, la oportunidad de acceder (con cierta facilidad) a un espacio cultural aún desprovisto de una armadura teórica que le ayude a conservar sus niveles de calidad.16

A pesar de que la ambivalencia entre los fines y los métodos, los modos de expresión y lo expresado, las técnicas auxiliares y el producto resultante de su aplicación, se justifican en tanto que experimentación, pareciera que su compromiso con las ideas de exploración e indagación, que con cuánta preponderancia cultivaron los viejos vanguardistas, son, a lo sumo, una pose necesaria, pero no una verdadera búsqueda; por lo que de manera continua fracasan ante una superficialidad asfixiante cuyos resultados estéticos son las más de las veces cuestionables.

Es por esto que lo eficaz y utilitario sustituye gozosamente a la disertación intelectual vanguardista, sin duda, en congruencia con la inmediatez del instante publicitario necesario para la realización efectiva del consumo y de las estrategias de los mass media para estimularlo.

Si lo anterior es cierto, entonces el terreno palustre en el que nos movemos e intentamos poner las bases de algún palafito teórico, deberá lidiar de manera sumamente cuidadosa con la discontinuidad, el afán de simultaneidad, la intrínseca inestabilidad, y sobre todo, con la indecibilidad y lo arbitrario, desde donde se manifiesta la poesía contemporánea ligada a la virtualidad.17
En efecto, el concepto de poesía “orgánica” (que incluso bien puede funcionar al ser aplicado a las vanguardias literarias “clásicas”)18 en su dimensión exclusivamente textual, asentada en un soporte concreto: el papel, es ya objeto de pronta taxidermia por curadores de museo tecnomesiánicos.19 Las apuestas actuales ven en la hibrides multifacética y polifónica la oportunidad de eliminar la noción de estilo, de deconstruir el discurso y sus andamiajes teóricos en pro de la emergencia de microestéticas contrapunteadas a las macro-utopías vanguardistas.20 Movimiento continuo, nerviosismo, eliminación de la posibilidad del sedentarismo artístico, y por lo tanto, de hacer de la negación del estilo (paradójicamente) un estilo.

¿No es acaso esta actitud resultado (y estimulador) de la globalización y el derrumbe de los imaginarios postindustriales tanto en el nivel filosófico, como moral, ético y artístico? Y si es así, entonces cabría preguntarnos la validez de un acercamiento crítico. ¿Qué queremos comprender? al arte en sí o los modos de hacer el arte. ¿Podemos, en las circunstancias actuales de la hermenéutica, hacer esta distinción, o (como siempre) sólo haremos castillos de aire?

Así las cosas, la estética tradicional se enfrenta (quizá por vez primera en su historia) con expresiones artísticas que están fuera de su ámbito exclusivo, que exigen para su cabal comprensión crítica (que no para el receptor) de elementos teóricos venidos de ciencias ajenas a la teoría literaria o del análisis del discurso y sus herramientas auxiliares tomadas de la sociología, la antropología, la psicología etc.

Precisa de conocimientos teóricos y técnicos de computación, láser, permutatividad matemática, fractales, teoría de conjuntos, álgebra booleana, y un heterogéneo etcétera que pone en una condición comprometida al crítico, quien opta por refugiarse en categorizaciones generales, para evitar enfrentarse con conceptos que lo descentran y perturban recordándole la necesidad de reformular o plantear nuevas estrategias hermeneúticas.

Dado el estado actual del arte, las humanidades y la ciencias duras, precisamos urgentemente plantearnos la necesidad de crear una teoría general de la imaginación, a partir de la cual podamos comprender tanto al fenómeno poético, como al musical; al plástico y al dancístico; a la genética molecular y a la biotecnología; a los procesos económicos como a la retórica política; esto es, a toda actividad humana que implique un concurso decidido de la creatividad.

Propongo, como colofón a estas notas introductorias, un acertado comentario del poeta y teórico uruguayo Clemente Padín, que bien nos servirá como síntesis y puente de lo que ha sido dicho y adelante se irá a decir, de estos vórtices poéticos que han decidido vivir el límite de las posibilidades creativas.

Este poeta visual se ha planteado metódicamente, con cierto rigor teórico, la validez y trascendencia de las propuestas más limítrofes de la poesía visual en el contexto de la inmediatez consumista actual, comenta Padín:

Al pretender competir de igual a igual con el mercado de las demás industrias culturales (TV, cine, moda, turismo, vídeo, word music, etc.) la poesía entra a una especie de disolución y pérdida de su función de interrogadora y fundadora de realidades. Teme de esta forma expresar lo inexpresable, descifrar lo cifrado, llegar a la “otra orilla”. […] La poesía, al caer en la cultura light, disuelve la fuerza exploratoria y transgresora de los órdenes históricos y metafísicos para sumirse con una placidez relajada y somnífera en un juego de imágenes y fantasmagorías con lugares comunes sin consistencia, siendo víctima de una escenografía lumínica, creada por el simulacro del mundo del mercado. En esta atmósfera, la esencialidad poética como indagación queda reducida a ruina […].21

Entonces, siguiendo la reflexión de Padín, tenemos que precisamente en la misma medida en la que la experimentación poética contemporánea nos ofrece abrir los márgenes de lo poético, simultáneamente se vacía de contenidos, quedando únicamente el “cómo” de la construcción como preocupación última de creadores y analistas; de ahí, quizá, la dispersión o supuesta deconstrucción del discurso artístico, que desde esta óptica, no sería resultado de una reformulación de los principios estéticos de la composición, sino más bien resultado de la incapacidad y el pasmo de los actores culturales para formular una propuesta realmente innovadora de arte.
NOTAS
[1] En tanto su insistencia obsesiva por querer generar “nuevos” códigos, “nuevos” lenguajes, que la mayoría de las ocasiones sólo se nos revelan como reformulaciones (collages / ready-mades) de lenguajes agotados, trivializados, que buscan en la superficie justificaciones a su endeble andamiaje teórico.
2 Considero más apropiado este término, al problemático “posmodernista”, ya que tiene menor entropía conceptual y nos aleja saludablemente de discusiones teóricas que distraerían nuestra atención, aunque indudablemente se precisa de un análisis profundo del caso. Sin embargo, creo que el término más apropiado sería “neovanguardismo”.
3 Si la pensamos no sólo como resultante y medio de expresión del “espíritu” humano, sino como el pulso de la experimentación literaria al mismo tiempo que depositaria de la tradición.
4Independientemente de si ésta se aloja o no en el ciberespacio y su dimensión es entonces exclusivamente virtual.
5 Desde el teatro en su acepción más clásica, hasta el happening y propiamente el así llamado performance, como la poesía acción, e incluso algunas expresiones músico-visuales como el arte de Fluxus o las esculturas sonoras de La Monte Young.
6 Con esto me quiero referir exclusivamente a aquella compuesta a partir de las experimentaciones de la poesía concreta brasileña.
7 Con las reservas del caso, ya que valdría preguntarnos ¿qué poesía no es alterna? y en consecuencia ¿cuál es el discurso que se le opone para poder validar la alteridad? y que no contenga en su seno cierto grado de inconformismo.
8 En el contexto del cálculo diferencial.
Con esto me quiero referir a aquellas expresiones poéticas que requieren de la participación “dramática” tanto del autor como del receptor para la realización plena del evento poético. En este sentido, incluso se podría considerar a la poesía fónica como un arte performativo; sin embargo, para disminuir el caos de sentido ya de por sí enriquecido por las propias propuestas poéticas, aquí limitaremos lo performativo a su sentido más estricto, como un evento que se “representa” y “ejecuta” en tiempo real, y cuyos contenidos poéticos precisan de un contexto “teatralizado” para ser efectivos en su transmisión de sentido poético, intelectivo y emocional.
9 Para efectos del presente trabajo, consideraremos a este tipo de poesía exclusivamente como aquella que se realiza y precisa de herramientas láser para su construcción, y que depende totalmente del flujo eléctrico para existir.
10A veces sustituyéndolo del todo, y sólo guardando una relación “genética” con la escritura en un nivel meramente evocativo.
[1]1Considero pertinente reflexionar aquí, aunque someramente, acerca de las llamadas “intervenciones” en la plástica contemporánea como un arte similar en sus procesos creativos a la poesía performática. Al partir esta expresión artística de un algo preexistente del momento creativo y limitarse a modificar el entorno (la existencia “pasiva” del objeto a ser intervenido) esta “acción” se convierte en un hecho performativo, que se asemeja con la poesía performática al desplazar la carga estética del objeto artístico hacia el exterior, resultando en un arte de la inmediatez, que no busca la permanencia material de su expresión, sino sólo dejar una huella “conciencial” en el espectador. Como es evidente, a pesar de que estas apuestas artísticas parten de supuestos teóricos diferentes y ponen énfasis en distintos niveles de la representatividad, es claro que asistimos a la duplicación de un sólo fenómeno que responde a dos nominaciones distintas. Esta aparente duplicidad es una más de las consecuencias de que el arte contemporáneo todo no tenga un programa bien definido, que ignore su destino, e incluso que parece regodearse de manera insana en la creación de nuevas categorías sin tener plena conciencia de ello, y mucho menos de su utilidad y función dentro de la cultura en general.
12 Esto es, como un fin en sí mismo, y no como mera consecuencia de la naturaleza de la obra literaria o de la inestabilidad del lenguaje.
[1]3 El intento más útil e inaugural para comprender el tipo de obras cuyo autor deja al “receptor” la decisión de cómo y cuándo debe de terminar el evento artístico, lo aporta Umberto Eco a través de su propuesta de “opera aperta”. Bien, pero en el estado actual de las cosas yo me pregunto ¿Abriremos la obra hasta que se quiebre, se deforme y sufra una implosión y se colapse?
14 De obra eternamente en proceso de realización pero no inconclusa, sino en latencia; obra que no es, que se esta haciendo infinitamente y cuya conclusión sólo puede ser hipotética, nunca real.
15 En estricto sentido estético.
16 ¿Estaremos acaso cerca de cumplir el sueño wagneriano del arte total? Si la respuesta es afirmativa, entonces también estamos a un paso del pasmo, de la nada.
17 Nótese la paradoja a la cual hemos llegado casi obligados por la circunstancia analítica.
18 Aunque necia, como siempre, aún se resista a dejar al sinnúmero de publicaciones ortodoxas que urbi et orbi siguen creyendo en la palabra escrita.
19 Es importante hacer notar que las experimentaciones poéticas contemporáneas no son motivadas (en la mayoría de los casos) por grandes ideales políticos o sociales, como si lo fueron las vanguardias de principios del siglo pasado (sobre todo en su relación con el Comunismo). Estos movimientos tienen en la autoreferencialidad y la afirmación de la individualidad del sujeto (como quería Nietszche) el fin de la enunciación artística; la colectividad pasa a ser simplemente un factor de consumo, y /o posibilidad de afirmación del yo a partir de la homogeneidad, en franca contradicción con el legado más valioso que heredamos del romanticismo: la originalidad.
20 Y su cada vez mayor interdependencia.
21 En http://www.ucm.es/info/especulo/numero10/est_cibe.html (consulta, marzo de 2006).Es sintomático que esta crítica que realiza Padín esté más cerca del análisis de corte psico-sociológico que literario.
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LA POESÍA VISUAL EN EL SIGLO XXI

Fernando Aguiar

Al dar una importancia creciente a la imagen y a los signos formales y pictóricos en el inicio de los años 70, la Poesía Visual vino, de cierto modo, a anticipar el creciente peso de la comunicación visual en la sociedad y en las culturas tanto occidentales como asiáticas.

El proceso informativo y comunicativo del siglo XX se caracterizó por la masificación de la información y por la simultaneidad de esa misma información –todos saben lo que está aconteciendo en el momento en que sucede – y por la multiplicidad de los mensajes con que las personas son permanentemente bombardeadas.

Y si la Poesía Visual constituyó una antevisión poética de ese fenómeno y de la importancia que la imagen vendría a tener, se torna ahora el reflejo de ese mismo fenómeno, habiendo incluso sido largamente rebasada por los diversos “media” y por la publicidad, que transmite sus contenidos de una forma poderosa y creativa, recurriendo muchas veces a las técnicas y las soluciones formales y plásticas que los poetas experimentales ensayaron en los años 60 e 70, pero con una capacidad de penetración y de aceptación infinitamente mayor.

Contra ese aspecto, de hecho los poetas visuales procuran indagar continuamente en otras técnicas y nuevas soluciones para la expresividad de la poesía, que los lleva a muchos de ellos a recurrir a las tecnologías más recientes como el video, a creación digital (Hipertexto/hiperpoesía) e incluso los rayos laser, como en la poesía holográfica o la holopoesía.

Pero no podría ser de otro modo, porque esa es la esencia del arte: la búsqueda permanente de nuevas soluciones para el acto/objeto artístico, en este caso para el arte poético (aunque la poesía, como yo la entiendo, sólo podrá ser una obra de arte cuando no sea Poesía), utilizando el lenguaje de su tiempo y los medios tecnológicos que están a su alcance. A pesar de no relacionar casi nunca el resultado plástico-poético de esa búsqueda con el movimiento, la tridimensionalidad o con el sonido. Como lo hacen los medios de comunicación y de información, y la publicidad y los video-clips reflejan, remitiendo muchas veces las palabras a un plano secundario.

Paradójicamente, tal vez sea la Poesía Visual la que, en medio de esta densa y absorbente selva mediática recupere, en un futuro próximo la importancia de la(s) palabra(s) y la(s) mantenga actuante(s), como es de su pleno derecho. (Traducido del portugués por C. Espinosa)

Una Mirada al Trasfondo de la
Poesía Visual de la Última Década

C. Mehrl Bennett
Hay muchas manera de estudiar la poesía visual y la comunidad internacional que la genera. En cuanto a lo que sigue, lo que llamo “contemporáneo” son obras creadas en la década más reciente.

Se puede estudiar este tema antropológicamente: las letras tienen su origen en las imágenes. Es una manifestación de estos tiempos digitales y pos-modernos que “la escritura asémica” se acepta más y más. La escritura asémica no quiere crear un mensaje de “sentido” específico, aunque tal vez haya un sistema particular simbólico que algo quiere decir al poeta/artista y a nadie más, o a alguna cultura antigua, o tal vez se trate de un texto legible que se haya “procesado” y ya no sea legible por vía de un sistema linguístico establecido. Esa manera de crear textos fomenta maneras nuevas de leer y maneras nuevas de pensar, y se extiende más allá de las fronteras de las idiomas. Cualquier sentido que el lector construya es una traducción correcta.
Tim Gaze, muy conocido en el campo de la escritura asémica, ha montado una exhibición de poesía asémica en Australia, y ha dicho cosas muy interesantes en una entrevista digital. En la década más reciente se ha visto una explosión de poesía visual que puede denominarse asémica, y Tim Gaze ha hecho mucho para fomenter esa erupción de la creatividad.

Se puede estudiar este tópico estructuralmente (arqui”text”uralmente): un arreglo de imágenes se asemeja a un arreglo de palabras en una frase, o en un verso de poema, como puede verse en la obra extensa de Scott Helmes. También, las palabras y frases pueden arreglarse vertical o horizontalmente, de manera sin forma, o formadas para crear un imagen que tiene su base en el contenido de la poesía. Los elementos principales de un poema visual pueden estructurarse en la forma de una ecuación matemática, como en los mathemaku de Bob Grumman. Las formas contemporáneas del haiku, formas geométricas, libros de artistas, y aún la poesía animada en video pueden examinarse estructuralmente.

Se puede estudiar este tema desde muchos enfoques distintos: lo histórico, lo geográfico, lo social, lo cultural, lo ambiental, lo político, lo económico, lo emotivo, y así por el estilo. Por ejemplo, se puede ver la cultura pos-septiembre 11 en mucha de la poesía visual creada desde la fecha de 11 de septiembre de 2001.

Dentro de ese contexto multitudinario, la poesía visual es un género artístico entre muchos. Lo que creo yo es que los artistas de todas las tendencias (músicos, poetas, performance/visual/video/libro/etc.) deben animarse hoy en día de emplear TODAS las formas del arte como recursos. La obra de Jackson Pollock puede sugerir los garabateos de un escritor, aunque Jackson Pollock nunca se llamaba un poeta asémico. Hoy, los artistas visuales que emplean a propósito textos en sus creaciones, pueden denominar lo que hacen como “arte textual”.

Al hojear una revista general de arte, como “Art in America”, se puede ver muchos ejemplos de las artes plásticas que emplean texto en sus composiciones, esculturas, o videos. Por cierto todavía hay poetas y críticos convencionales que sostienen el valor de la conformidad académica en contra de la experimentación. Se adhieren a la clasificación semántica de la poesía visual como arte, y no como poesía. De la misma manera, hay muchos artistas convencionales que creen que es una barbaridad incluir palabras como parte de la imagen visual. Esto digo a base de mis experiencias con otros fotógrafos y artistas visuales, especialmente con los que no saben mucho de la poesía visual.

La llegada de computadoras, la fotografía digital y el video, mas el desarrollo de programas más fáciles como Photoshop Elements ha hecho mucho más posible la combinación y estratificación de texto e imagen durante la década que acaba de pasar. El internet y el email, sitios web, grupos de red, y los blogs fomentan el canje de ideas entre artistas visuales y poetas. Antes, la comunidad del arte correo generaba ese sentido global de conectividad, pero a un paso más lento. Esta red resultaba en que las artes plásticas se transformaban en poesía visual o por colaboración directa con poetas y escritores, o por la necesidad de comunicar con el lenguaje.

Empezaban los artistas a incorporar palabras por el collage, la imprenta, los sellos de hule, o la caligrafía en sus composiciones visuales. Los escritores y poetas de estas redes incorporaban imágenes y experimentaban con la tipografía y las fuentes. Los músicos colaboraban con poetas. El arte correo sigue hoy, a pesar del incremento en la tasa de timbres que ha empujado a muchos de nosotros hacia trabajar en el internet. En mi propia obra, que surge de un trasfondo de estudios en las artes plásticas (tengo un bachillerato en la pintura y el dibujo), me he influido mucho por la poesía de mi esposo, John M. Bennett, que conocí por el arte correo hacia el fin de los 70. Y su poesía empezaba a incluir más aspectos visuales después de nuestras bodas en 1980.
Es muy importante la explosión continua de la variedad entre individuos y procesos, al parecer desde todos los sentidos del espectro. Aquí van algunos pocos en que me he fijado: la escritura asémica o idiomas y alfabetos inventados; palabras y frases con sentidos múltiples por vía de la composición creativa; el texto estratificado o de collage por el empleo de objetos encontrados; textos cortados (“cut-ups”); letras en tres dimensiones; plantillas; frotamiento y procesos creativos; poesía matemática o de ecuaciones; variedades contemporáneas del haiku; y poetas concretos tradicionales que emplean programas en los ordenadores como medio.

La poesía visual es de índole intrínsicamente experimental, y por eso quiere evitar conceptos establecidos y busca estar al filo de las cosas. Aún así, se ha visto mucha poesía visual de los años 80 que se asemeja al trabajo hecho dentro de la última década. El desafío de ser de vanguardia no es fácil. Pero tampoco es lo más importante. Lo que importa es el individuo, y también el proceso de capacitar el ser individual para crear. El individuo puede por si acaso encontrar su voz creativa a resultas de sentirse incluído en la red global que le ayude posibilitar su musa. A veces el resultado creativo surge por la colaboración, lo que quiere decir que la obra acabada se origina en una tercera voz nuevamente creada.

El grado en que desafiamos al lector hoy a relacionarse o a participar en la obra es mucho más alto para el arte generada durante la década pasada. Por ejmplo, el desafío al lector a interpretar la escritura asémica, los medios interactivos del hipertexto, o las presentaciones por internet de la videopoesía. Hoy, al ver y oir el performance vivo de la poesía experimental en eventos organizados – como los performances del Be Blank Consort (i) – el público tiene que “experimentar” el performance además del acto simple cognitivo de “oir” el sentido semántico de un texto. Sí, la poesía visual PUEDE performarse, aunque algunos poetas visuales, como Richard Kostelanetz, crean sus obras nada más para verse y leerse estáticamente en la página.

Hoy en día, tenemos muchas herramientas democratizantes para utilizar, tales como muchos sitios para publicar o imprimir libros sobre demanda (ii), programas digitales mucho más fáciles de navegar, y cámaras digitales que sacan además video. La utilización masiva de computadoras ha fomentado la energía sinérgica en las redes del arte correo y fluxus, por medio de herramientas en línea como los blogs, Facebook y demás sitios sociales, y sitios para compartir video e imágenes. Dentro de una comunidad de apoyo en línea o de arte correo, los individuos no se sienten al merced de las galerías de arte, los editoriales grandes, u otras instituciones burocráticas. Al contrario, un ambiente no comercial se nutre y es un ambiente superlativo para la experimentación, la colaboración, y la poesía visual. Ha dicho Bulat Galyev (iii):

“...la nueva tecnología digital es de naturaleza ‘productiva’. Es capaz de crear cualquier imágen o sonido, sean reales o imaginarias (i.e, figurativos o no-figurativos). Así como el revólver de la América del siglo XIX era una especie de ‘instrumento de la democracia’, al nivelar las fuerzas de los hombres débiles y fuertes, la computadora tiene una función semejante, al compensar las consequencias de la ‘asimetría funcional’ en nuestro ‘sistema periódico de las artes’ renovado.

Bulat Galyev su nuevo “sistema periódico de las artes” como aparato para relacionar los medios nuevos a las formas tradicionales del arte. El adaptar de nuevos medios a las formas tracionales del arte a menudo desafía al público a participar por crear sus propias interpretaciones dentro de su nivel de participación personal en la experiencia. Esto lo veía muy claramente cuando mi esposo John M. Bennett y yo asistimos el Encuentro de Poesía Experimental de 2008 en Montevideo, Uruguay (organizado por Clemente Padín). Muchos de los participantes del Encuentro de Montevideo se presentaron como artista, escritor experimental, y poeta visual. Vimos presentaciones maravillosas y performances con música, video, powerpoint, teatro, y baile, e incluso había un desfile del alfabeto por las calles, organizado por Josep M. Calleja de Barcelona.

La frase “artista textual” tal vez haya que inflar a “artista sonoro/textual/performance/ video/etc.” en el caso de Wilton Acevedo. Lo que quiero decir es muy simple: la poesía visual vive al lado de y a menudo incorpora formas múltiples de la poesía y literatura experimentales y que puede relacionarse al público por medio del teatro, el canto y la música, la arquitectura, las artes plásticas, los libros de artista, y así por el estilo.

Este comentario debe incluir algo sobre la poesía concreta. Haré referencia a Augusto de Campos, un escritor brasileño que (con su hermano Haroldo de Campos) fundó el movimiento de Poesía Concreta en el Brasil. La poesía visual es una fusión natural de la poesía y las artes plásticas más que una evolución de la poesía concreta. La poesía concreta sigue tan fuerte como siempre, con tendencias minimalistas al emplear nada más la tipografía o símbolos gráficos y los aspectos espaciales de la página. En contraste, la deconstrucción y/o el collage y la estratificación de textos con materiales visuales a veces llega a lo Rococó, lo que la ubica en el extremo opuesto del espectro.

No creo que un extremo del espectro de la poesía visual es más visual que el otro. Aunque la poesía concreta emplea la tipografía y los símbolos, esto no la hace más “semántica” en el sentido literario que otros tipos de la poesía visual, con la excepción de la poesía asémica, de la que hice mención arriba. Incluso hay que señalar que la poesía tradicional tiene claros elementos visuales en el hecho de que hay espacio blanco al fin de los versos. Desde otro punto de vista, la poesía tradicional y las artes visuales siempre se han alineado como métodos concurrentes de crear una imagen o una representación ambiental. Los poemas en forma (“shaped poems”) representan una fusión literal de los dos.

Hay relaciones históricas entre varios tipos de la poesía visual, aún mientras se ensanchan hacia más allá via la experimentación, y esto se hace manifiesto en esta cita de una entrevista de 1995 con Augusto de Campos (iv):

1. ¿Cuáles son las dimensiones de la poética contemporánea que se enlacen con el concretismo?
AdC: Para mí la Poesía Concreta se enlace directamenta con la práctica de la vanguardia, con la poesía experimental – o, como tal vez debe llamarse – poesía inventiva. Creo que la tarea de la poesía concreta, después de su nacimiento en los años 50, era de re-establecer los enlaces con la poesía de vanguardia del principio del siglo (el Futurismo, el Cubofuturismo, el Dada et alia), que se había condenado a la marginalización por la intervención de dos guerras grandes y la proscripción de las dictaduras Nazi y Stalinista. Algo semejante ocurría durante los 50 con la música, con la recuparación del trabajo del Grupo de Viena (Schoenberg, Webern, Berg), el redescubrimiento de los grandes experimentalistas individuales (Ives, Varese, etc.), y la intervención de nuevos compositores de vanguardia, de Boulez a Stockhausen a Cage. En cuanto a los poetas llamados “maestros”, “diluidores”, etc. por Pound, los practicantes de la poesía concreta se sitúan, o esperan situarse, progamáticamente, en la categoría de los “inventores”, o sea, los que se ocupan en la búsqueda de formas nuevas.

(Nota: les recomiendo consultar la nota “iv” para leer la entrevista completa en el internet. Per Wikipedia: Augusto de Campos se nació en 1931 y es también un traductor, crítico de música, y artista visual.)

La cantidad increíble de poesía visual que hoy se publica o en línea o por la imprenta da testigo al efecto democratizante de las herramientas creadas en la década pasada. Y la calidad de las obras da testigo a una explosión creativa que se ha animado por la sinergía de las distintas formas del arte, el espíritu de colaboración, y las redes de comunicación. Estas fuerzas se han trabajado juntos en esta década tanto que la poesía visual ya no se puede hacer caso omiso por la comunidad de poesía establecida y tradicional. Eso se puede ver por un número de la revista Poetry (de Chicago) de noviembre de 2008 que incluía una carpeta de poesía visual editada por Geof Huth (v). Y hay algunos otros, pocos, eso sí; revistas de poesía tradional o institucional que empiezan a aceptar la fusión del arte y la escritura.

Gracias, César Espinosa, por incluir no solamente a mi esposo más conocido, John M. Bennett, pero a mí también, en su invitación para este encuentro. En este ensayo no he hecho más que tocar ligeramente el espectro entero de las formas y métodos distintos de la poesía visual. Pero espero que he demostrado mi sentido de que el clima de la década pasada ha fomentado obras genuinamente creativas, que han surgido en todos los lares de la escritura experimental. Como dijo Serge Eisenstein (vi):

“El efecto de la obra de arte se funda en un proceso dual que ocurre simultáneamente: el acenso progresivo impetuoso hacia los niveles más altos de la conciencia mental y, al mismo tiempo, la penetración por la estructura de la forma hacia los niveles más hondos del pensamiento sensual. La bifurcación polar de estas dos líneas de la aspiración crea esa tensión única de la unidad de la forma y el contenido que es característica de las creaciones genuínas. No hay creaciones genuínas sin ello.”

i http://www.youtube.com/nicovassilakis
http://www.poemsthatgo.com/gallery/winter2004/jabber/index.htm
http://www.poemsthatgo.com/gallery/winter2004/madsen/statement.html
http://www.youtube.com/watch?v=zSLR0obBsiE&feature=related
Video by Nicolas Carras with poetry by JMB, performed by John M Bennett "Four short pieces": http://vimeo.com/1619547
ii Examples of print on demand experimental poetry websites:
www.stores.lulu.com/lunabisonteprods and www.stores.lulu.com/l_m_young
iii Quote by Bulat Galeyev is from the Experimental Aesthetics Institute PROMETHEUS (associated with Kazan State Technical University) website, http://prometheus.kai.ru/in2_e.htm
specifically from the ‘details/conclusion’ section of
“Computers and Art: Myths and Reality”, a paper published in "Leonardo", 1991, Vol.24, No. 4, pp. 453-456.
iv http://www2.uol.com.br/augustodecampos/yaleeng.htm QUESTIONNAIRE OF THE YALE SYMPOSIUM ON EXPERIMENTAL, VISUAL AND CONCRETE POETRY SINCE THE 1960'S (April 5-7, 1995);(Questions formulated by K. David Jackson, Eric Voss & Johanna Drucker. Replies by Augusto de Campos, translated by K.David Jackson)
v See/read about the Nov.’08 issue by searching for Geof Huth’s name under the poet search function at the Poetry Foundation website: http://poetryfoundation.org/journal/feature.html?id=182397
Keep up with Geof Huth’s blog at dbqp.blogspot.com for insightful criticism and to share in Geof’s enthusiasm for visual poetry.
vi S.M.Eisenstein, Izbrannye sochineniya (Selected works), Vol.2 (Moscow: Iskusstvo, 1964-1971) p.120.

Octubre de 2009
Traducción por John M. Bennett

La maestra Beatriz Ramirez, Presidenta del Club de Fans de Clemente Padín, (Buenos Aires)

ICONOGRAFÍA

Alberto Híjar/ Lucía Vidales

El tríptico forma parte de una serie, todavía no estoy cien por cien segura del título, pero todo indica que es "La espada de Damocles", si no ese sería el título de la serie. La otra opción era "agruparse o morir", pero creo que ese será para la siguiente serie

Una razón es el mito entendido como una interpretación a la interpretación de Fannon en "Los condenados de la tierra", es decir, que es el peligro que acecha al poderoso, al que está en el trono, los colonizados...

El asunto recurrente de los niños con cuchillos es eso, además de la carga iconográfica del cuchillo que no es lo mismo que la espada sino su inversión o la espada en potencia. Me interesa mucho la idea de Fannon sobre la violencia y la posibilidad de dignificarse sin dejarla de lado, además del asunto de los maras y pandillas, muy actual, y toda la juventud que no entra en la concepción ortodoxa del proletariado pero que si no se incorpora a las fuerzas revolucionarias se convertirá en un ejército asesino para beneficio del capital...

Además, Damocles significa en griego "Gloria del pueblo"... o sea que es esa gloria pero en potencia... multitud? No estoy segura, pero algo así aunque manifestándose como violencia... creo que Negri no ha hablado mucho de eso... de la forma violenta o algo así. Malcom X decía que eso no era violencia sino inteligencia, hay que ver... la idea es más hacer una pregunta que una respuesta o propuesta

También está Hinkelammert, que es un teórico y Teólogo de la Liberación que habla del asunto de la mitología en la modernidad capitalista; plantea que la mitología no ha sido superada por la modernidad. Un ejemplo es el mito del poder... podría decirse que el tríptico está construido como una especie de mapa de mundo, tomando mucho en cuenta ese aspecto mítico de la modernidad capitalista… como iconografía?, puede ser.

Pues abajo la cita de Fannon, una pequeña explicación que escribí sobre el título y una especie de mapa iconográfico del tríptico que hice para mi tesis, como en los mapas didácticos de los murales que tienen numeritos para cada cosa con su explicación. Ojala no resulte muy complicado.

1.- INFIERNO
La imagen del infierno tiene un origen mítico como vida eterna de la muerte. Para el materialismo histórico esta imagen parte "de las condiciones de vida real en cada época" Marx 1966:303. La actualidad de un infierno puede encontrarse en las condiciones de vida de la modernidad capitalista; en su despojo, explotación, desprecio y represión; en la imposibilidad del individuo aislado de liberarse de este hecho que es la religión suprema. (Bénjamin).

La violencia sistemática que ejerce el capitalismo sobre la mayor parte de la población, puede explicarse como una "vida larvada de los muertos en el seno de la tierra", dada la enajenación deshumanizante del trabajador asalariado, un "lugar de tormentos- en un período en que la tortura era una necesidad del pathos humano", ambas citas son definiciones del infierno en su carácter simbólico tomadas del Diccionario de Símbolos de J.E. Cirlot.

Las condiciones de vida en la actualidad me llevaron a revisar la imagen mítica del infierno, la situación de crisis en este "lugar de tormentos", me acercó a la Biblia y también a William Blake, quien entendía el infierno como "crisol de las energías cósmicas".

Por otro lado, la posibilidad histórica de rompimiento con el hecho capitalista por medio de una revolución social, obliga a replantear la imagen mítica del infierno a manera que ésta pierda su temporalidad mítica situada en lo "eterno" y adquiera propia dimensión histórica. Es decir que si estamos "en el infierno", entendiendo al infierno "como si dios no existiera", bajo la lógica de la valorización del valor y no de la reproducción de la vida, existe la posibilidad y necesidad histórica de salir de este infierno que solo es eterno en apariencia.

En este sentido el tríptico bien podría leerse en su conjunto como una reconstrucción actual de la imagen mítica del infierno desde su dimensión histórica. Aunque también pretende funcionar como una narración de la confrontación entre las ideas estéticas, míticas e históricas de infierno y utopía, así como ser una mesa de discusión donde se planteen infierno y utopía como imágenes contradictorias y necesarias para entender y transformar el mundo en la actualidad.

2.- CRUCIFICADOS
Los tres crucificados aparecen en referencia obvia al cristianismo y a su lugar en la modernidad capitalista dentro de un contexto infernal.

"El sentido simbólico de la crucifixión… parece referirse al sufrimiento clave de la contradicción y la ambivalencia. Especialmente por la tendencia iconográfica medieval, de ratificar pares dualistas en torno a la imagen de Jesús en la cruz. Los dos ladrones constituyen el binario de la contraposición en lo moral, es decir, las dos actitudes posibles del hombre... prevariación y condenación" pág. 157. Sin embargo en la pintura los tres crucificados aparecen indistintamente pintados. Los títulos en la parte superior de las cruces dicen Future, Faith y Hope, en relación a valores o conceptos abstractos que son constantemente limitados en la vida social concreta y de los que depende la liberación humana desde el cristianismo.

"En sentido ideal y simbólico, estar crucificado es vivir la esencia del antagonismo base que constituye la existencia, su dolor agónico, su cruce de posibilidades y de imposibilidades, de construcción y destrucción" pág.159. Es por eso que los crucificados están colocados al centro de la composición en la parte superior.

Además de la obvia connotación religiosa, la imagen de los crucificados hace referencia a obras de pintores simbolistas como Knof o expresionistas como Ensor, en las que los personajes crucificados provienen del mundo pagano. Esta imagen concreta fue inspirada en una fotografía de 1865 de Felice Beato en la cual Siqueiros se basó para su mural de "América Tropical". En dicha fotografía, el crucificado está lejos de ser un mesías o redentor, es un niño degollado víctima de la barbarie humana.

Me interesó que las figuras puedan confundirse con el infierno de la parte superior de la pintura, simbolizando la fragilidad en la claridad de las interpretaciones referentes a la crucificción y de su sentido original religioso o ideológico, frente la manipulación que la iglesia hace de ellas: a veces no es fácil distinguir entre el camino que lleva al cielo o al infierno.

3.- FOCO
Es un ojo de dios, y una referencia a la humanización de Dios en la modernidad: Dios como creación humana no trascendente de lo humano. Es un sol artificial y nocturno, no una luna en sentido femenino sino una inversión masculina del sol, un Tezcatlipoca moderno. En relación con Foucault simboliza vigilancia y control. En relación con la pintura, hace referencia a la vista y la luz como elemento constitutivo y primario del ver. También es una cita al Guernica de Picasso.

4.- MONTE
El monte es símbolo de elevación espiritual y de la relación con lo divino, "es un centro del mundo. Casi todas las tradiciones tienen ese profundo símbolo". Hace referencia a la presencia del mundo natural. En relación con los textos se refiere a una naturaleza humanizada o codificable, a la caída espiritual del hombre, a la imposibilidad de elevación del hombre como ser mortal, a la acumulación material y a la soledad.

5.- MONTE DE CRÁNEOS
En relación con la simbología del monte y la cruz, refiere al desarrollo de una supuesta trascendentalidad sostenida en la muerte de otros, la noción del sacrificio como elemento de "redención", es una alegoría del mito del poder. En relación con el texto "nadie es inocente" es un comentario a la supuesta neutralidad del espectador al contemplar la violencia, de la destrucción justificada en una "elevación" o "trascendencia".

6.- SOMOS UNOS PINCHES HUÉRFANOS
En relación con el monte huérfanos de Dios, en relación con la identidad: fragmentación y pérdida del origen. En relación con la historia: la ausencia del padre. En relación a los crucificados, Cristo abandonado por dios.

7.- CAMINO #1
Es el camino que hace referencia al origen, al padre pero sin él en relación con la orfandad del monte. En relación con el rebaño dscabezado, la imposibilidad de redención del pecado. En relación con el risco es el camino que viene y va al vacío. En relación con el texto "In heaven everything is fine" es la esperanza de trascendencia en otro mundo a partir de una realidad intolerable.

8.- CARRETERA:
Hace referencia al progreso por su relación con las construcciones y su dirección hacia la ciudad, pero es un progreso aparente que va hacia su autodestrucción. El carro en llamas es la negación de ese progreso y su origen o principio que vincula al público con la ciudad-infierno del fondo.

9.-EJÉRCITO
Los colores del ejército hacen referencia al camuflaje con un campo florido, la guerra planteada como paz o como benéfica para el hombre: otra alegoría del mito del poder.

10.- COMBATIENTES
En dirección opuesta a la del ejército, son individuos y no una masa indiferenciada. Son una cita al fotoperiodismo, imágenes de combatientes vietnamitas.

11.-KKK
Sobre las ruinas, simboliza un ala retrógrada de la ultraderecha como elemento de decadencia estructural de la sociedad. Por su relación con los ejércitos tienen un sentido destructivo antitético de enemigos y aliados. Por su sentido histórico implica la actualidad de presencia del racismo y de fracciones de la ultraderecha que operan de manera similar aunque de manera más amplia y encubierta que en décadas pasadas. En la actualidad, la tendencia neonazi y la neo se disputan el poder desde la derecha, aquí el KKK representa la tendencia Neonazi. Es una referencia-homenaje a Philip Guston.

12.-RUINAS

13.-MÁSCARAS

14.-FOTOCOPIAS
Imágenes de movimientos sociales que se convirtieron en referentes de la lucha revolucionaria, cuya trascendencia histórica está relacionada con su consecuencia o contradicciones internas. La fotocopia, por su cualidad reproducible, hace referencia al mito del eterno retorno que aunque en la historia parecen repetirse, nunca son iguales al que le precede.

a) Ejército Libertador del Sur
b) Presos políticos de la URSS
c) Guerrilleros en Sierra Maestra
d) Movimiento estudiantil de 1968

15.-VIRGEN Y NIÑO DIOS

16.-BOSQUE TALADO

17.-FOTOPERIODISTA

18.-MAGISTRADOS

19.-PALETA DE PINTOR
Con la leyenda de "el hábito no hace al monje", la paleta cubre una doble función. Por un lado, sigue una tradición donde al pintor se le representa con una paleta en la mano. Por otro lado, pretende cuestionar la identidad del pintor construida a partir de objetos propios de un oficio pero no elementales de su quehacer, la manera en que percibimos dicho quehacer, al mismo artista, los estereotipos que lo rodean, así como el lugar del artista en la sociedad. Esto se deduce de la relación de la niña con la paleta y el resto de la pieza en referencia a El Estudio del artista de Courbet, principalmente, pero también a Las Meninas de Velázquez, a de Goya, o al uso autorreferencial de la paleta de pintor en la obra de Anselm Kieffer.

20.- PINCEL
Refuerza el sentido de la paleta. Como imagen de un objeto punzante implica una amenaza. Como forma vertical hace referencia a lo masculino. En relación con la niña que lo empuña y el perro muerto debajo se refiere a una inversión de elementos masculinos en un doble sentido: La niña, que como elemento femenino supone pasividad, opera como elemento activo y el perro que como elemento masculino supone actividad, opera como elemento pasivo; la niña, entidad femenina que ejerce la pintura, campo dominado por hombres. En síntesis, lo anterior se refiere a una puesta en cuestión del dominio masculino y su relación con el campo de la pintura.

21.-PERRO MUERTO
Elemento masculino. Referencia invertida a un elemento de El grito de caza del ciervo de Courbet; un perro callejero muerto de hambre sobre el asfalto, en lugar de un sabueso de caza retozando felizmente en el bosque.

22.-GALLINA
Representa un chivo expiatorio con sentido femenino. Por un lado la madre sobre protectora asesinada por el hijo. También es una imagen de una clase agonizante en manos de la violencia ejercida por una clase en ascenso, en tanto que la representación de gallinas estranguladas en la pintura aparece principalmente en naturalezas muertas que denoten abundancia, opulencia y lujo y en relación al planteamiento de Franz Fanon sobre la violencia en el proceso de descolonialización.

Es también una referencia concreta a varias pinturas de Soutine y al gallo de El Guernica pero en sentido invertido.

23.-PERRO CON CORREA
Simboliza los elementos naturales considerados como inferiores al hombre. Al darle la espalda al espectador representa la diferencia de objetivo e intereses del perro con respecto a los del público. Si el público tiene un interés que busca satisfacer con el arte o la contemplación de una pintura, el perro raquítico quiere alimento y aparece como víctima del niño, quien lo ata a una condición deplorable. El perro estaría mirando hacia atrás de la pintura o del espectador.

En otro sentido, el perro comparte con el niño tanto un estado de tensión, como la escasez representada en la delgadez de ambos. El perro puede también entenderse como otra faceta o extensión del niño que se muestra al mismo tiempo amenazante, y sometido por fuerzas externas.

24.- NIÑA CON RATA
"Se hallan en relación con la enfermedad y la muerte. La rata fue una deidad maléfica de la peste en Egipto y China... Se le supone significado fálico, pero en su aspecto peligroso y repugnante." Pag. 385.

La niña, contrario del sentido masculino de la rata, la mira muerta como una alegoría de dominación sobre el significado simbólico del animal, aunque ese dominio sobre el elemento perverso, implica a su vez la propia corrupción de la niña. Pretendo que esta imagen permita también una lectura que se asemeja al dicho "uno no sabe lo que tiene hasta que lo ve perdido", que implicaría una consideración de aspectos positivos de la rata después de haberla matado, la culpa y el arrepentimiento.

25.- VIOLINISTA

26.-NIÑO MORENO CON CUCHILLO
La imagen fue inspirada en un cartel anarquista de Paris en el que se muestra la foto de una multitud de trabajadores armados con cuchillos en la boca, con la leyenda "Ne nous laissons pas terroriser par l´etat!". El cartel tiene para mí una fuerte carga emocional y simbólica, la imagen, y en especial el rostro de un niño, estuvo muy presente en mi pensamiento hasta que realicé una serie de dibujos con la misma idea.

Los dibujos presentaban niños mutilados o con camisas de fuerza, justificando el uso de la boca en lugar de las manos por razones externas a ellos. Así, los niños con cuchillos en la boca se convirtieron en un símbolo personal de las limitaciones de las víctimas del sistema y de su capacidad de rebelarse ante esas limitaciones, una alegoría de la espada de Damocles en el sentido mítico y en el histórico-político que le da Franz Fanon en Los condenados de la tierra. Por más débiles e indefensos que parezcan estos niños, aguardan el momento para dar el golpe, hay una potencia violenta o subversiva de aquello que nos parece in indefenso, o muy poca cosa.

Cuchillo:
"Símbolo que constituye la inversión de la espada, asociado a las ideas de venganza y muerte pero también a las de sacrificio. La corta dimensión de la hoja del cuchillo representa analógicamente la primariedad del instinto que lo maneja, como la altura de la espada inversamente -expone la altura espiritual de su poseedor".

Puñal:
"..existe el puñal-daga, del caballero; y el puñal-cuchillo. Simbólicamente, éste es el verdadero puñal, ya que la daga puede asimilarse a la espada en su significación. Por la posibilidad de ser escondido, el puñal simboliza el anhelo de agresión, la amenaza informulada, inconsciente. Servidor del instinto en la misma medida que la espada del espíritu, el puñal denota, con su tamaño, lo "corto" del poder agresor, la carencia de altura de miras y de potestad superior" Pag.380.

"Todas las cosas terminadas en punta tienen un parentesco simbólico con el morfológico (fuerza, agresión: pero también dirección y salida)" pg. 380.

Dientes:
"Según Allendy, son las armas de ataque más primigenias y expresión de actividad... Hay interpretaciones que recargan el significado en la parte sexual de la energía... constituyen las almenas, el muro y defensa del hombre interior, en el aspecto energético material, como la mirada y los ojos en el sentido espiritual.

27.- NIÑO RUBIO CON CUCHILLO
Lo amenazante de los niños es una manifestación de las consecuencias de los actos de los adultos, el fruto generado por la violencia ejercida sobre los más débiles. El niño es una alegoría de la violencia del sistema que genera inevitablemente más violencia. El hecho de quien empuñe el cuchillo sea un niño, implica la posibilidad de madurez o encausamiento de esa violencia, la imagen del cuchillo en el sentido mencionado implica la posibilidad de convertirse en espada, y la amenaza que implica la violencia del sistema si esta maduración o encausamiento no ocurre.

Rodolfo Espinosa, César Espinosa y Araceli Zúñiga

Ilustraciones: poemas visual del libro Nueva York y una taza de café, de Alfredo Espinosa (México).
Fotografías de: C. Espinosa, Clemente Padín, Roberto Keppler, Miguel sin apellidos, John M. Bennett y Miriam de Antonio.

Videos en Youtube: Beatriz Ramírez
http://www.youtube.com/watch?v=8Gb0uT4gJuI&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=wxIOAnzsKdg
http://www.beatrizramirez.com.ar/
http://www.proyectocruzdelsur.com.ar/
http://lindachispa.blogspot.com/
http://www.youtube.com/user/lindachispa

César Horacio Espinosa Vera. Mexicano. Escritor, poeta visual. Creó y ha sido coorganizador de las Bienales Internacionales de Poesía Visual y Experimental (1985-2006). Autor de libros y ensayos sobre poesía, arte, política cultural y comunicación, uno de ellos -en coautoría con Araceli Zúñiga- La Perra Brava. Arte, crisis y políticas culturales, del cual una selección de textos aparece en Ediciones Especiales de esta revista virtual.

e-mail: poexperimental@gmail.com
Blog: http://postart1.blogspot.com/

¡Buenos Aires, Argentina: Furor de fin de año por el saludo a Clemente Padín!

2009-12-27T15:57:00.000-08:00

El increíble saludo de la Fan Mónica Vallejo en nuestro "porteño" obelisco ya es un suceso nacional.

Las cámaras de lanacion.com estuvieron en las calles.

¡Para ver noticia favor de clickear sobre imagen!

Club Fanáticos de Clemente Padín Buenos Aires adhiere al saludo de la Fan Mónica Vallejo

¡CLEMENTE QUERIDO, MI PUEBLO ESTÁ CONTIGO!
¡CLEMENTE QUERIDO, MI PUEBLO ESTÁ CONTIGO!
¡CLEMENTE QUERIDO, MI PUEBLO ESTÁ CONTIGO!

40 AÑOS DE PERFORMANCES e INTERVENCIONES URBANAS

2009-12-22T12:38:00.000-08:00

Acaba de salir el libro “40 Años de Performances e Intervenciones Urbanas” (144 páginas, B/W, tapa color, 21 x 14,5 ctm) de Clemente Padín editado por la editorial YAUGURÚ en edición bilingüe (español e inglés) para su colección El Clú de Yaugurú (Enero Febrero 2010), dirigida por Gustavo Wojciechowski (Maca). Maca, además, realizó la diagramación con su reconocida solvencia.

El libro reúne trabajos performáticos y acciones realizadas en las calles (Acontecimientos Artísticos-Sociales) desde 1970 a 2010. Cuenta con un extenso prólogo del teórico y performer alemán Boris Nieslony, promotor del Black Market, una de las instituciones más prestigiosas y conocidas en el mundo del arte de la acción. El mismo cuenta con traducción directa del alemán de Mario Daniel Cohn, docente en el Instituto Goethe de Montevideo, Uruguay.

Además de los registros documentales de cada acción seleccionada se incluyen en el libro algunos ensayos de Padín que van pautando sus reflexiones en relación a este difícil género artístico: “Las Opciones del Creador Latinoamericano”, “Arte de la Acción” y “La Performance desde la Perspectiva Latinoamericana”. Finalmente, un curriculum brevis de Padin, cierra el libro.

NdR: Los integrantes del FCPBA, estamos muy felices por el acontecimiento. Felicitamos y saludamos a Nuestro Artista Ídolo

X Bienal Internacional de Poesía Experimental

2009-12-22T11:14:00.000-08:00

por Jorge Luiz Antonio

Con la curaduría de Cesar Horacio Espinosa Vera y Araceli Zúñiga - <http://www.youtube.com/watch?v=8Gb0uT4gJuI>-, de Octubre a Noviembre de 2009, en la Ciudad de México, ocurrió la X Bienal Internacional de Poesía Experimental, con el apoyo del Museo Nacional del Chopo, entidad de la Universidad Autónoma Metropolitana de México (UNAM), con la participación de poetas y artistas poetas de varios países.

El homenajeado fue Clemente Padín, del Uruguay, poeta experimental, artista postal, performer y teórico de la poesía contemporánea, cuyas obras pueden ser apreciadas en los siguientes espacios:

<http://www.beatrizramirez.com.ar/videosdeCP.htm> y <http://clementepadin.blogspot.com/>.

La Bienal, que tuvo inicio en 1985/1986, contó con una muestra nacional y una muestra internacional, ambas expuestas en la Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles, de la Ciudad de México. Esa muestra reunió obras nuevas y trabajos ya anteriormente expuestos en las bienales, pues sus curadores quisieron presentar una documentación histórica, una vez que ésta sería la última bienal, en los moldes de ese tipo de evento. A partir de ahora, los curadores pretenden realizar exposiciones por temas o por artistas.

Como actividades culturales de la exposición nacional e internacional, se realizaron un conjunto de seminarios, que contó con conferencias, performances y presentaciones de poetas y artistas, eventos que fueron realizados en varios centros culturales, museos e instituciones de enseñanza superior de la Ciudad de México. Por ejemplo, en los días 18 y 19 de Noviembre de 2009, John M. Bennett -<http://www.johnmbennett.net/> - y Catherine M. Bennett -<http://www.flickr.com/photos/cmehrlbennett/> -, ambos de los EEUU, y Jorge Luiz Antonio -<http://jlantonio.blog.uol.com.br/>-, del Brasil, realizaron mesas redondas, con conferencias, performances y demostraciones artísticas, en los siguientes locales: Campus Xochimilco de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Instituto de Mercadotécnica y Publicidad - Estudios Universitarios, Casa de Cultura "Jesús Reyes Heroles", Laboratorio Arte Alameda.

También, en ese período se llevó a cabo la Exposición de Arte Correo, con el tema "Poema Colectivo Revolución y Poesía Concreta", con obras producidas de 1966 a 1991, con la curadoría de Maurício Marcin:

<http://www.youtube.com/watch?v=91dQMDZ14Pc&feature=related>.

También participó la Directora del Club de Fans de Clemente Padín en Buenos Aires, Argentina, Beatriz Ramírez quien documentó casi la totalidad del evento en su etapa inicial.

A continuación daremos cuenta de la convocatoria oficial al evento:

Homenaje a Clemente Padín, pionero e investigador latinoamericano de la poesía experimental.

Iniciadas a finales de 1985 y principios de 1986, las bienales de poesía visual y experimental han pretendido implantar y difundir, en el medio artístico mexicano, la tradición y práctica del texto/ acto sonoro-visual poético –con antecedentes milenarios y expresiones en todos los movimientos de vanguardia del pasado siglo.

Así, con una nutrida participación internacional –que oscilaba en cada edición entre 150 y 300 autores– y una creciente presencia de artistas locales, la Bienal mexicana dio margen para desplegar el amplio abanico de la poesía experimental, comprendiendo performance, polipoesía y poesía sonora, videopoesía, acciones callejeras con el público, exposiciones de poesía gráfica/ visual y concreta, coloquios teóricos y documentales, y sesiones de danza y experimentación musical.

Con la presente muestra, terminamos un ciclo de veintitrés años de estar presentes, y alrededor de cuarenta exposiciones realizadas, con más de diez catálogos y carteles publicados, así como cuatro memorias documentales. Con experiencias múltiples, con afectos, encuentros y desencuentros naturales en este tipo de actividades paralelas a las artes convencionales en México y en el mundo.

Hemos sido una Bienal Internacional real. Hemos convocado a numerosos artistas extranjeros, y por supuesto también de México, y hemos recibido trabajos que hoy conforman un amplísimo archivo, único en nuestro país, de poesía manifestada en una amplia variedad de múltiples y sinestésicas posibilidades.

¿Qué pasará con estos archivos de poesía sonora, visual, libro objeto, libros y textos teóricos en torno a la experimentación de la palabra multidimensional? No lo sabemos, pero sí es verdad que entraremos a una etapa indispensable para documentar y clasificar estas capas sobre capas geológicas que, en esta línea del tiempo de las bienales, se ha convertido en un centro de gravedad, grado cero, que podría significar el deterioro y pérdida de estos documentos amorosamente enviados, recibidos y guardados. No sabemos todavía su destino final: una institución o un espacio autogestor de archivos de artista para su preservación y consulta, ya sea en calidad jurídica de comodato o de auto regulación con otros archivos de artistas.

La última Bienal está por comenzar y dar término a este ciclo.

La Bienal ha concluido.

¡Viva la Bienal!

Cd. de México, octubre/ noviembre, 2009.

La X Bienal Internacional de Poesía Visual Experimental se inaugurará el 30 de octubre a las 18:00 horas.

– Colectivo MX & internacional/ Maratón de performances, propuestas y ponencias/ Muestra de poesía multimedial.

– Artistas invitados presenciales: Clemente Padín (Uruguay); José Luiz Antonio y Roberto Keppler (Brasil); Eva Sánchez y J. M. Calleja (España), John M. Bennett y Catherine Mehrl B. (Estados Unidos), Ivette Román (Puerto Rico).

– Presentación de libros del poesía visual: En el corazón sinsentido y Nueva York y una taza de café, por Alfredo Espinosa, y de otros artistas.

Del 30 de octubre al 30 de noviembre/ 2009. En: Casa de Cultura Reyes Heroles, Francisco Sosa 202, Barrio Sta. Catarina, Delegación Coyoacán.

Auspician: Museo Universitario del Chopo y Casa de Cultura Reyes Heroles.

Coordinadores: Araceli Zúñiga, César Espinosa.

(Para ampliar, click sobre imagen)

Notas relacionadas en este blog:

Acerca de la X (Última) Bienal Internacional de Poesía Visual y Experimental Mexicana-colectivo multidisciplinario- Homenaje a Clemente Padín

PADINEURONAS

2009-12-12T11:06:00.000-08:00

track crosh quin track crosh quin...

Poema Performático

2009-12-11T18:30:00.000-08:00

Richard Martel entre nosotros

2009-12-03T14:06:00.000-08:00

Acompañado por su Productor Henri Chalem, estuvo en Montevideo, del 27 de Noviembre al 3 de Diciembre, Richard Martel, proveniente de Québec, ciudad francófona de Canadá. Martel es un artista multidisciplinar de las artes visuales, que se dedica a las instalaciones, el vídeo, la performance y la radio. Escritor, editor, organizador de encuentros, profesor y coordinador de Le Lieu, Centro de Arte Actual, es también miembro fundador de las ediciones Intervention, que editan la conocida revista Inter, hoy día en su número 103. Comprometido en la teoría y la práctica, toma el arte como un sistema de experimentación y trasgresión, como actitud de comportamiento poético, a través de las artes no-convencionales. Cada dos años organiza Reencontré Internationale d´Art Performance (RIAP) en Québec con la participación de los mejores exponentes del arte de la acción del mundo entero. Actualmente esta involucrado en el establecimiento de relaciones con instituciones similares a la suya para intercambiar alumnos y performers bajo el régimen de residencias. Hasta el momento ha concretado convenios con México y Polonia y próximamente lo hará con Brasil. En nuestro país intentó entrevistarse sin éxito con jerarcas de la cultura, salvo el Director de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura quien declinó el ofrecimiento en razón de que su gestión está a punto de terminar.

Pese a ello, Martel, realizó un seminario en la Fundación de Arte Contemporánea (FAC) de Montevideo.

Seminario de Arte de Acción a cargo de Richard Martel 1 de diciembre y 2 de diciembre a las 18:00.

Temas:
-Historia del Arte de Acción.
-Teoría de la Presencia
-Ejercicios Prácticos

-Información sobre la escena performática
-Situación y Contexto.
-El cuerpo en el Espacio
-Respuesta a preguntas de los participantes.

Richard Martel y Clemente Padín

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Proyecto ciclo primer encuentro de arte acción en la diaria

2009-12-02T05:55:00.000-08:00

CICLOS fue un encuentro de arte acción realizado en el café de la diaria todos los miércoles de octubre de 2009, de 19 a 21 hs. Fue organizado por Lucía Ponce de León, Liv Schou y Erik Schou. Participaron los artistas Jesusa Del Bardo, Mariana Picart, Noel Langone, Gerardo Podhajny, Ezequiel Steinman, Clemente Padín, Raúl Núñez, Erik Schou y Alejandro Rocchi. La dinámica del evento consistía en que todos los artistas presentaran una acción cada día, completando la obra en las cinco jornadas del encuentro. De esta forma, el arte de acción que suele ser un arte efímero, es abarcado desde una perspectiva de más largo aliento, donde la sustancia radica en el proceso que propuso cada artista. En esa dirección se apuntó al elegir la temática para cada jornada que grafican esos CICLOS que forman parte de toda tarea creadora: crisálida/mariposa/muerte/huevo/larva

Cinco miércoles consecutivos de octubre – noviembre 2009 de 19 a 21 horas. Participarán alrededor de diez artistas invitados. Cada artista realizará una performance diferente en cada una de las jornadas basada en cinco disparadores interrelacionados. Cada obra será unitaria, pero a su vez parte del proceso que conformarán los cinco encuentros del ciclo. En el caso de no asistir a todas las instancias cabe la posibilidad de que el artista participe a distancia -en forma no presencial- a través del medio que considere apropiado.

CICLOS
Primer encuentro de arte acción en café la diaria
Miércoles de octubre de 19.00 a 21.00 horas.
Ocho artistas, ocho obras en cada jornada.

Mariana Picart
Fray Bentos, 1973
Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República. A partir de 2002 ha venido trabajando en performances de los poetas y músicos Bardo Kan & Pollo Píriz. Algunos trabajos en performance:Chica alquímica (I), ciclo de performances presentado en el XIII Nippon International Art Performance Festival en las ciudades de Tokyo, Nagoya, Maebashi y Nagano, Japón, febrero 2006; Cuerpo (Bardo Kan & Pollo Píriz + Mariana Picart), trabajo presentado en el Ciclo de performances de la 1ª Bienal Metropolitana de poesía, II Festival Internacional en Uruguay; realizado en Sala zitarrosa, octubre 2006; Pozología y Chica química III, presentada en Excentra 2006, Laboratorio Internacional de las Artes, Fray Bentos, oct. 2006;La tierra re-suena presentada en Buenos Aires zonadearte en acción , nov. 2006, Esos moluscos me comen la memoria III, presentada en el V Congreso Internacional de Salud Mental y Derechos Humanos, Buenos Aires, nov. 2006; participación en la performance Cambio ( Daniel Acosta + Mariana Picart+ Diego Lambertucci, presentada en el Ciclo Hasta Siempre Poesía con Vicente Zito Lema y otros poetas amigos, La Plata, Buenos Aires, nov. 2006; Co-organizadora y participante (Grupo Hibridacción) del Encuentro Arte de acción Plaza – 2ª Ed., Plaza Lezica, Montevideo, dic. 2006; Esos moluscos me comen la memoria, video instalación y performance presentada en la muestra Container/Contenedor, Frankfurt, marzo 2007.

Mariana Picard

Raúl Nuñez

Noel Langone
Paysandú, 1980.
Cursó la licenciatura en la Escuela Nacional de Bellas Artes como creadora plástica y visual. Ha realizado talleres de investigación dentro del lenguaje de la danza, el teatro y el arte de acción. En 2007 participó en el Concentrado Video con Consuma belleza y en el Concentrado Acción con la video performance Creciendo (Plataforma). En 2008 realiza la acción Ida 14 para la muestra Cero Uruguayo (Plataforma). Participa en la Sala M. A. Pareja con la muestra fotográfica Transposición y Ocupado (Instalación fotográfica colectiva en baños del Teatro Solís), entre otras.

Noel Langone

Jesusa Delbardo

Montevideo, 1981.
Jesusa Delbardo; artista y mujer. Se considera antes que nada aprendiz de vivir y sus búsquedas son por deshacer y rehacer lo que han dejado en su existencia como persona, para poder moverse simplemente como ser. Disfruta de hallar y compartir relacionada con la poesía, la performance, la intervención de espacios, trabaja pinturas en ropa, arte digital, canta, toca la guitarra y compone, además de beber agua comer y mil universos afectivos mas que hace de su vida, Su vida. Actualmente está en el proceso de encontrar su velocidad natural, y enamorada del purgatorio.

Eric Schou realizando la performance de Jesusa Delbardo, ausente por compromisos en el exterior

Clemente Padín
Lascano, Rocha, 1939.
Poeta experimental, artista y diseñador gráfico, artecorreista, performer, curador, videasta y networker. Licenciado en Letras. Dirigió las revistas Los Huevos del Plata y OVUM 10 en la década de los 60s. Ha expuesto individualmente en Estados Unidos, Italia, Corea, Argentina, Uruguay, Alemania, España, Canadá, Brasil, Bélgica y Japón. Entre otras distinciones, fue invitado a la XVI Bienal de San Pablo (1981), a las Bienales de La Habana (1984 y 2000), a la de Cuenca, Ecuador (2002) y a la Tesalónica, Grecia, 2009. Ha dictado seminarios sobre poesía experimental y realizado decenas de performances internacionalmente. En 2010 cumple 40 años de actividad como accionista. Es autor de 20 libros y centenares de notas y artículos publicados en todo el mundo. Ha participado en múltiples eventos en Internet desde 1992 y ha editado dos CD Roms con trabajos de Net Art. Ha sido distinguido con el “Premio Pedro Figari” a la trayectoria artística, Uruguay 2005. Fue curador del Festival de Arte en la Calle, 1990, Montevideo y del Concentrado Acción 2007, MEC, Montevideo.

Clemente Padín

Alejandro Rocchi
Montevideo, 1982.
Realizó la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación, se formó en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, la Facultad de Arquitectura y el Taller Aquelarre. Actualmente estudia becado en Escuela de Cine del Uruguay (ECU). Ha recibido varios premios y realizado exposiciones de sus trabajos audiovisuales, de fotografía y de performance.

Gerardo Podhajny
Montevideo, 1976.
Casado con el Centro de Diseño Industrial, pero enamorado de Bellas Artes. Participa en colectivos de intervención urbana, arte de acción, y artivismo, generando imágenes y sloganes con el poder de las técnicas de mercado, la iconografía fuerte, y los medios publicitarios. Obsesionado con la sociedad de consumo, está haciendo de su religión un culto a la basura, generando proyectos que tratan de provocar al espectante y convertirlo en ejecutante. Su trabajo acontece principalmente en los espacios públicos, dando creación y gestionando proyectos de participación colectiva. En 2005 fue seleccionado para exponer en el Salón Nacional de Artes visuales. En el año 2006, ganó la mención honorífica del Salón Municipal de Exposiciones, con el Proceso de Legitimación del Espacio Urbano. En 2007 comenzó a producir el Festival Mil, un proyecto de mecenazgo realizado con 1000 pesos uruguayos (unos 40 euros) que se autogestiona y acontece en la calle. También creo y participó en el Proyecto El Punto, www.proyectoelpunto.blogspot.com Actualmente realiza investigaciones performáticas en el LPC, Laboratorio de Perfomance Constante de Fuera de Formato.
www.fueradeformato.blogspot.com Es socio de la Hungry Artist Foundation y fanático de Lost.

Gerardo Podhajny

Ezequiel Steinman
Buenos Aires, 1974.
Licenciado en Artes por la Universidad de Buenos Aires (2002). Ha realizado espectáculos, proyectos de investigación y performances con foco en la experimentación dramatúrgica, puesta en escena, lenguajes audiovisuales, paisajes inhóspitos y tecnología obsoleta. Con el colectivo Actos Alusivos (Comodoro Rivadavia 2003-2007) presentó sus montajes y dictó talleres en Chiapas y en Puerto Morelos (México), La Habana (Cuba) y Chubut, Córdoba y Buenos Aires (Argentina). En el año 2006 obtuvo una Beca de Perfeccionamiento por el Programa Becas de la Secretaría de Cultura de la Nación (Argentina) y apoyo de Proteatro y Fondo Nacional de las Artes.

Lucía Ponce de León
Montevideo, 1982.
Egresada del Instituto “Escuela Nacional de Bellas Artes” y del Instituto de Profesores Artigas en Comunicación Visual. Ha investigado en las áreas de pintura, fotografía y arte de acción. Ha participado de talleres y seminarios vinculados al arte contemporáneo y a la docencia. Participó también en varias muestras colectivas y realizó numerosas acciones en espacios públicos y expositivos, enmarcados en eventos o por iniciativa propia.

Erik Schou
Montevideo, 1981.
Investiga en pintura, fotografía, intervención urbana y arte de acción. Ha realizado murales en distintas zonas de Montevideo, utilizando básicamente alquitrán y pintura blanca, en los que aparecen figuras humanas de un fuerte carácter expresionista. Sus obras tienen un importante anclaje en lo conceptual, indagando lo procesual y lo efímero.

Eric Schou

Contactos
Lucía Ponce de León, tel. 204 15 58 – 095 287 055, e – mail: noelaicul@hotmail.com
Erik Schou, tel 099 582 351, e – mail: erikschou@adinet.com.uy

Clemente Padín recuerda a Ernesto Cristiani...

2009-11-25T13:34:00.000-08:00

CFCPBA recomienda suscribirse al Canal de Ernesto Cristiani

(Para ampliar click sobre imagen, por favor)

Curriculum Vitae Multimedia de Clemente Padín

2009-11-25T08:24:00.000-08:00

CLEMENTE PADIN curriculum brevis

Nace el 8 de Octubre de 1939 en Lascano, Rocha, R. O. del Uruguay.

Poeta, artista y diseñador gráfico, performer, curador, videísta, multimedia y networker.

Licenciado en Letras Hispánicas en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación, Universidad de la República, Uruguay. Director de las revistas Los Huevos del Plata (1965-1969), OVUM 10 y OVUM (1969-1975), Participación (1984-1986) y Correo del Sur (2000-2003).

Autor de 20 libros publicados en Francia, Alemania, Holanda, Italia, España, Venezuela, Estados Unidos y Uruguay. Entre ellos:
Los Horizontes Abiertos, dos ediciones, 1969 y 1989, Uruguay;
Visual Poems, 4 ediciones incluyendo Xexoxial Ed., Wisconsin, USA e Internet, 1969;
Angulos, Ed. Amodulo, Milán, Italia, 1972;
De la Representation a l´Action, Doc(k)s Ed., Marsella, Francia, 1975;
Omaggio a Beuys, IAC Ed., Oldenburg, RFA, 1975-76;
Peace = Bread, Fluxshoe Ed., New York, USA,1986 ;
Action-Works, 3 ediciones, 1983-88-92 ;
Art & People, Light and Dust, Wisconsin, U.S.A.,1996;
Poesía Experimental, Factoría Merz Mail, Barcelona, España, 1999;
La Poesía experimental Latinoamericana, 1950 - 2000, Inf. y Prod. S.L., Madrid, España, 1999;
PAZ/PAN, poema interactivo, CD Rom, Montevideo, Uruguay, 2001;
Poems to Eye, The Runaway Spoon Press, Florida, USA, 2002;
Spams Trashes, CD Rom, Montevideo, Uruguay, 2002;
Visual Poems, Ed. Visual World Poetry, San Peterburgo, Rusia, 2002,
La Poesía es la Poesía, Ed. Imaginarias, Montevideo, Uruguay, 2003;
Poemas Visuales, Edit. VOX, Bahía Blanca, Argentina, 2005 (libro-objeto), etc.

Ha exhibido colectivamente en más de 220 exposiciones y en más de 1.500 exposiciones de arte correo desde 1969 a 2008.

Ha expuesto individualmente en:
- Galería U, Montevideo, Uruguay, 1973
- DAAD Gallery, West Berlin, Germany, 1984
- Galería A.C. J., Montevideo, Uruguay, 1985
- Art Space Gallery, Hyogo, Japan, 1986.
- Galería Cinemateca, Montevideo, Uruguay, 1988.
- Galería Liberarte, Buenos Aires, Argentina, 1988.
- Yellow Springs Gallery, Chester Springs, Philadelphia, U.S.A., 1989.
- Micro Hall Art Center, Edewecht, Germany, 1989.
- Galería Cinemateca, Montevideo, Uruguay, 1995.
- Art Dept. Sung Kyun Kwan University, Seoul, South Korea, 1996
- Centre of Arts, Hasselt, Bélgica, 1997
- Galpón Sur, Barcelona, España, 1997
- Sarenco-Club Art Gallery, Verona, Italia, 1998
- Galeria H2O, Barcelona , España, 2002
- Sechiisland´s Micro Gallery, Rio Claro, San Pablo, Brazil, 2003
- Centro Municipal de Exposiciones, Montevideo, Uruguay, Abril-Mayo, 2003
- Instituto Goethe, 8 setiembre-15 de Octubre, Montevideo, Uruguay, 2004
- Marte Upmarket, 16 - 30 Abril, Montevideo, Uruguay, 2005
- Inter Le Lieu, 5 al 29 Octubre, Québec, Canadá, 2006
- Espacio Pedro Figari, Premio a la trayectoria artística Uruguay 2005, Montevideo, Uruguay, Octubre, 2006
- Clemente Padín segons l´arxiu Aire, Fundación Joan Brossa, Barcelona, España, Febrero, 2008.

Desde la Exposición Internacional de la Nueva Poesía en la Facultad de Humanidades y Ciencias y en la Galería U, Montevideo, Uruguay, en 1969 hasta la fecha ha organizado cientos de exposiciones y eventos artísticos, entre los que se destacan: Exposición Exhaustiva de la Nueva Poesía (Montevideo, 1972); Festival de la Postal Creativa (Montevideo, primera exposición documentada de arte correo en América Latina, 1974); Muestra por las Libertades (co-organizador, Montevideo, 1984); América Latina, Hoy (Berlín, R.F.Alemana, 1984); Primer Festival de Video Arte (Montevideo, 1986); Poesía Experimental Uruguaya (Montevideo, 1989); Festival Latinoamericano de Arte en la Calle (Montevideo, 1990); José Martí, 100mo. Aniversario (Montevideo, 1995); Festival Rioplatense de Poesía Experimental (Montevideo, 1996); V + V (Montevideo, 1998), Concentrado Internacional Performance, curador, MEC, Montevideo, Uruguay, 2007, Encuentro Internacional de Poesía Experimental "Amanda Berenguer", curador, MEC, Montevideo, Uruguay, 2008.

Ha publicado en cientos de revistas y publicaciones en todo el mundo. Sus notas y artículos han sido traducidos al Inglés, Portugués, Catalán, Francés, Italiano, Húngaro, Holandés, Alemán y Ruso y ha participado en múltiples eventos en Internet desde 1992.

Ha participado personalmente en eventos relacionados al arte y a la poesía:
- Exposición de Proposiciones a Realizar, Buenos Aires, 1971.
- XVI Bienal de San Pablo, San Pablo, Brasil, 1981.
- Beca de la Academia de Artes y Letras de Alemania, DAAD, West Berlin, Alemania,1984.
- 1ra. Bienal de La Habana, Cuba, mención especial exposición colectiva "Desaparecidos Políticos de Nuestra América", 1984.
- 1er. Seminario de Arte Contemporáneo, Rosario, Argentina, 1984.
- Concurso Carteles Olímpicos, XXIV Juegos Olímpicos, Primer Premio Ciclismo, Seul, Sudcorea, 1987.
- I Simposio Internacional de Poesía Visual, San Pablo, Brasil, 1988.
- XI International Congress in Aesthetics, Nottingham, Inglaterra, 1988.
- 34a. Reunión Anual PCCLAS, Mexicali - Caléxico, México - USA, 1988.
- Acciones, Chester Springs, Philadelphia, USA, 1989.
- Festival Latinoamericano de Arte en la Calle, curador, Montevideo, Uruguay, 1990.
- II Encuentro de Artes Plásticas, Porto Alegre, Brasil, 1990.
- TOMARTE, 1er. Encuentro Alternativo de Arte, Rosario, Argentina, 1990.
- XI Simposio de Literatura: Modernismo - Postmodernidad, Montevideo, 1993.
- Primer Festival de Poesía Hispano Americano en Uruguay, Montevideo, 1993.
- Coloquio Int. Sobre Poesía Hispanoamericana de los Sesenta, La Habana, Cuba, 1994.
- XXXIX Congress of SALALM, Salt Lake City, Utah, USA, 1994.
- 1ra. Conferencia Int. de Literatura Latinoamericana 1945-1995, México, 1995.
- V Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental, Ciudad de México,1996.
- Primeras Jornadas de Poesía Experimental en Buenos Aires, Argentina, 1996.
- Arte, Etica y Derechos Humanos, Tucumán, Argentina, 1996.
- Eye Rhymes, University of Edmonton, Alberta, Canadá, 1997.
- Stop, Museo de Arte Contemporánea, Santiago, Chile, 1998.
- Poesía Intersignos, Paço das Artes, San Pablo, Brasil, 1998.
- VIII y XI Festival Internacional de Poesía de Medellín, Colombia, 1998 y 2001.
- Bienal Internacional de Poesía de Belho Horizonte, MG, Brasil, 1998.
- La Literatura fuera de los Libros, Universitat de Barcelona, España, 1999.
- Trienal de Poesía Visual, Porto Alegre, RS, Brasil, 2000.
- 7ma. Bienal de La Habana, Cuba, 2000.
- Encontro Internacional de Literatura Latino-Americana, Belo Horizonte, MG, Brasil, 2001.
- Le Dernier Festival, Ventabren, Marsella, Francia, 2001.
- IV Salón de Arte Digital, La Habana, Cuba, 2002.
- VII Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, 2002.
- Perfopuerto, Festival de Performances, Valparaíso, Chile, 2002.
- Arte / En Progresión, Buenos Aires, Argentina, 2003.
- Les Rencontres Internationales Paris/Berlin, Berlin, Alemania, 2003.
- 6ª. Bienal de Video y Nuevos Medios, Santiago, Chile, 2003.
- Proyecto Limes, Performances, Montevideo y Buenos Aires, Uruguay y Argentina, 2003.
- Contrato, Performances, Córdoba, Argentina, 2003.
- Visitings Arts, Cardiff y Londres, Gran Bretaña, 2004.
- La Poesía Digital Latinoamericana, ICCI, Barcelona, España, 2004.
- Emoçao Art.ficial 2.0, San Pablo, Brasil, 2004.
- Excentra, Tacuarembó, Uruguay, 2004.
- SOS Tierra, arte ecológico, Buenos Aires, Argentina, 2005.
- Performagia, Museo del Chopo, México, México, 2005.
- Jornada de Performance Latinoamericana, Ex-Teresa, México, 2005.
- Premio Pedro Figari a la trayectoria artística, Montevideo, Uruguay, 2005.
- SOS Tierra II, Parque Hudson, Buenos Aires, Argentina, 2006.
- V Festival Internacional de la Imagen, Caldas, Colombia, 2006.
- Visualeyez 2006, Latitudes 53, Edmonton, Canadá, 2006.
- Rancontres Int. d´Art Performance, Québec, Canada, 2006.
- 1ra. Bienal Int. de Performance "Deformes", Santiago, Chile, 2006.
- Der Lange Atem, Mascinenhaus, Essen, Alemania, 2006.
- Performance Art Festival, I. P. P. Ass. Hildesheim, Alemania, 2006.
- Trace: Archive (2000-2005),Franklin Furnace, Brooklyn, New York, 2006.
- Coloquio "Konkretismus", Universidad de Stuttgart, Stuttgart, Alemania, 2006.
- II Festival Int. de Videopoesía 2006, Videobardo, Buenos Aires, Argentina, 2006.
- La Condición Video, CCE, Montevideo, Uruguay, 2007.
- Cardiff Art in Time, CSAD, Cardiff, Gales, UK, 2007.
- Sexto Festival Internacional de la Imagen, Manizales, Colombia, 2007.
- E-POETRY, Poesía Electrónica, Univ. Saint Dennis, Paris, Francia, 2007.
- Seminario Poesía Experimental, Bilbaoarte, Bilbao, País Vasco, España, 2007.
- Festival del Aire, performances, Estado Falcón, Venezuela, 2007.
- II Jornadas Internacionales "Poesía y Experimentación", Córdoba, Argentina, 2007.
- Concentrado Internacional Performance, curador, MEC, Montevideo, Uruguay, 2007.
- Short Way of Mind, Performances, Belgrado, Serbia, 2007.
- Muestra Euroamericana de Cine, Video y Arte Digital, Alianza Francesa, Instituto Goethe y Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina, 2007.
- Inauguración del Museo de la Memoria, Montevideo, Uruguay, 2007.
- 2do. Festival Internacional de Performance 2007-2008, Choroni, Venezuela
- Arte/Vida: Acciones por Artistas de las Américas, 1960 - 2000, Museo del Barrio, Nueva York, USA, 2008.
- Encuentro Internacional "El Arte es Acción", Museo de Arte Reina Sofia, Madrid, España, 2008.
- Clemente Padín segons l'arxiu Aire, Poesía Experimental, Fundación Joan Brossa, Barcelona, España, 2008.
- L´Ultimo Kabaret Obert, performance, Barcelona, España, 2008.
- Encuentro Internacional de Poesía Experimental "Amanda Berenguer", curador, MEC, Montevideo, Uruguay, 2008.
- Videobardo, III Festival Internacional de Videopoesía 2008,Buenos Aires, Argentina.
- 4ta.Jornadas de Investigación en Disciplinas Artísticas y Proyectuales, Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, Argentina, 2008.
- Play V, Man in Transit, Festival Internacional de Video y Performance, Junín y Pergamino, Buenos Aires, Argentina, 2008.
- V Encuentro Internacional de poetas: ChilePoesía, Santiago,Chile, 2008.
- 8ª Bienal Internacional do Livro do Ceará, Brasil, 2008.
- II Reunión de la Red de Investigadores sobre Conceptualismos en América Latina, Rosario, Argentina, 2008.
- En la Piel de Nuestras Ciudades, jurado, Naciones Unidas, Montevideo, Uruguay, 2008.
- Las Palabras en Libertad. Poesía Experimental Española e Hispanoamericana en el Siglo XX, Instituto Cervantes, Madrid, España, 2009.
- La Mancha Humana, Centro Gallego de Arte Contemporánea, Santiago, Galicia, España, 2009.
- Subversive Praktiken - Kunst unter Bedingungen Politischer Repression 60er-80er/Südamerika/Europa, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Stuttgart, Alemania, 2009.
- 2da. Bienal de Arte Contemporánea de Tesalónica, Grecia, 2009.
- 6to. Congreso Mundial de Poesía, Caracas, Venezuela, (la sección Anzoátegui en su homenaje), 2009.
- III Reunión de la Red de Investigadores sobre Conceptualismos en América Latina, Santiago, Chile, 2009.
- La Muga Caula, Performance y Poesía Experimental, Girona, España, 2009
- OVUM10 – TDS, encuentro de Poesía Experimental y Mail Art, Tarragona, España, 2009.
- Ciclos, performance, La Diaria, Montevideo, Uruguay, 2009
- En los márgenes del arte. Creación y compromiso político, Centro de Estudios y Documentación MACBA, Barcelona, España, 2009.
- Poetas por km², Casa de América, Madrid, España, 2009
- X Bienal de Poesía Experimental, en su homenaje, Ciudad de México, México, 2009

Work in progress

ELPAIS.COM|Madrid, interesado en los poetas

2009-11-20T15:26:00.000-08:00

La invasión de los poetas

La Casa de América celebra un festival donde se mezclan literatura de las dos orillas, danza y música caribeña.
SERGIO C. FANJUL - Madrid - 20/11/2009

(Para ampliar, click sobre la imagen por favor)

De izquierda a derecha, los poetas
Clemente Padín, Ajo, Eduard Escoffet, Martín Bakero, Peru Saizprez y Eugenio Tiselli,

delante de la Casa de América

ÁLVARO GARCÍA - 20-11-2009

Esto es algo más. No es el típico recital de monótono poeta en la penumbra de un bar ante un público adormilado. Los participantes en el festival 2009 Poetas por Km2 le dan una vuelta de tuerca a la poesía buscando formas de expresión a veces sorprendentes.

El primer plato se sirvió ayer. Después del documental Babalú, sobre un cantante colombiano de muerte misteriosa, Ajo, Peru Saizprez y Eduard Escoffet desgranaron a tres voces la obra de grandes poetas latinoamericanos y atravesaron al público con poemas de Vallejo: los susurraban al oído de los asistentes y el poema, después de atravesar sus cabezas, salía recitado por sus bocas, verso a verso. Daniel Bolado, en su turno, deslizó sus palabras sobre el acompañamiento de un clarinete y un violín.

En su quinta edición, este evento organizado por la librería Arrebato en la Casa de América presenta novedades. El tema es la relación entre España y Latinoamérica, así que los poetas se liaron la manta a la cabeza y, en octubre, celebraron la primera parte del festival en la República Dominicana. Este encuentro "mezcló poetas de aquí con los de allá. Ahora viene una representación de los poetas de allá, para mezclarse con los de aquí", según la organización. Todo bajo el lema La invasión de los poetas que invaden con poemas.

El menú para hoy y mañana viene completo: fusión entre danza y texto, performance, manipulación electrónica de la voz para la creación de sorprendentes atmósferas musicales, mezcla de imagen, literatura y ritmos caribeños... ¿Los nombres? Claudia Faci & Chantall Maillard, Javier Corcobado, Clemente Padín, Accidents Polipoètics... Incluso, en la intervención de Martín Bakero, poetas del futuro, que aún no existen, y que se manifestarán a través de una médium. Más información: www.2009poetas.com.

Madrid -Noviembre de 2009-

2009-11-20T08:16:00.000-08:00

Clemente, está vez no te olvides de darte una vuelta por el Museo del Prado...!

Hazlo antes de tu lectura de poesía experimental autorreflexiva en Casa de América, Plaza Cibeles, 2, Madrid, España, el 21 de Noviembre, 2009, a las 18 hs., en el marco de la segunda parte de 2009 Poetas por Km² que tendrá lugar los días 19, 20 y 21 de Noviembre, organizado por Arrebatos Libros, en donde actuarán poetas de Latinoamérica junto a Javier Corcobado o Claudia Faci & Chantal Maillard.

Este es otro servicio a la comunidad del Club de Fans de Clemente Padín clementepadin@gmail.com
Si no desea seguir recibiendo estos mensajes, cliqué acá.
http://www.beatrizramirez.com.ar/videosdeCP.htm
http://clementepadin.blogspot.com/

Clemente, in this occasion, don't forget to give a turn for the Prado´s Museum....!

Just do it before your reading of poetry experimental autorreflexive at Casa de America, Cibeles Square, 2, Madrid, Spain, November 21, 2009, at 18 hs., in the frame of the second part of 2009 Poets by Km² that will take place the days 19, 20 21 of November, organized by Arrebatos Libros, where poets from Latin America next to Javier Corcobado or Claudia Faci& Chantal Maillard will act.

This is another service to community by the Clemente Padín´s Fans Club: clementepadin@gmail.com
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Acerca de la X (Última) Bienal Internacional de Poesía Visual y Experimental Mexicana-colectivo multidisciplinario- Homenaje a Clemente Padín

2009-11-13T05:30:00.000-08:00

Estimados Amigos y Fanáticos de Clemente Padín en el mundo:

El Lunes 26 de Octubre de 2009 se iniciaron diversas actividades en el marco de la X (Última ) Bienal Internacional de Poesía Visual y Experimental Mexicana -colectivo multidisciplinario- Homenaje a Clemente Padín.

El Martes 27 de Octubre en el Museo de la Ciudad de México su directora Lic. Cristina Faesler Bremer, y Mauricio Marcin curador de la muestra, inauguraron la exposición "Arte Correo".

La Muestra cuenta con una selección de más de 360 trabajos con el tema que se llamó "Poema Colectivo Revolución" antecedente de las Bienales de Poesía Visual. Objetos y archivos provenientes de las colecciones de artistas correístas mexicanos como el antiguo grupo de Araceli Zúñiga y César Espinosa, Mauricio Guerrero, Maris Bustamante y Mónica Mayer por citar algunos. Estas obras realizadas entre 1966 y 1991 permanecerán en exhibición hasta Febrero de 2010 de martes a domingo desde las 10:00 hasta las 18:00 horas, en el 1° Piso del Museo de la Ciudad de México, Suárez 30 Colonia Centro.

Aquí Galería con parte del "Poema Colectivo Revolución" -en exhibición- con registros digitalizados por Mauricio Marcín y Juan Caloca. Para más información ver La (des) mesura de Araceli Zúñiga.

El Jueves 29 de Octubre por la mañana Clemente Padín, Roberto Keppler, J. M. Calleja y Beatriz Ramírez, visitaron el Instituto de Mercadoctenia y Publicidad en Guanajuato No. 228 Colonia Roma donde Padín y la Presidente del Club de Fans, dieron una charla acerca de la Obra de Clemente Padín y el desarrollo del Club Fanáticos de Clemente Padín.

(Para ampliar clikc sobre imagen, por favor)

Clemente Padín- alumno y Beatriz Ramírez
En el monitor, de frente y a la izquierda, es posible observar a Roberto Keppler registrando el momento
Fotógrafo: Roberto Keppler

Registros:

Charla de CFCPBA (texto)
Manifiesto del CFCP (mp3 y texto)

El Viernes 30 de Octubre se inauguró en la Casa de Cultura Reyes Heroles la X Bienal con la presencia de sus coordinadores Araceli Zúñiga y César Espinosa; Gabriela González Reyes coordinadora del Departamento de Control Curatorial del Museo del Chopo; Mauricio Marcin curador del Museo de Ciudad de México; artistas y poetas internacionales y mexicanos; académicos; estudiantes y público en general.

Registro de Entrevistas realizadas la noche de inauguración:
- Araceli Zúñiga y César Espinosa

- Roberto Keppler

Asimismo se entrevistó (registros pendientes de edición) a Clemente Padín, Roberto Keppler, J.M.Calleja, Ivette Román y Eva Sánchez.

Registro de los Poemas experimentales:

Clemente Padín:

El Sábado 31 de Octubre y Domingo 1° de Noviembre se ofrecieron Seminarios en Casa de Cultura Reyes Heroles cuyas ponencias estuvieron a cargo de Clemente Padín, Roberto Keppler y J.M. Calleja. Con César Espinosa leyendo textos enviados por John Bennett para su reflexión y análisis. Víctor Sosa compartiendo texto y poesía. María Eugenia Guerreo, una de las pioneras en el Arte Correo Mexicano, presentando plantillas, sobres y obras recibidas.

De todas las actividades mencionadas, este Club de Fans posee registros los cuales se pondrán "on line" a medida que se finalicen las correspondientes ediciones.

Todas las emociones vividas tanto con motivo de las actividades propuestas por la X (La última) Bienal, como la de participar de sus celebraciones de "Días de Muertos" Los momentos compartidos, con su curador Mauricio Marcín, en salas de exposiciones como el Estudio de Joaquín Clausell y El Clauselito. La visita, al espacio sagrado, guiada por la Lic. Cristina Faesler Bremer y el Arq. responsable de la zona arqueológica TEMPLO MAYOR. Las informales visitas junto con los hermanos mexicanos a cantinas con rondas de Tequila y cantos de Mariachis, son dignas de ser expresadas únicamente, con testimonios artísticos y este Club de Fans, anhela estar a la altura de tal desafío.

Un fuerte abrazo,

CFCPBA

work in progress

Gestionar la precariedad Potencias poético-políticas de la red de arte correo

2009-10-30T14:42:00.000-07:00

Gestionar la precariedad
Potencias poético-políticas de la red de arte correo

Fernando Davis y Fernanda Nogueira

Mail Art: una bomba de fabricación casera

Dámaso Ogaz

"Poéticas de la urgencia" aquí

Estado de alerta

2009-10-25T10:35:00.000-07:00

(Los Archivos de Arte en América Latina)

El pasado sábado 17 de octubre un incendio destruyó gran parte del acervo artístico y documental del artista brasileño Helio Oiticica, el cual se albergaba en una casa privada en Río de Janeiro bajo la tutela de la familia del artista. Esta irreparable pérdida revela una problemática común a todos los países de América Latina y el Caribe: la existencia de políticas de preservación ineficientes, de legislaciones que no toman en cuenta la necesidades cambiantes del arte contemporáneo y de condiciones de almacenamiento inadecuadas las cuales no sólo ponen en riesgo a los propios acervos sino que atentan también contra el libre acceso a documentos que son de interés público. Esta problemática nos orilla a poner sobre la mesa una vez más no sólo el valor histórico y patrimonial del arte sino, sobre todo, la necesidad de proteger y de reactivar la memoria de la experiencia de su potencia crítica. De no hacerlo, contribuiremos al debilitamiento de la fuerza creativa, la investigación comprometida y la reflexión crítica en las sociedades contemporáneas.

El contexto artístico-político en el que esta tragedia ha tenido lugar es sumamente complejo. Desde hace algunos años, la obra –pero también los archivos– de muchos artistas de América Latina ha venido integrándose en el canon internacional del arte contemporáneo, siendo la producción artística de las décadas de los sesentas y los setentas aquella que mayores expectativas de canonización ha despertado. Museos, coleccionistas privados e instituciones corporativas han hecho de estos acervos una suerte de botín de lo que podría definirse como las nuevas batallas neocoloniales del capitalismo cognitivo. Esta situación ha propiciado que propuestas que por aquellos años fueron brutalmente acalladas o interrumpidas por la violencia de los regímenes dictatoriales circulen hoy a nivel internacional cargadas de una amplia legitimidad pero también de una fuerte esterilización política y banalización artística. La necesidad de reactivar su fuerza poético-política se confronta por lo tanto con el refinamiento perverso y seductor del mercado del arte. En consecuencia, los intentos de superación de los efectos tóxicos del trauma dejado por las dictaduras y por la violencia de Estado tienden a interrumpirse hoy nuevamente por la estrategias inmunizadoras del capitalismo cultural global.

Esta situación no sólo interpela a la comunidad artística y a los especialistas en archivos en particular sino también a los políticos culturales, a las instituciones del arte y al sociedad civil en su conjunto. La pérdida de gran parte del archivo de Hélio Oiticica impone la urgencia de un posicionamiento político decidido y bien articulado frente a este estado de cosas. Ante esta situación resurge por lo tanto la necesidad de fortalecer la cooperación y el diálogo entre los múltiples agentes de la sociedad implicados tanto en el cuidado del patrimonio material como en la reactivación de la potencia crítica y poética del arte. La conservación y la dinamización crítica de estos patrimonios materiales e inmateriales no sólo son un deber y un reto compartidos sino que son también una oportunidad privilegiada para imaginar modos más responsables y críticos de experimentar y acceder a la cultura.

Hoy más que nunca resulta necesaria una respuesta inteligente, responsable y conjunta de los países de América Latina y el Caribe. Esta respuesta deberá estar además en sintonía con aquellas instancias, individuos e instituciones quienes, desde dentro o desde fuera del continente, están interesados en articular políticas que contribuyan a descolonizar las relaciones internacionales, el tránsito global de los patrimonios materiales e inmateriales y los regímenes de propiedad intelectual. El valor social, cultural y económico de los archivos de arte de América Latina debe por lo tanto convertirse en una prioridad para la agenda política de los diferentes Ministerios de la Cultura de nuestros países.

La tragedia ocurrida al archivo de Hélio Oiticica demanda que se tomen nuevas iniciativas políticas y nuevas responsabilidades sociales con la intención de alcanzar los siguientes objetivos: 1) incentivar y apoyar la investigación, el diagnóstico, la divulgación y la preservación de los acervos documentales y patrimoniales (acentuando el hecho que estas son actividades políticas y no meramente académicas o profesionales); 2) desarrollar mecanismos de gestión y financiación para promover y profesionalizar la preservación de archivos y para garantizar el acceso público y gratuito a la memoria de la experiencia sensible del arte (partiendo del hecho que las prácticas artísticas no pueden reducirse a su mera materialidad); 3) avanzar hacia el diseño de un nuevo proyecto de ley basado en la corresponsabilidad entre el Estado y la sociedad civil que permita compartir el cuidado y la toma de decisiones acerca de los acervos por medio de instancias de mediación y consulta; 4) fomentar y priorizar la digitalización de los archivos de arte de América Latina con la intención de impedir el deterioro y la pérdida de documentos así como para potenciar su accesibilidad universal; 5) trabajar para alcanzar las condiciones políticas, jurídicas y culturales que permitan poner en operación normativas que regulen el tránsito y la comercialización de documentos, obras, registros e investigaciones tomando en cuenta las necesidades específicas de este tipo de acervos; y, finalmente 6) sensibilizar a la sociedad en torno a las consecuencias que supone el hecho que la compra de archivos de arte por museos y fundaciones extranjeras sea en la actualidad la única posibilidad para preservarlos.

Estamos conscientes que estas iniciativas constituyen sólo el primer paso hacia un tipo de cultura política diferente respecto a los archivos de arte de América Latina. Reconocemos, sin embargo, que sin ellos será muy difícil revertir los procesos que neutralizan la potencialidad política de las prácticas artísticas del continente.

Red Conceptualismos del Sur 1

1 La Red Conceptualismos del Sur es una plataforma internacional de trabajo, pensamiento y toma de posición colectiva formada hacia finales de 2007 por un grupo de 46 investigadores y artistas preocupados por la necesidad de intervenir en los procesos de neutralización del potencial crítico de un conjunto de ‘prácticas conceptuales’ que tuvieron lugar en América Latina a partir de la década de los sesenta.

From: edu barbero To: Clemente Padin ; Joan Casellas

2009-10-21T08:19:00.000-07:00

----- Original Message -----
From: edu barbero
To: Clemente Padin ; Joan Casellas
Sent: Tuesday, October 20, 2009 7:41 PM
Subject: Edu Barbero, BOEK VISUAL.

Clemente, Joan...

He subido a BOEK VISUAL http://boek861.blog.com.es/ vuestro informe "La Muga Caula, desde Marcel Duchamp a Esther Ferrer". Me lo pasó César Reglero que creo ya lo colgó en BOEK861.

Me he permitido la licencia de hacer con él un librito virtual que podréis ver en el blog y utilizarlo como mejor os plazca. Si acaso vierais algún problema me lo hacéis saber.

UN FUERTE ABRAZO.

--

Edu Barbero
http://edubarbero.wordpress.com/
BOEK VISUAL
http://boek861.blog.com.es/

La Muga Caula…de Marcel Duchamp a Esther Ferrer

2009-10-19T07:53:00.000-07:00

Informe de Joan Casellas y Clemente Padín

Exposición de Registros Fotográficos
Capturados por Joan Casellas (Archivo Aire) y Clemente Padín

Hace cinco años se inicia el encuentro artístico La Muga Caula (la Muga Caula es un nombre inventado por Casellas para dar nombre al evento, partiendo del nombre del río, la Muga, que quiere decir “frontera” en Vasco e Ibero y el salto de la Caula, del latín “calida”, “caliente”; esto es. la Muga Caula= la “frontera caliente”) en torno a la presencia, hoy muy conocida, de Marcel Duchamp en el salto de agua de la Caula durante los años en que finalizaba su gran obra póstuma Etant donnés. Man Ray también visitó el lugar y claro y sobre todo Dalí, quien dibujó la bella cascada.

La Muga Caula, pues, ha efectuado investigación a la vez que cumplía su objetivo principal: promover la poesía de acción y la performance. La promoción ha sido constante y creciente: en La Muga Caula participan artistas de todo el mundo, también locales, artistas poco conocidos y artistas consagrados —entre los cuales Julien Blaine el año pasado y Esther Ferrer este año, autores de los carteles anunciadores.

Con la intención de difundir el arte de acción y su estudio, se ha ampliado hasta veinte los días de la exposición que tiene lugar cada año en Les Escaules y se ha promovido la edición de documentales como La Muga Caula 4, de Nelson Hausmann, cuya proyección en sesión continua se ha podido ver en el Museo del Empordà durante el verano del 2009 y también en muchos centros culturales de España. La creación de talleres para estudiantes ha unido investigación y práctica; éstos, dedicados a la poesía de acción y al videoarte, serán impartidos los días 16, 17 y 18 de septiembre por Clemente Padín y por Raúl Marroquín, respectivamente.

En su primer lustro de vida, la frontera caliente de La Muga Caula registra un intenso tráfico de ideas y acciones que trascienden la magia de la aldea ultralocal para proyectarse como encuentro internacional particular y diferente, de Marcel Duchamp a Esther Ferrer. Un encuentro dichoso en medio del Ampurdán.

Programa

Viernes 18 de septiembre 2009
19.30 h
Inauguración del encuentro en la sala de Can Burgas
19.45 - 20.30 h
Acciones en la sala de Can Burgas: Clemente Padín y Yolanda Pérez Herreras
20.30 - 21.00 h
Concierto de jazz en la sala de la Societat Escaulenca: CO3 Jordi Ramírez, Laura Bonet y Albert Ortiz
22.00 - 23.00 h
Acciones en la sala de la Societat Escaulenca: Malgosia Butterwick, Carlos Llavata y Xavier Canals

Sábado 19 de septiembre 2009
11.00 - 12.00 h
Proyección de vídeos de acción seleccionados por Vídeo Bardo de: Nelda Ramos, Daniela Muttis, Jorge Daffunchio, Gabriela Alonso, Javier Robledo, Daniel Acosta, Fausto Grossi, Rafael Álvarez, Johana Reich y Zahra Poonawala.
12.00 - 12.30 h
Acción dentro del programa “Viatge de les arts” organizado por la Nau Côclea
Pep Aymerich
12.30 - 14.00 h
Fotografía de grupo en el salto de la Caula: Pietro Pellini
16.00 - 17.30 h
Acciones: Willem Wilhelmus, Jordi Cerdà y Isabel León
18.00 - 19.00 h
Visita guiada a la exposición de la 5a edición de La Muga Caula
19.00 - 20.30 h
Acciones: Esther Ferrer, Boris Nieslony y Elvira Santamaría
22.00 - 23.00 h
Gong-show, sesión de acciones de un minuto. Abierto a todo el mundo, no se necesita inscripción. Presentado y conducido por Nelo Vilar

Domingo 20 de septiembre 2009
11.00 - 12.00 h
Proyección de vídeos de acción seleccionados por la revista La Bolsa de:
Nieves Correa, Antonio Gómez, Herma Auguste, Lee Wen, Joao Samoes , María Marticorena, Seiji Shimoda, Los Torreznos, Youngsoon Cho, Pepe
Murciego
12.00 - 13.00 h
Acciones: Koke Veja y Gustavo Vega
13.00 - 14.00 h
Conferencia con vermut: “Chámalle X, una experiencia de arte de acción en Galicia” por Carlos Tejo
17.00 - 18.30 h
Acciones: Omar Saadoune, Paolo Colleoni y Vasya Vasileva
18.30 - 19 h
Visita guiada a la exposición de la 5a edición de La Muga Caula
19.00 - 20.30 h
Acciones: Eva Pérez, Andrea Saemann y Tomaso Binga
21.00 h
Cena fraternal, que finalizará con la partición del pastel artístico obra del poeta Àngel Rodríguez y el baile de clausura

Además:

Del 4 al 20 de septiembre se expondrán obras plásticas y literarias de todos los participantes y también una selección de fotografías documentales sobre el arte de acción de la fotógrafa Ana Rita Rodrigues en la sala de Can Burgas.

Talleres para estudiantes de arte contemporáneo

Miércoles 16 a viernes 18 de septiembre
Taller 1 : “Poesía visual y de acción” Clemente Padín
Taller 2 : “Videoarte” Raúl Marroquín

Autodescripciones de los artistas

Clemente Padín
“Pretendo glorificar nuestro ser y nuestro mundo expresando lo mejor de nuestra existencia pero, para ello, debo denunciar todo aquello que se le oponga: la injusticia, la arbitrariedad y todas las iniquidades que asume el odio y la muerte. Por ello, mis obras asumen un carácter de reivindicación y de reclamo para restituir la justicia y la dignidad.”

Yolanda Pérez Herreras
“Maneras de hacer… maneras de vivir. Si no me ves accionar es que me están mirando, si cambio las cosas de sitio es que estoy mirando; si cojo velocidad es que estoy subrayando, si me detengo de pronto es que estoy paginando; si crees que estoy en lo cierto es que no estoy de acuerdo, lo cierto es que estoy ahí; si me descuelgo en el porvenir es que he visto una vacante… maneras de vivir.”

Malgosia Butterwick
“Para mí, hacer performance es un proceso de intercambio entre acción y conocimiento, una presencia «fantasmática» en una dimensión de libertad y experimento. Aplico los tres órdenes lacanianos (imaginario, simbólico y real) para la función del arte como fuente de jouissance –un imperativo de plenitud–. Las series SEDU/A/ACTION muestran mi fascinación por combinaciones inquietantes de sentidos sensuales, emocionales e intelectuales y mi irreverencia hacia cualquier expectativa de corrección.”

Carlos Llavata
“Un lugar desconocido. Un objetivo sería tomar conciencia del proceso, en su vivencia plena, sin temer al desconcierto que provoca entender que la performance / pieza, se encuentra escondida en lo mas inesperado y desconocido de nuestro ser/cuerpo/taller...en mi caso, encontré que la arcilla, es el cuerpo que rememora la absoluta espiritualidad humana y su destrucción es mi objeto/acto sagrado.”

Xavier Canals
“Vola volaina i voliaina” será una celebración de la diversidad teniendo como sonido de fondo la Muga Caula. Todos los participantes harán volar mariposas de distintos colores con el nombre ‘mariposa’ traducido a mil y una lenguas y códigos. 1º todos los participantes leerán al unísono el nombre de la mariposa que les ha correspondido; 2º todos los participantes leerán los nombres de las lenguas, 3º todos los participantes leerán el nombre del país donde principalmente se habla aquella lengua y finalmente la alzarán al vuelo.

Pep Aymerich
Ya a partir de mediados la década de 1990 las intervenciones, la performance y la acción serán el eje de su trabajo, pues le permiten hablar de la inmediatez, experimentar la proximidad del público y sobre todo buscar nuevos valores/canales para comunicarse a través del lenguaje artístico. Y todo ello otorga a su trabajo un carácter muy conceptual en la voluntad de debilitación formal, a pesar del trasfondo tan intuitivo, vital y espiritual de sus acciones.

Pietro Pellini
Fotógrafo especializado en fotografía de performance
“Más allá del documental –fotografiar la esencia de una acción efímera, tensión y energía– mi interés se centra en encontrar la huella de aquellas cosas invisibles y hacerlas visibles una vez hallada. En esta ocasión trataré de hacerlo con la realización de un retrato de grupo de los artistas que han participado en las cinco ediciones de la Muga Caula, en el escenario del salto de la Caula.”

Willem Wilhelmus
“Hago agujeros en el tiempo. Una vez conocí un poeta loco que disparaba a su alrededor, sin dirigirse a nadie en concreto. «Pone un dedo en el tiempo». Lo entendí al instante, pero pasaron veinte años hasta que me lo tomé en serio, con todas las consecuencias y concentrándome justamente en eso: en hacer agujeros en el tiempo. Formas claras en el no-tiempo.”

Jordi Cerdà
“... Para Jordi Cerdà el uso de la imagen artística no se realiza tanto desde la retórica como desde lo que subyace detrás de ella. Así, los conceptos de duplicación, representación, copia, original, igualdad, parecido, descripción, sinécdoque, configuran un discurso cuyos verdaderos protagonistas son los metalenguajes…..”
Texto de Jose Carlos Suárez para «Metaimatges Romantiques».”

Isabel León
“Mi trabajo está basado en mis pensamientos, sentimientos o emociones; para mi es imprescindible ser totalmente sincera a la hora de crear. Me interesa sobre todo «sentir» en el momento de la acción; quiero emocionarme, asustarme, removerme... y en algunas ocasiones me valgo del público para ello. Hago acciones porque quiero disfrutar, crecer, compartir lo que hago, sin esperar nada excepto la satisfacción personal de sentirme completamente libre.”

Esther Ferrer
“Cuando empecé a hacer obras fue con todo mi cuerpo, con mis manos, mi cabeza, mi sexo. Empecé con mi cabeza y mi sexo porque es lo más evidente, quizá lo que tiene más resonancias o connotaciones plásticas. No pensé en el proceso de envejecimiento sino en el simple paso del tiempo. El tiempo que te atraviesa... la forma que tengo de sacarme esta preocupación es a través de los autorretratos.”

Elvira Santamaría
“Me interesa hacer una suerte de improvisación que trata de intervenir todos los espacios de mi presente directo. Se reacciona o se acciona, tanto por parte del público como del artista, sin embargo hay una idea detrás como hilo conductor y una actitud despierta, ambas siempre en riesgo. Trato de potenciar lo mínimo en la acción y eso es la presencia humana, siempre tan devaluada frente a otros valores en el intercambio y las relaciones humanas.”

Nelo Vilar
En 1977 Robert Filliou llevó a cabo el primer gong-show. Se trataba de una conferencia-acción de 48 minutos en la cual explicaba por orden alfabético algunas obras y proyectos. Cada treinta segundos se hacía sonar el gong para cambiar de tema o de acción. Os invitamos a participar en un gong-show abierto a manera de jam session, durante el cual cada artista podrá hacer sucesivamente sus propuestas de treinta segundos. Nelo Vilar, artista y traductor de Filliou, coordinará el show.

Koke Vega
“Mi trabajo siempre es un cóctel que incluye los mismos ingredientes en diferentes proporciones: Teatro, poesía, plástica y extrañamiento. Con un sorbito me da por ensayar pequeños, privados e imperceptibles saltos mortales en forma de recitales o acciones.”

Gustavo Vega
Gustavo Vega, que se identifica –además de otras cosas– como poeta, considera que la poesía puede valerse de cualquier medio para ser y expresarse. Es por ello que en su obra se entremezcla la creación poético textual con la poesía visual, las nuevas tecnologías y la acción performática. En este sentido sus acciones tienden a ser poéticas o relacionadas con la creación
poética.

Carlos Tejo
Carlos Tejo es artista, docente de performance en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo y comisario independiente. Desde el año 2004 es director de las jornadas de arte de acción Chámalle X. Como investigador de la performance ha impartido seminarios, talleres y conferencias en el Centro de Exposiciones de la ciudad de Buenos Aires, Universidad de Rumania, Universidad de Oporto, Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), entre otros.

Omar Saadoune
Se identifica como pintor, videoartista y performer Su trabajo performativo gira alrededor de la riqueza lingüística y gráfica de la poesía árabe y española contemporánea. Expone con regularidad desde el año 1996 en Cataluña, España, Francia, Québec y Marruecos. Ha comisariado una exposición del Festival Alegría de Chefchaouen.

Paolo Colleoni
“Hablar sobre uno mismo es difícil, tarea seria. Soy pintor, formado en la academia clásica. Desde hace un tiempo voy explorando el universo del arte de acción, atraído por la necesidad de crear más allá de la obra pictórica. Soy el último de la tanda, otros han abierto puertas, enseñando, invitando a conocer, y a continuar el camino. Yo peregrino, devoto, recorro el sendero, seguro de encontrar nuevos hermanos por el recorrido. ¡Aleluya!.”

Vasya Vasileva
“Hace ya algunos años, volviendo de un cementerio, alcancé a ver una anciana gitana cuidando de una hoguera. He revivido esta imagen muchas veces; cuando pienso cómo el performer se involucra en una performance, me viene a la memoria esta vieja gitana vigilando la hoguera. Yendo de lo conocido a lo desconocido, esta figura todavía es un gran misterio para mí.
Han pasado los años y me distraigo leyendo mi reflexión anterior. Cautelosamente, la dejo correr. Y creo que lo único que queda de ella es «yendo».”

Eva Pérez
“Trato de separarme de mis cuestiones personales en un intento de acercarme a un imaginario colectivo, pero reiteradamente las mismas pulsiones internas, fantasmas, odios y aversiones me acechan haciéndome trabajar en círculos. Me gustaría desprenderme de mi cuerpo y que la acción transcurriera por ella misma sin mi presencia. En ocasiones, me escabullo entre el público, que solo percibe mi presencia por el rasto que he dejado a mi paso.”

Andrea Saemann
“Trabajo porque estoy impresionada.”

Tomaso Binga
“En arte he tomado un nombre masculino para contestar con ironía los privilegios del mundo de los hombres.” De la década de 1970 destaca Scrittura Verbo-Visiva i es conocidísima practicante de la Poesía Fonética Sonora Performativa. Es profesora de la Academia de las Bellas Artes de Frosinone. Activa organizadora, dirige desde 1974 el Centro Cultural “Lavatoio Contumaciale” de Roma. Desde 1992 preside la Fundación Liberto Menna, de Salerno.

Raúl Marroquín
Trabaja con vídeo desde 1968 y con su compatriota Michel Cardena son considerados los pioneros del videoarte en Holanda. Su obra ha sido expuesta en el Centro Pompidou de París, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Museo Reina Sofía de Madrid y en el ICA de Londres, entre otros. Es fundador y director de Hoeksteen (1990-2009), un programa de televisión por telecable, que trata de medios fluyentes, medios móviles y de universos virtuales.

Ficha técnica del taller de poesía experimental, arte postal y poesía de acción

Profesor: Clemente Padín
Duración: 3 sesiones repartidas entre los días 16, 17 y 18 de septiembre.
Clemente Padín disertará sobre la historia de la poesía experimental desde la Grecia del siglo III aC hasta la poesía actual desarrollando los siguientes temas: Concepto de poesía experimental. Desarrollo histórico desde la Grecia helénica del siglo III aC hasta Mallarmé, a finales del siglo XIX. Poesía fonética (algunas nociones y registros). Poesía digital (algunos ejemplos tempranos). Legado de Mallarmé y las vanguardias históricas hasta mediados siglo XX. Poesía fonética (audición y comentario de los poetas más importantes). De la poesía multimedia a la polipoesía. Poema-acción. Poesía de participación: creación poética que involucra al “lector”. De la aparición de la poesía concreta (1956) hasta nuestros días, pasando por la poesía semiótica, poesía visiva, poesía neoconcretista, poema/proceso, poesía señalista, poesía asemántica, poesía holográfica, etc., hasta la poesía electrónica y performática. Exhibición de poesía digital. Taller teórico y práctico de poesía visual: el taller finalizará con la lectura de las obras realizadas en el taller.

Ficha técnica del taller de Videoarte, Net-Art y TV experimental

Profesor: Raúl Marroquín
Duración: 3 sesiones repartidas entre los días 16, 17 y 18 de septiembre.
Raúl Marroquín mediante su taller nos procurará una inmersión, para algunos “a capella”, en el uso de los equipos de transmisión y registro, desde el telecable de los setenta del siglo pasado hasta los actuales universos virtuales y mostrará cómo servirse de todo ello para emitir un abanico lo más amplio posible de acciones poéticas experimentales. A manera de introducción o planteamiento (taller para la Muga Caula 5). Hablamos de televisión: acceso público local, regional, nacional, continental. De transmisiones hertzianas, telecable, TDT, medios fluyentes para extender el arte electrónico experimental y comunicaciones culturales. Hablamos de iChat, MSN, Skype, BlueTooth, Quik, ooVoo. También de Second Life,Twitter y similares. Veremos la preproducción, la producción en vivo y la posproducción de una acción. Accesibilidad on-line a los contenidos. A manera de nudo o desarrollo (eventos)· Las actividades generadas por los participantes en el taller dentro y fuera del espacio: conciertos, performances, recitales, teatro, poesía, prosa.... A través de infrared y BlueTooth se transmitirán a receptores del entorno, sin aviso previo, pequeñas notas del taller. También se generará material con teléfonos móviles, de recepción inmediata. Tres participantes asistirán al evento, desde tres continentes distintos, como invitados virtuales pero simultáneos al taller. Etcétera. Más a manera de nudo o desarrollo (interactividad). Interactividad = un pilar del taller. Comunicación, colaboración e intercambio, también con otros pueblos y ciudades. Videoconferencia multilinear simultánea a través de la plataforma ooVoo. Quik es otra plataforma que se utilizará para mostrar en directo actividades del taller. A manera de conclusión o desenlace (lo que llega al taller, lo que sale del taller). Transmisión en directo del taller a través de Salto para Ámsterdam. Un taller con tantas actividades simultáneas no pude cubrirse con un único medio, es necesario diversificar el uso de los distintos medios –cable, medios fluyentes, medios móviles– y también es necesario crear canales dedicados en exclusiva a las actividades más “prominentes”.

¡Preliminares!

2009-10-18T07:58:00.000-07:00

(Para ampliar click sobre imagen, gracias)

Correo recibido

2009-10-12T07:04:00.000-07:00

From:
Sent: Sunday, October 11, 2009 6:21 PM
Subject: accion de raul galvez en ovum0tds

Amigos, durante las tres jornadas que duro OVUM10TDS, asistimos a muchas cosas insólitas, por ejemplo a una Romeria Experimental que asustó a los propios policias Sin embargo hubo una acción que de los 37 participantes-OVUM sólo pudo ser vista en su totalidad por dos privilegiados (Sergio Quiñonero y Unai Reglero) gracias a ellos tenemos las imágenes completas de la acción, podeis ver el video grabado por Sergi Quiñonero en:

Boek Visual
http://boek861.blog.com.es

Título:
RAUL GALVEZ, OLIMPIADA ARTISTICA (ACCION POETICA).

Acción poética presentada en OVUM10TDS,Tarragona.

Vídeo del happening "1ª Olimpiada artística en Tarragona". Acción poética realizada por Raül Gàlvez. Vídeo grabado por Sergi Quiñonero y editado por Raül Gálvez.

Entrar:
http://boek861.blog.com.es

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Amigos en el mundo

2009-10-09T09:56:00.000-07:00

aqui va nuestra felicitacion para el mito /TDS la foto es de IBIRICO que se añade fervorosamente al festejo / CRC

(Para ampliar click sobre la imagen, gracias)

Clemente Padín - Isabel Jover- César Reglero